Utilisateur:Cocojean29/Brouillon

The track, recorded last Wednesday (30th March), uses Andriy’s vocals taken from his Instagram post of him in Kyiv’s Sofiyskaya Square singing ‘Oh, The Red Viburnum In The Meadow’, a rousing Ukrainian folk protest song written during the first world war. The title of the Pink Floyd track is taken from the last line of the song which translates as ‘Hey, hey, rise up and rejoice’.

The video for ‘Hey Hey Rise Up' was filmed by acclaimed director Mat Whitecross and shot on the same day as the track was recorded, with Andriy singing on the screen while the band played.

Gilmour, who has a Ukrainian daughter-in-law and grandchildren says: “We, like so many, have been feeling the fury and the frustration of this vile act of an independent, peaceful democratic country being invaded and having its people murdered by one of the world's major powers”.

Gilmour explains how he came to know Andriy and his band Boombox. “In 2015, I played a show at Koko in London in support of the Belarus Free Theatre, whose members have been imprisoned. Pussy Riot and the Ukrainian band, Boombox, were also on the bill. They were supposed to do their own set, but their singer Andriy had visa problems, so the rest of the band backed me for my set - we played Wish You Were Here for Andriy that night. Recently I read that Andriy had left his American tour with Boombox, had gone back to Ukraine, and joined up with the Territorial Defense. Then I saw this incredible video on Instagram, where he stands in a square in Kyiv with this beautiful gold-domed church and sings in the silence of a city with no traffic or background noise because of the war. It was a powerful moment that made me want to put it to music.”

While writing the music for the track, David managed to speak with Andriy from his hospital bed in Kyiv where he was recovering from a mortar shrapnel injury. “I played him a little bit of the song down the phone line and he gave me his blessing. I hope that we do something together in person at some point in the future.”

Speaking about his hopes for the track Gilmour says, “I hope it will receive wide support and publicity. We want to raise funds and morale. We want to show our support for Ukraine and in that way, show that most of the world thinks that it is totally wrong for a superpower to invade the independent democratic country that Ukraine has become.

The artwork for the track features a painting of the national flower of Ukraine, the sunflower, by the Cuban artist, Yosan Leon. The cover of the single is a direct reference to the woman who was seen around the world giving sunflower seeds to Russian soldiers and telling them to carry them in their pockets so that when they die, sunflowers will grow.

SOUTH SATURN DELTA

Sorti avant South Saturn Delta, First Rays of the New Rising Sun était présenté comme le quatrième album studio prévu d'Hendrix par Experience Hendrix LLC. Les chansons issues de cet album était précédemment publiées en 1971 et 1972 par Michael Jeffery à l'époque à travers les premiers albums posthumes The Cry of Love, Rainbow Bridge et War Heroes depuis retirés de la vente. South Saturn Delta rassemble cinq chansons des deux derniers albums non gardées pour First Rays of the New Rising Sun : Look Over Yonder et Pali Gap de Rainbow Bridge, et Tax Free, Midnight et Bleeding Heart de War Heroes. L'album comporte également la face B du single Burning of the Midnight Lamp (The Star's That Play With Laughing Sam's Dice) parue dans les compilations anglaises Smash Hits (1968) et Loose Ends (1974) encore inédite aux Etats-Unis, ainsi que des versions démos et alternatives de chansons connues et des inédits non terminés par Jimi complètent l'album.

South Saturn Delta est un album posthume de Jimi Hendrix paru par Experience Hendrix LLC le 7 octobre 1997.

Quelques mois seulement après la publication de First Rays of the New Rising Sun, Experience Hendrix LLC proposa fin 1997 South Saturn Delta. Ce nouveau recueil d'enregistrements studio de Jimi Hendrix mélange inédits et titres bien connus du catalogue, indisponibles ou jamais réédités en CD. Il a pour but de terminer le remplacement des albums posthumes publiés par Michael Jeffery dans les années 1970.

South Saturn Delta rassemble des titres de tous les groupes de Jimi Hendrix, en faisant abstraction de toute considération chronologique.

En 1995, Al Hendrix récupère les droits de gestion discographique de son fils Jimi Hendrix après deux années de procès face à l'avocat Leo Branton et au producteur controversé Alan Douglas. Il crée l'entreprise Experience Hendrix LLC et signe un contrat de distribution avec MCA Records. Après la réédition des quatre albums non posthume du guitariste et de l'album First Rays of the New Rising Sun en avil

Le 7 octobre 1997 parait South Saturn Delta. Contrairement à First Rays of the New Rising Sun, c'est un album posthume avec des chansons inédites, des démos, des versions alternatives et des intrumentaux couvrant toutes les périodes.

Sorti avant South Saturn Delta, First Rays of the New Rising Sun était présenté comme le quatrième album studio prévu d'Hendrix par Experience Hendrix LLC. Les chansons issues de cet album était précédemment publiées en 1971 et 1972 par Michael Jeffery à l'époque à travers les premiers albums posthumes The Cry of Love, Rainbow Bridge et War Heroes depuis retirés de la vente. South Saturn Delta rassemble cinq chansons des deux derniers albums non gardées pour First Rays of the New Rising Sun : Look Over Yonder et Pali Gap de Rainbow Bridge, et Tax Free, Midnight et Bleeding Heart de War Heroes. L'album comporte également la face B du single Burning of the Midnight Lamp (The Star's That Play With Laughing Sam's Dice) parue dans les compilations anglaises Smash Hits (1968) et Loose Ends (1974) encore inédite aux Etats-Unis, ainsi que des versions démos et alternatives de chansons connues et des inédits non terminés par Jimi complètent l'album.

THE CRY OF LOVE

The Cry of Love

Album de Jimi Hendrix

Sortie	Mars 1971
Enregistré	mars 1968 - août 1970 Electric Lady Studios, New York
Durée	39:59
Genre	Rock psychédélique, blues rock, hard rock, funk rock, acid rock
Producteur	Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, Eddie Kramer
Label	Reprise Barclay et Polydor Polydor

Albums de Jimi Hendrix

Band of Gypsys
(1970) Experience
(1971)

The Cry of Love est le premier album studio posthume de Jimi Hendrix sorti en mars 1971 par l'ancien manager du guitariste Michael Jeffery. Il rencontre le succès à sa sortie et s'est vendu à plus de 100 000 exemplaires durant l'année de sa sortie en France.

Historique

The Cry of Love présente des chansons sur lesquelles Hendrix travaillait au moment de sa mort et est la première tentative de présenter son premier album studio depuis la dissolution de Jimi Hendrix Experience. The Cry of Love est composé principalement de chansons que Hendrix a enregistrées en 1970 dans ses nouveaux studios Electric Lady à New York avec le batteur Mitch Mitchell et le bassiste Billy Cox.

Environ la moitié des dix chansons de l'album étaient presque terminées avec des mixages effectués par Hendrix. Le reste était à divers stades de développement et a été mélangé (et certains doublés avec de nouvelles parties) après sa mort. Deux chansons initialement prévues pour The Cry of Love, Dolly Dagger et Room Full of Mirrors, ont été conservées pour la prochaine sortie prévue d'Hendrix, Rainbow Bridge; ils ont été remplacés par Straight Ahead et My Friend.

L'album crédite Hendrix en tant que producteur, ainsi que l'ingénieur du son de longue date Eddie Kramer et Mitchell, qui ont préparé les mixages finaux et la sélection des morceaux, avec la contribution du manager Michael Jeffery.

Sept des chansons de The Cry of Love ont ensuite été incluses dans la compilation éphémère Voodoo Soup, la tentative de 1995 du producteur Alan Douglas de présenter l'album prévu d'Hendrix. En 1997, tous ont été inclus sur First Rays of the New Rising Sun, avec sept autres chansons, réalisé par Kramer pour terminer le dernier album studio de Hendrix en respectant au mieux son oeuvre.

Caractéristiques artistiques

Le 18 septembre 1970, Jimi Hendrix meurt. Conséquence directe : il n'apportera pas la touche finale de son quatrième album studio tant attendu (Electric Ladyland était sorti deux ans auparavant, à une époque où les artistes majeurs publiaient tous au minimum un album par an).

Hendrix semblait se diriger vers un double, voire un triple album : le public rock avait beaucoup évolué depuis 1967, et l'année 1970 connut deux triples albums dont le succès fut considérable (l'album consacré au Festival de Woodstock, appelé Woodstock: Music from the Original Soundtrack and More, et le All Things Must Pass de George Harrison). Mike Jeffery, pour des raisons commerciales évidentes, demanda à Eddie Kramer de ne tirer qu'un simple album, laissant ainsi du matériel pour l'album suivant, la bande originale du film Rainbow Bridge que Jeffery devait à la Warner.

Pour autant, Hendrix n'ayant pas eu le temps de terminer son album, le réduire à un seul 33 tours n'avait rien d'une hérésie : le projet étant à jamais inabouti, il était illusoire de prétendre pouvoir présenter un album achevé. Alan Douglas (avec Voodoo Soup) et Experience Hendrix (avec First Rays of the New Rising Sun) s'y essaieront pourtant tous les deux par la suite.

En termes de légitimité, on peut estimer que The Cry of Love dépasse ces deux disques : Eddie Kramer avait alors travaillé avec Mitch Mitchell, le collaborateur le plus important de Jimi Hendrix, alors que les sessions étaient encore récentes. Si certains titres de The Cry of Love étaient virtuellement terminés, Kramer et Mitchell ont eu la tâche de finir ceux qui étaient incomplets. Certaines séances studio post mortem seront organisées dans cette optique, mais dans le plus grand respect de Hendrix et de ses dernières indications. Alan Douglas n'aura pas de tels scrupules quelques années plus tard.

Le titre de l'album n'a jamais été définitivement arrêté du vivant de Jimi Hendrix. Il a effectivement souvent parlé de First Rays of the New Rising Sun (demandant même à Billy Cox s'il fallait dire Ray ou Rays). Mais il a souvent évoqué d'autres titres : dans son dernier entretien (avec Keith Altham), il hésitait entre Horizon et Between Here And Horizon. Hendrix avait appelé The Cry of Love son ultime tournée américaine, contemporaine de nombreuses sessions studio, marquant les débuts officiels de son nouveau groupe.

Selon la plupart des témoignages, Hendrix abordait les séances avec plus de sérieux que par le passé, même si ses sautes d'humeur et sa relation avec Devon Wilson compliquaient parfois leur bon déroulement. Mais il faut se rappeler que certaines séances chaotiques d'Electric Ladyland ont donné naissance à des chefs d'œuvre.

En tant qu'album, The Cry of Love présente deux faces symétriques : chacune comporte trois titres rock, une ballade, et se termine par un blues.

Les titres rock présentent une orientation musicale en nette rupture avec Experience, une véritable renaissance. La lecture du Sessions de John McDermott (rédigé avec l'aide de Kramer et de Billy Cox, le bassiste de l'album) est à ce titre édifiante : les ultimes sessions enregistrées lors d'Electric Ladyland montrent un artiste qui a dépassé ses contradictions et sa perte d'inspiration en tant que leader-compositeur post-Electric Ladyland. Après des mois de chaos personnel et de doutes artistiques, Hendrix était de nouveau sur les rails, et travaillait vite et bien. Les sessions comme celles du 1^er juillet 1970 montrent clairement ce renouveau artistique.

Cette musique est nettement plus rythmique, plus composée. Les riffs compliqués s'entremêlent ; la basse devient la colonne vertébrale de tous ces titres : en cela, l'expérience du Band of Gypsys n'aura pas été vaine. Comme Billy Cox le rappelle dans Sessions de John McDermott, tout reposait sur des patterns, qu'on pourrait définir comme étant des motifs musicaux rythmiques allant de la demi-mesure à 4, voire 8 mesures ou plus. L'écoute des titres terminés et de leurs polyrythmies créées via les overdubs est à cet égard éclairante : c'est foisonnant, mais jamais confus.

Mais Jimi Hendrix ne fut pas le seul à évoluer : le jeu de Mitch Mitchell s'est lui aussi considérablement enrichi, devenant plus subtil, s'adaptant et modelant cette nouvelle musique. Il réussit à concilier groove et légèreté, comble habilement les espaces, et relance la machine dès que nécessaire. Il est au sommet de son art, plus proche ici de Tony Williams (la virtuosité flamboyante en moins) que de John Bonham ou Ginger Baker. Les solo de guitare sont plus courts, parfaitement ciselés, et la part d'improvisation est considérablement réduite par rapport à Electric Ladyland. Hendrix l'architecte prend le pas sur Hendrix l'instrumentiste. La guitare sert le discours et non l'inverse.

En 1970, la dichotomie du travail studio et des performances Live est totale. Cela confine presque à la schizophrénie (surtout si on compare Are You Experienced et Live at Monterey, très proches). En studio, Hendrix rejoue cent fois les mêmes lignes jusqu’à atteindre la perfection, alors que sur scène, c'est vraiment l'improvisateur qui prime.

Contrairement aux rocks, les ballades montrent une certaine continuité. Angel est la petite sœur de Little Wing. Et Drifting, celle de 1983 (y compris harmoniquement).

Analyse du contenu

Freedom

L'album s'ouvre sur Freedom, véritable manifeste de la nouvelle musique de Hendrix : complexe mais avec un groove très marqué. Les 20 versions Live du trio Hendrix/Cox/Mitchell jouées en 1970 montrent l'attachement de Hendrix à cette composition, qu'il mixera avec Eddie Kramer le 24 août 1970. Les nombreuses sessions à l'Electric Lady Studio (25 juin, 14 et 19 juillet, 14 et 20 août 1970) témoignent de la richesse du titre : le trio de base est augmenté des chœurs des Ghetto Fighters (les jumeaux Allen), des congas de Juma Sultan, et d'une partie de piano jouée par Hendrix lui-même, qui élargit habilement les timbres du morceau. Le titre est toutefois coupé : une partie du pont central, systématiquement jouée dans les versions Live est ici absente. Les notes de First Rays of the New Rising Sun indiquent que Jimi comptait rajouter un overdub de quelques secondes. Outre la qualité de l'écriture et de l'interprétation, il y a une étonnante diversité des parties de guitare : rock, blues, jazz, funk... Tous ces styles sont abordés en moins de trois minutes trente.

Drifting

Drifting est la première ballade de l'album. C'est une composition récente de Hendrix, qui sera l'objet des sessions des 25 et 29 juin, 23 juillet et 20 août 1970. Inachevé à la mort de Jimi Hendrix, le titre connaîtra deux ajouts post mortem : d'une part Mitch Mitchell réenregistrera sa partie de batterie (dont le jeu de cymbale en introduction est à souligner), et d'autre part, Buzzy Linhart (qui a connu Hendrix), enregistra le 20 novembre 1970 une partie de vibraphone, dans le respect des intentions de Hendrix qui hésitait entre un vibraphone ou une autre guitare rythmique. A l'écoute, il est impossible de se douter que le titre n'était pas terminé, tant il semble achevé. La voix de Hendrix, posée et sans artifice, est émouvante. Sa maîtrise des parties de guitare inversées impressionne : la beauté des timbres est telle qu'on dirait une voix humaine par moments.

Ezy Ryder

Ezy Ryder est le seul rescapé des séances du Band Of Gypsys (les 18 décembre 1969 et 20 janvier 1970 au Record Plant). Le titre fera ensuite l'objet d'overdubs à l'Electric Lady Studio les 15 et 18 juin, 2 juillet 1970, et sera mixé 22 août avec Eddie Kramer. Là encore, c'est un titre dont la présence ne souffre d'aucune discussion : il en existe 19 versions Live (dont une avec le Band of Gypsys). La composition est complexe, comportant de nombreux patterns. Le trio est augmenté des percussions de Billy Armstrong, et des voix de Chris Wood et de Steve Winwood, qu'on distingue très nettement sur la fin. L'introduction, inspirée d'une idée de Noel Redding (non crédité), est un modèle du genre. Le développement est une sorte de funk rock très dur, d'une efficacité redoutable. Le seul bémol concerne le mixage : la voix est trop sous-mixée, illustrant les complexes de Hendrix à ce sujet.

Night Bird Flying

Night Bird Flying est un autre titre très complexe, surtout dans sa deuxième partie. Enregistré par le trio les 16 juin et 19 juillet 1970, retouché le 22 août et mixé avec Eddie Kramer le 24, c'est un titre là encore virtuellement fini. Ils ont d'ailleurs procédé à son mastering le 26 août dans la perspective de le sortir en face B de Dolly Dagger. Une influence de Bob Dylan n'est pas à exclure, tant pour le chant que pour la colonne vertébrale de la composition. En revanche, toute la seconde partie n'appartient qu'à lui : Hendrix dresse un véritable mur de guitares via ses overdubs.

My Friend

Le dernier titre de la face, My Friend, est le seul de l'album qui n'aurait certainement pas vu le jour sous une forme ou une autre sur cet album si Jimi n'était pas mort. Pour autant, cette chute d'Electric Ladyland est une belle chanson, enregistrée le 13 mars 1968 au Sound Center, avec Kenny Pine à la guitare 12 cordes, Jimmy Mayes à la batterie (Mitch Mitchell aurait pu tiquer), Stephen Stills vaguement au piano et le malheureux Paul Caruso à l'harmonica, exclu des crédits par Jeffery. Inspiré des déboires de la tournée scandinave de l'Experience, My Friend nous plonge dans une ambiance radicalement différente, renforcée par les overdubs donnant l'impression d'écouter le groupe autour de la table d'un pub. Un titre plus léger, mais qui évite la monotonie aussi.

Straight Ahead

La face deux s'ouvre avec l'introduction de Straight Ahead, une des meilleures de toute la carrière de Hendrix. Enregistré les 17 juin et 19 juillet 1970 à l'Electric Lady Studio, le titre sera mixé le 20 août avec Eddie Kramer. C'est une composition récente du guitariste, dont les enregistrements Live nous permettent de voir l'évolution. Il existe en effet sept versions du trio Hendrix/Cox/Mitchell, retraçant comment Pass It On s'est mué en Straight Ahead. Moins complexe que les titres rock de la première face, c'est un titre carré dont le texte se veut dans l'air du temps. La cohésion du groupe en studio contribue à la réussite du titre, ainsi que la partie de Wah wah impressionnante qui jalonne le morceau.

Astro Man

Astro Man date du Band Of Gypsys, mais c'est une version du nouveau groupe augmenté de Juma Sultan, au tempo plus rapide qu'on entend ici. Enregistré à l'Electric Lady Studio les 25 juin et 19 juillet 1970, il sera mixé avec Eddie Kramer le 22 août. Parfois cité comme étant le titre le plus faible de l'album, c'est un des rares titres connus du mystérieux Black Gold évoqué par Hendrix, dont même les démos n'ont à ce jour jamais vu le jour officieusement. Les paroles sont inspirées de l'amour de Jimi Hendrix pour les Super Heroes, mais ce sont surtout les parties de guitares qui retiendront l'attention : la façon dont les riffs s'emboîtent les uns les autres en début de morceau est remarquable. Billy Cox répète ensuite une ligne de basse sur laquelle Hendrix part en solo. Le mixage de la batterie est original, avec un effet de stéréo qui donna peut-être des idées à Teo Macero pour le mixage (mais poussé à son paroxysme) du Go Ahead John de Miles Davis.

Angel

Vient ensuite Angel, l'autre ballade de l'album. Le titre devint ensuite le plus connu de l'album, une reprise de Rod Stewart (avec Ron Wood à la guitare) connaissant même un bon succès dans les charts. Contrairement à Drifting, c'est une composition qui date de plusieurs années : certaines versions embryonnaires ont été publiés depuis par Experience Hendrix LLC. Enregistrée à l'Electric Lady Studio lors de la séance du 23 juillet 1970, le titre fera l'objet d'une session post mortem le 19 octobre 1970, Mitch Mitchell réenregistrant sa partie de batterie. Il mixera Angel avec Kramer le 12 novembre 1970. Le jeu de Mitch Mitchell est d'ailleurs plus chargé qu'à l'accoutumée, sans doute pour masquer le côté encore très brut de la prise retenue : le chant n'est accompagné que d'une seule guitare rythmique. Angel est manifestement loin d'être terminé, mais la beauté de la composition militait trop en sa faveur pour ne pas la publier.

In From The Storm

In From The Storm est en revanche publié dans une version très travaillée, issue des séances des 22 juillet, 20 et 24 août 1970. Eddie Kramer ne mixera le titre que le 29 novembre 1970. C'est une composition récente de Hendrix, montrant là encore son inspiration retrouvée. Outre le trio, notons la présence d'Emeretta Marks aux chœurs, qui contribuent largement au climat du titre, dont la légitimité de la sélection est renforcée par les 5 versions Live jouée lors de l'été 1970. C'est un rock très dur mais original à cause de son côté afro : les chœurs presque gospel et la ligne de basse sont à des années-lumière du Jeff Beck Group... dont Hendrix a repiqué le riff de leur Rice Pudding pour conclure son morceau ! Les variations de tempo de la partie consacrée au solo jouent habilement sur les climats.

Belly Button Window

C'est Belly Button Window qui clôt The Cry of Love. Hendrix enregistra seul à l'Electric Lady Studio le 22 août 1970 son dernier titre, un blues intimiste dont les thèmes, inspirés de la grossesse de l'amie de Mitch Mitchell et sans doute sa propre enfance, sont pour le moins originaux : la vie intra-utérine et l'avortement. Une version en trio existe dans le circuit des collectionneurs, mais elle est nettement moins réussie que cette prise, où Hendrix a tout de même pris le temps d'ajouter une guitare avec de la wah wah, puis de la mixer deux jours plus tard. Simple ébauche ou non, il n'en demeure pas moins que c'est un titre très émouvant, idéalement placé en fin d'album, montrant une tout autre face du blues que My Friend.

Pochette et disque

Selon le journaliste musical Peter Doggett, l'album a été "accepté pendant des années comme un authentique album d'Hendrix plutôt que comme une compilation posthume". Doggett lui-même a décrit The Cry of Love comme "l'oeuvre de Kramer", tandis que d'autres auteurs de musique l'ont identifié comme étant autorisé par Hendrix lui-même. L'historien de la musique Martin Huxley, Jeremy Allen du Guardian et le journaliste de musique rock Eduardo Rivadavia le considèrent comme une compilation ; les auteurs de musique Phil Hardy, Frank N. Magill et Richard Kienzle l'identifient comme un album studio "autorisé", "vrai" ou "formel". Le journaliste de Guitar World Alan di Perna le décrit comme un "album studio à moitié fini".

De l'avis de Ritchie Unterberger : « bien que de nombreuses chansons aient été écrites dans un état de quasi-achèvement, on ne sait pas ce que Jimi aurait pu ajouter, effacer ou changer d'une autre manière, en particulier compte tenu de sa nature perfectionniste ... Le plus gros compromis, cependant, était la décision de faire du disque un seul disque, plutôt que le double album qu'Hendrix avait envisagé... Pour ces raisons, [The Cry of Love] ne peut pas être considéré comme le quatrième album studio qu'Hendrix aurait libéré s'il avait survécu, qu'il ait fini par s'appeler First Rays of the New Rising Sun ou autre chose."

Cependant, Billy Cox a déclaré : « nous [Hendrix et moi] avons discuté de la possibilité de faire un seul ou un double LP, mais cela n'a pas vraiment fait une grande différence. Vous devez vous en souvenir même s'ils [le label et le management] ont donné lui beaucoup de liberté en studio, quand le contrat d'enregistrement lui-même a été conclu, il n'avait pas le dernier mot."

Recording and production

The Cry of Love présente des chansons sur lesquelles Hendrix travaillait au moment de sa mort et est la première tentative de présenter son premier album studio depuis la dissolution de Jimi Hendrix Experience. The Cry of Love est composé principalement de chansons que Hendrix a enregistrées en 1970 dans ses nouveaux studios Electric Lady à New York avec le batteur Mitch Mitchell et le bassiste Billy Cox.

Environ la moitié des dix chansons de l'album étaient presque terminées avec des mixages effectués par Hendrix. Le reste était à divers stades de développement et a été mélangé (et certains doublés avec de nouvelles parties) après sa mort. Deux chansons initialement prévues pour The Cry of Love, Dolly Dagger et Room Full of Mirrors, ont été conservées pour la prochaine sortie prévue d'Hendrix, Rainbow Bridge; ils ont été remplacés par Straight Ahead et My Friend.

L'album crédite Hendrix en tant que producteur, ainsi que l'ingénieur du son de longue date Eddie Kramer et Mitchell, qui ont préparé les mixages finaux et la sélection des morceaux, avec la contribution du manager Michael Jeffery.

Sept des chansons de The Cry of Love ont ensuite été incluses dans la compilation éphémère Voodoo Soup, la tentative de 1995 du producteur Alan Douglas de présenter l'album prévu d'Hendrix. En 1997, tous ont été inclus sur First Rays of the New Rising Sun, avec sept autres chansons, réalisé par Kramer pour terminer le dernier album studio de Hendrix en respectant au mieux son travail.

Parution et réception

Notation des critiques

Compilation des critiques

Périodique	Note
AllMusic
Christgau's Record Guide	A
Classic Rock	6/10
Down Beat
Encyclopedia of Popular Music
The Great Rock Discography	7/10
MusicHound Rock	2/5
The Rolling Stone Album Guide
The Sydney Morning Herald
Tom Hull – on the Web	B+

The Cry of Love est sorti le 5 mars 1971. L'album est entré dans le palmarès Billboard's Top LP aux États-Unis au numéro 17 le 6 mars et s'est classé troisième. En avril, il s'est vendu à 500 000 exemplaires et est certifié disque de platine en 1998, ce qui indiquait des ventes d'un million d'exemplaires. Au Royaume-Uni, il est entré dans le UK Albums Chart le 3 avril, où il a culminé à la deuxième place. Lenny Kaye du Rolling Stone a salué The Cry of Love en 1971 comme l'authentique album posthume d'Hendrix, sa dernière œuvre, et « un témoignage magnifique et poignant, un épilogue appropriée à la carrière d'un homme qui était clairement le meilleur guitariste électrique à être produit par les années 60, sans exception"". La même année, Robert Christgau écrit dans The Village Voiceque l'album est un « excellent testament » et pourrait être le meilleur disque d'Hendrix après Electric Ladyland (1968) en raison de sa qualité dans son ensemble plutôt que de ses chansons individuelles. Des années plus tard, il a déclaré que l'album dans son ensemble est fluide, dépourvu d'affectations et « plus chaleureux que les trois disques d'Experience », tout en écrivant dans le Christgau's Record Guide: Rock Albums of the Seventies (1981):

« Ce n'est pas seulement le flux - ces morceaux fonctionnent comme des compositions individuelles, des rhapsodies désinvoltes comme "Angel" et "Night Bird Flying" aux chansons de riffs primaires comme "Ezy Ryder" et "Astro Man" aux gaffes inspirées comme "My Friend" et « Fenêtre du nombril ». Quel testament.  »

Dans l'Encyclopedia of Popular Music (2006), Colin Larkin a qualifié The Cry of Love d'"hommage approprié" à Hendrix, et Paul Evans a écrit dans The Rolling Stone Album Guide (1992) qu'il "montre le maître, jouant avec Cox et Mitchell, avec une plus grande asssurance : « Ezy Rider » et « Angel » sont les visages durs et tendres du génie le plus attrayant." En 2014, VH1 a qualifié The Cry of Love de "plus grand disque de rock classique posthume de tous les temps". La même année, il a été réédité aux formats CD et LP par Experience Hendrix. Passant en revue la réédition pour le magazine Classic Rock, Hugh Fielder a reconnu les "gloires" des chansons de l'album original mais a remis en question sa valeur compte tenu de leur inclusion dans First Rays of the New Rising Sun de 1997. Cependant, Dan Bigna du Sydney Morning Herald a déclaré dans sa critique que, bien que toutes les chansons aient été compilées sur la collection plus complète de First Rays, "il y a quelque chose de satisfaisant à avoir cette première version posthume d'Hendrix comme un objet distinct qui illumine le coups de pinceau d'un génie".

Liste des chansons

Toutes les chansons sont écrites et composées par Jimi Hendrix.

The Cry of Love
No	Titre	Enregistrement	Durée
1.	Freedom	25 juin 1970, 14 juillet 1970, 19 juillet 1970, 14 août 1970 et 20 août 1970 aux studios Electric Lady	3:27
2.	Drifting	25 juin 1970, 29 juin 1970, 23 juillet 1970 et 20 août 1970 aux studios Electric Lady, puis overdubs post-mortem le 20 novembre 1970 aux studios Electric Lady	3:48
3.	Ezy Ryder	18 décembre 1969 et 20 janvier 1970 à Record Plant Studios puis overdubs les 15 et 18 juin, le 2 juillet et le 22 août 1970 aux studios Electric Lady	4:09
4.	Night Bird Flying	16 juin 1970, 19 juillet 1970 et 22 août 1970 aux studios Electric Lady	3:50
5.	My Friend	13 et 14 mars 1968 à Sound Center	4:36
6.	Straight Ahead	17 juin 1970 et 19 juillet 1970 aux studios Electric Lady	4:42
7.	Astro Man	25 juin 1970, 19 juillet 1970 et 22 août 1970 aux studios Electric Lady	3:34
8.	Angel	23 juillet 1970 aux studios Electric Lady, puis overdubs post-mortem le 19 octobre 1970 aux studios Electric Lady	4:22
9.	In From the Storm	22 juillet 1970, 20 août 1970 et 24 août 1970 aux studios Electric Lady	3:41
10.	Belly Button Window	22 août 1970 aux studios Electric Lady	3:36

Personnel

Membres du groupe

• Jimi Hendrix : chant, guitares
• Mitch Mitchell : batterie, percussion sauf sur Ezy Rider
• Billy Cox : basse

Musiciens additionnels

• Noel Redding : basse sur My Friend
• Steve Winwood et Chris Wood : chœurs sur Ezy Rider
• The Ghetto Fighters (Arthur et Albert Allen) : chœurs sur Freedom
• Buzzy Lienhart : vibraphone sur Drifting
• Buddy Miles : batterie sur Ezy Rider
• Gers (Paul Caruso) : harmonica sur My Friend
• Emeretta Marks : chœurs sur In from the Storm

Charts et certifications

Charts album Année Pays Durée du classement Meilleur classement 1971 Allemagne 3 semaines 15e États-Unis 40 semaines 3e Canada 22 semaines 3e France 32 semaines 10e Italie - 9e Norvège 14 semaines 7e Pays-Bas 11 semaines 3e Royaume-Uni 14 semaines 2e 2014 Belgique (W) 1 semaine 191e Belgique (V) 1 semaine 146e Italie 1 semaine 71e 2016 France 1 semaine 183e

Certifications Pays Certification Ventes Date États-Unis  Or 500 000 + 01/04/1971  Platine 1 000 000 + 19/08/1998

Charts singles

Année	Single	Chart	Durée du classement	Position
1971	"Freedom"	Hot 100	8 semaines	59e

RAINBOW BRIDGE

Rainbow Bridge - Original Motion Picture Sound Track

Album de Jimi Hendrix

Sortie	9 octobre 1971
Enregistré	1968-1970
Genre	Rock, Funk, Blues
Producteur	Jimi Hendrix, Mitch Mitchell, Eddie Kramer, John Jansen
Label	Reprise

Albums de Jimi Hendrix

Experience
(1971) Isle of Wight
(1971)

Rainbow Bridge est un album posthume de Jimi Hendrix sorti en octobre 1971.

Rainbow Bridge - Original Motion Picture Sound Track

La mention Original Motion Picture Sound Track (bande originale du film) accolée au titre de l'album, Rainbow Bridge, n'est pas à prendre au pied de la lettre. C'est en effet uniquement pour des raisons contractuelles que le second album studio post mortem de Jimi Hendrix porte cette mention. La musique présentée ici n'a d'ailleurs rien d'une musique de film. Afin d'obtenir une rallonge de la Warner (pour financer les studios Electric Lady), Mike Jeffery avait eu l'idée de proposer une bande originale de film à la maison de disques : le contrat initial ne mentionnant pas ce cas, c'était un moyen astucieux d'arriver à ses fins, tout en obligeant Jimi Hendrix à s'impliquer dans Rainbow Bridge, le film, concurrent sérieux au titre de plus grand navet de tous les temps.

Tous les titres de Rainbow Bridge, l'album, ne figurent donc pas dans le film et, inversement, la musique que l'on entend au cours du film ne se retrouve pas forcément sur le disque. Il n'y a ainsi dans la bande originale du film aucune trace des deux concerts donnés par le trio Hendrix/Cox/Mitchell à Maui le 30 juillet 1970, dont sont extraits les seuls moments dignes d'intérêt du film.

Il ne faut pas non plus confondre l'album Rainbow Bridge sorti fin 1971 avec The Rainbow Bridge Concert, le double album officieux publié en 2002 par Purple Haze Records, qui retrace les deux concerts en question.

Désormais retiré du catalogue, et jamais réédité en CD, Rainbow Bridge est pourtant un album historique, que la plupart des amateurs qui ont découvert Hendrix du temps où il fallait encore se lever pour changer de face appréciaient autant que les albums publiés du vivant du guitariste. Ce ne sera pas le cas des albums studio présentant du matériel inédit publiés par la suite.

Rainbow Bridge est pourtant presque miraculeux. L'album est en effet aussi fort que The Cry of Love alors que le matériel présenté est globalement loin d'être aussi avancé que celui de son aîné. Sur les 8 titres de Rainbow Bridge, il n'y a que trois titres qui auraient pu raisonnablement figurer sur le quatrième album studio de Jimi Hendrix. Dolly Dagger et Room Full Of Mirrors, retenus dans un premier temps pour figurer sur The Cry of Love, et Earth Blues, le morceau qui cristallisait tout ce que Mike Jeffery détestait dans l'évolution musicale de Hendrix.

Le reste est composé de démos plus ou moins avancées (une version très brute de Hey Baby (New Rising Sun), jouée live en studio et un exercice de style : Star Spangled Banner), d'une jam améliorée (Pali Gap), d'un titre Live (Get My Heart Back Together, baptisé ici Hear My Train A Comin') et d'un titre du dernier album studio avorté de l'Experience (Look Over Yonder).

Pourtant, la magie opère, grâce au subtil équilibre trouvé par les producteurs de l'album (outre Hendrix) : Eddie Kramer, John Jansen et Mitch Mitchell. Selon Eddie Kramer, le travail de production post mortem fut toutefois considérable sur certains titres. Il est parfois difficile à évaluer : aucun pirate ne retrace la fameuse session du 1^er juillet 1970 à l'Electric Lady Studio.

Background

Malgré le titre, Rainbow Bridge n'est pas la bande originale du film documentaire du même nom, mais un album posthume compilant des enregistrements inédits de 1968 à 1970, dont certaines étaient prévues pour l'album inachevé First Rays of the New Rising Sun. Look Over Yonder a commencé sous le nom de Mr. Bad Luck alors que Hendrix se produisait à Greenwich Village, New York, avec son groupe Jimmy James and the Blue Flames à l'été 1966. The version included on Rainbow Bridge was recorded by the Experience in 1968. Room Full of Mirrors avait été joué en concert par l'Experience, avec un enregistrement au Royal Albert Hall apparaissant dans l'album live Experience (1971). Hear My Train A Comin' est une autre chanson qui remonte à l'Experience. Ils avaient tenté plusieurs enregistrements en studio, mais ceux-ci ont été ignorés (avec une version avec Cox et Buddy Miles) et un enregistrement en concert du premier concert du 30 mai 1970 au Berkeley Community Theatre a été utilisé à la place. Une version éditée apparaît dans le film de concert de 1971 Jimi Plays Berkeley.

Les enregistrements studios de Room Full of Mirrors et Earth Blues sont deux des rares chansons largement achevés avec Cox et Miles, bien que Mitchell ait plus tard doublé les parties de batterie sur ce dernier. Deux chansons supplémentaires, Izabella et Stepping Stone étaient sorties en single (répertoriées comme « Hendrix Band of Gypsys »), mais Hendrix souhaitait les retravailler pour son quatrième album proposé. Cependant, tout comme Dolly Dagger et Room Full of Mirrors ont été retirés de The Cry of Love, ceux-ci ont été retirés de la liste des pistes de Rainbow Bridge lors de la phase finale de la réalisation pour être utilisés pour améliorer le prochain album posthume War Heroes. The Star-Spangled Banner, le célèbre hymn américain revisitée par le guitariste à Woodstock, est présentée ici dans une version studio de 1969 par Hendrix seul. Le reste des chansons a été enregistré avec Mitchell et Cox entre juin et août 1970 : Dolly Dagger, Pali Gap et Hey Baby (New Rising Sun).

L'album était le deuxième produit par Eddie Kramer et Mitch Mitchell, avec l'aide de John Jansen. Il est sorti en octobre 1971 aux États-Unis et le mois suivant au Royaume-Uni où il a atteint respectivement les 15e et 16e places dans les charts. L'album a également culminé à la 9e place aux Etats-Unis dans le classement Best Selling Soul LP's. Dolly Dagger avec The Star-Spangled Banner comme face B est sorti en single aux États-Unis en octobre 1971. Il est 74e dans le Billboard Hot 100 pop chart. En 2014, l'album original de Rainbow Bridge a été réédité aux formats CD et LP.

Les titres

Toutes les chansons sont écrites et composées par Jimi Hendrix.

Rainbow Bridge
No	Titre	Enregistrement	Durée
1.	Dolly Dagger	1er juillet 1970 (piste de base), puis overdubs les 15, 19 et 20 juillet et 14, 18 août et 24 août 1970 aux studios Electric Lady	4:44
2.	Earth Blues	19 décembre 1969 au Record Plant Studios et 26 juin 1970 aux Studios Electric Lady	4:21
3.	Pali Gap	1er juillet 1970 aux studios Electric Lady	5:08
4.	Room Full of Mirrors	17 décembre 1969 à Record Plant Studios, New York puis overdubs en juin, juillet et le 20 août 1970 aux studios Electric Lady	3:20
5.	The Star Spangled Banner (Francis Scott Key, John Stafford Smith)	18 mars 1969 au Record Plant Studios à New York	4:12
6.	Look Over Yonder	22 octobre 1968 aux studios T.T.G., Hollywood	3:25
7.	Hear My Train A Comin' (version live)	30 mai 1970 en concert au Berkeley Community Theatre, Berkeley	11:35
8.	Hey Baby (New Rising Sun)	1er juillet 1970 aux studios Electric Lady	6:04

Le détail des titres

Dolly Dagger

C'est lors de cette séance que le basic track de Dolly Dagger a été enregistré, mais le titre fera l'objet de nombreuses séances d'overdubs lors des semaines suivantes. Le trio Hendrix/Cox/Mitchell est renforcé par Juma Sultan aux congas et les Ghetto Fighters (qui s'appelaient encore Arthur et Albert Allen) aux chœurs.

Dolly Dagger fait partie des quelques titres que Jimi Hendrix a terminé de son vivant : il avait prévu de le sortir comme single, avec Night Bird Flying en face B. Hendrix a même procédé avec Eddie Kramer à son mastering le 26 août 1970. Il en existe deux versions live, soundboard toutes les deux. La femme décrite par les paroles n'est nulle autre que Devon Wilson, la muse noire de Hendrix.

Musicalement, Dolly Dagger est un rock funky, radicalement différent de ce que proposait The Jimi Hendrix Experience. La basse y joue un rôle nettement plus important. L'exposé du riff d'introduction qui revient tout le long du morceau est édifiante à cet égard : on y entend Billy Cox doubler le thème que Jimi Hendrix joue à la guitare (exceptionnellement avec une basse dont le son est saturé via une fuzz box). L'héritage du Band of Gypsys, où guitare et basse sont régulièrement à l'unisson, est ici manifeste. Contrairement à Noel Redding, il joue régulièrement des transitions aux moments clés du titre, jouant un rôle similaire aux breaks de batterie. Au-delà du style, notons enfin que "Dolly Dagger" montre aussi le regain de créativité de Jimi en termes de songwriting.

Earth Blues

Earth Blues est dans une veine similaire, plus Noire encore. Le basic track a été enregistré le 19 décembre 1969 au Record Plant : c'est donc à l'origine un titre du Band of Gypsys, même s'il ne subsiste ici de la prestation de Buddy Miles que les chœurs qu'il a enregistré. Selon le site officiel, c'est le 26 juin 1970 que Mitch Mitchell l'aurait remplacé à la batterie : le jeu de toms de l'introduction est toutefois directement inspiré du style de Buddy Miles. Outre Juma Sultan aux percussions, on entend les Ronettes, invitées de marque aux chœurs. Là encore, le rôle de Billy Cox est à souligner car c'est la basse, véritable moteur, qui donne la pulsion rythmique du titre. Notons enfin la qualité de la performance vocale de Jimi Hendrix, qui dans un style vocal pas si éloigné que ça de celui de Buddy Miles s'en sort remarquablement.

Pali Gap

Pali Gap, enregistré le 1^er juillet 1970 fut le grand oublié de First Rays of the New Rising Sun. Alors que Dolly Dagger s'achevait, Billy Cox a lancé la ligne de basse de Gimme Some Loving. Au bout de trois minutes, Hendrix a, selon les dires de John Jansen, créé ce que Mike Jeffery baptisera plus tard Pali Gap. Les trois accords de Pali Gap (dont la structure, très simple, est basée sur un cycle de deux mesures, avec un contretemps sur le Sol : I Em (7) G I Bm (7) I) permettent un jeu modal. Les accords servent donc autant de couleurs que de véritable parcours obligé. Hendrix rajouta par la suite une guitare solo, avec son amplificateur Marshall poussé au maximum.

Room Full of Mirrors

Ecarté de The Cry of Love au dernier moment, c'est presque naturellement que Room Full Of Mirrors trouve ici sa place, d'autant que c'était un titre régulièrement joué par Jimi Hendrix en concert (il en existe 18 versions documentées depuis la jam du Royal Albert Hall jusqu'au dernier concert du trio Hendrix/Cox/Mitchell, la majeure partie lors du Cry of Love Tour). Enregistré le 17 novembre 1969 au Record Plant par le Band of Gypsys augmenté d'un percussionniste, il semble toutefois que ce ne soit pas Billy Cox à la basse, mais bien Hendrix lui-même, tel que c'était d'ailleurs indiqué sur les notes de pochettes de Voodoo Soup. Le style de la basse enregistrée ici est très différent de celui de Billy Cox, dont le jeu est plus en rondeur, moins agressif. Un certain nombre de séances à l'Electric Lady Studio seront consacrées à Room Full Of Mirrors en juin et juillet 1970 : il semblerait que Hendrix n'arrivait pas à obtenir un résultat à la hauteur des espérances qu'il plaçait en ce titre. Le mixage proposé ici ne serait d'ailleurs pas en accord avec ses dernières indications : la partie jouée en slide avec sa bague, en l'absence de bottleneck, serait mixée trop en avant.

Star Spangled Banner

Enregistrée le 18 mars 1969 au Record Plant, la version studio de l'hymne américain présentée ici est totalement différente des versions Live, dont la meilleure reste indéniablement celle jouée à Woodstock. Cette version est intéressante pour d’autres raisons, à savoir ses arrangements et pour le lyrisme de ses contrepoints. Mais aussi pour la maîtrise du studio dont Hendrix fait preuve : enregistrée entièrement en re-recording, certaines parties furent couchées sur bande en divisant par deux la vitesse de celle-ci, afin d’obtenir ce timbre si particulier (une octave au-dessus) lorsque la bande est jouée normalement.

Look Over Yonder

La face deux s'ouvre avec Look Over Yonder, un inédit de l'Experience enregistré le 22 octobre 1968 aux TTG Studios. Bien qu'enregistré après la publication d'Electric Ladyland, ce titre semblait destiné aux oubliettes : on ne le retrouve sur aucune des listes de Jimi Hendrix. Ni dans ses interviews. Et le titre n'a fait l'objet d'aucune tentative en concert. Pour autant, c'est un titre solide de The Jimi Hendrix Experience, très rock. Le style est plus proche des débuts de l'Experience, ce qui n'est pas véritablement surprenant, dans la mesure où ses origines remontent à 1967 (Cf. M. Bad Luck, aussi connu sous le titre de M.. Lost Soul, un moment officiel sur Live and Unreleased: The Radio Show).

Hear My Train A Comin'

Le titre suivant est un extrait du premier concert donné à Berkeley le 30 mai 1970 par le trio Hendrix/Cox/Mitchell. Le climat change radicalement, dans la mesure où l'on entend les imperfections du live, mais le choix se justifie par l'intensité exceptionnelle de cette version de Hear My Train A Comin', pour beaucoup d'amateurs du guitariste la meilleure jamais enregistrée professionnellement.

Hey Baby (New Rising Sun)

Hey Baby (New Rising Sun) a lui aussi été enregistré le 1^er juillet 1970 à l'Electric Lady Studio. En termes de créativité, c'est sans nul doute une des séances les plus brillantes de la carrière de Jimi Hendrix. Régulièrement joué par le trio Hendrix/Cox/Mitchell en concert (il en existe 12 versions Live), c'était l'un des titres les plus prometteurs du nouvel album de Hendrix. Le groupe est ici augmenté de Juma Sultan aux percussions. La version reste malheureusement inachevée : c'est ce qui explique la décision d'Eddie Kramer et de John Jansen de laisser le passage où Jimi demande si « le microphone est branché ? » Pour autant, bien que ce ne soit qu'une simple démo du groupe en studio, Hey Baby (New Rising Sun) est un titre phare du répertoire Hendrixien. Outre un superbe solo de guitare qui suit l'introduction du titre, l'interprétation ne souffre ici d'aucun souci majeur : combien d'auditeurs ne se sont jamais rendu compte du caractère inachevé du titre ? Il faut dire que le chant de Jimi Hendrix sert parfaitement cette composition, dont on peut mesurer l'évolution considérable depuis le Gypsy Boy enregistré l'année précédente.

Postérité discographique

Pour ceux qui voudraient reconstituer l'album à partir des CD proposés par Experience Hendrix LLC :^{[style à revoir]}

• Dolly Dagger, Earth Blues, Room Full of Mirrors et Hey Baby (New Rising Sun) figurent désormais sur First Rays of the New Rising Sun (1997) ;
• Pali Gap et Look Over Yonder sur South Saturn Delta (1997) ;
• Hear My Train A Comin' sur Blues (1994) ;
• Star Spangled Banner sur The Jimi Hendrix Experience Box Set publié en 2000.

Le mastering de George Marino opéré sur ces rééditions, approuvé par Eddie Kramer, est toutefois loin de faire l'unanimité.

INFOBOX CHANSON

Cocojean29/Brouillon

Single

Sortie

Singles par {{{artiste}}}

FIRST RAYS OF THE NEW RISING SUN

BURNING OF THE MIDNIGHT LAMP

ollowing a move to Mayfair Studios, The Experience abandoned their June 30, 1967 recordings from LA's Houston Studios and devoted twenty-one fresh takes of "ꜱᴛᴀʀꜱ ᴛʜᴀᴛ ᴘʟᴀʏ ᴡɪᴛʜ ʟᴀᴜɢʜɪɴɢ ꜱᴀᴍ'ꜱ ᴅɪᴄᴇ," with the final one being tagged as the song's MASTER. This, along with "Burning Of The Midnight Lamp" were the first Experience sessions to employ eight-track recording technologies.

15 juin

On June 15, 1970 Jimi Hendrix participated in his first known session at the new Electric Lady Studios. Accompanied by Mitch Mitchell and Billy Cox the trio focused on a new, up-tempo instrumental "All God's Children." While it exemplifies a strong backing track which could be accompanied by lyrics, there's no evidence that Jimi ever revisited the song again. This track is featured on the box set WEST COAST SEATTLE BOY.

16 juin

Jimi Hendrix returned to Electric Lady Studios on June 16, 1970 to revisit "Night Bird Flying," a song he had been exploring since as early as October 1968. In an extensive session consisting of 32-takes of the track, the superb last recording was further developed into a final master and eventually included on THE CRY OF LOVE (1971) and FIRST RAYS OF THE NEW RISING SUN (1997).

17 juin

Marking day three (June 17, 1970) at Electric Lady Studios, Jimi Hendrix finished recording "Straight Ahead" and then focused attention on the Bob Dylan composition "Drifter's Escape." The third take from this session was tagged as the master. Overdubs were later completed on July 19-20 with the final version eventually being released on 1997's SOUTH SATURN DELTA compilation.

14 et 15 juillet

On July 14 and 15, 1970 The Experience returned to Electric Lady Studios where they recorded multiple takes of the new song "Come Down Hard On Me." Originally titled "Jam," the song evolved to "Comin' Down Hard On My Baby," before settling on the name, "Come Down Hard On Me." This track is featured on the deluxe "purple box" set THE JIMI HENDRIX EXPERIENCE.

19 juillet

On July 19, 1970 Jimi Hendrix recorded the lead vocal for "Night Bird Flying" at Electric Lady Studios. Jimi improvised a vocal wah-wah effect during recording by moving the headphones around the vocal microphone. Paired with a superb lead guitar overdub, this creativity really showed Jimi's mastery in the studio.

21 et 22 juillet

Recorded on July 21 & 22, 1970 at Electric Lady Studios, "In From The Storm" evolved from a July 21 recording "Tune X--Just Came In." Track is based on a concept Jimi developed while on Tour. Completed recording appears on FIRST RAYS OF THE NEW RISING SUN.2

23 juillet

Nearly three years in the making "Angel" was a striking composition Jimi first contemplated during recording sessions for AXIS: BOLD AS LOVE. By July 23, 1970, Jimi entered Electric Lady Studios to record the rendition that first appeared on the posthumous album CRY OF LOVE.

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SOME GIRLS

Some Girls is the 14th British and 16th American studio album by the English rock band the Rolling Stones, released on 9 June 1978 on Rolling Stones Records. By 1976, the Rolling Stones' popularity was in decline as the music industry was dominated by disco and newer rock bands. In addition, the punk rock movement was an emerging cultural force in the UK. The band had also failed to produce a critically acclaimed album since 1972's Exile on Main St. Mick Jagger is generally regarded as the principal creative force behind Some Girls, with him taking influence by dance music, most notably disco, during the recording of the album.

It was the first album to feature guitarist Ronnie Wood as a full-time member; Wood had contributed to some tracks on the band's prior two albums, It's Only Rock 'n Roll (1974) and Black and Blue (1976). With a stable line-up in place for the first time in several years, the album marked a return to basics for the Rolling Stones and did not feature many guest musicians, unlike many of their prior albums. Notable contributions to the album, however, come from blues harmonica player Sugar Blue on "Miss You" and "Some Girls".

Rebounding from the relative critical disappointment of Black and Blue, Some Girls reached No. 2 on the UK Albums Chart and No. 1 on the US Billboard 200. It became the band's top-selling album in the US, having been certified by the RIAA for selling six million copies sold by 2000. It was a major critical success, becoming the only Rolling Stones album to be nominated for a Grammy Award in the Album of the Year category. Many reviewers called it a classic return to form and their best album since Exile on Main St.

Several hit singles emerged from the album which would become rock radio staples for decades, including "Beast of Burden" (US No. 8), "Shattered" (US No. 31), "Respectable" (UK No. 23), highlighted by "Miss You", which reached No. 1 in the US and No. 3 in the UK. In 2003, Some Girls was included in Rolling Stone's list of the 500 Greatest Albums of All Time.

History

By 1976, the Rolling Stones' popularity was in decline as the charts were dominated by disco and newer bands such as Aerosmith and Kiss. In the UK, the punk rock movement was a rising force and made most artists connected with the 1960s era seem obsolete. The group had also failed to produce a critically acclaimed album since 1972's Exile on Main St.

Modèle:Quote box Mick Jagger is generally regarded as the principal creative force behind Some Girls. Keith Richards was in legal trouble for much of 1977, which resulted in the band being inactive on the touring circuit during that year, except for two shows in Canada during the spring for the live album Love You Live. Jagger wrote "Miss You", as well as "Respectable", "Lies", and "When the Whip Comes Down". In addition to punk, Jagger claims to have been influenced by dance music, most notably disco, during the recording of Some Girls, and cites New York City as a major inspiration for the album, an explanation for his lyrical preoccupation with the city throughout.

At least as important for the band's re-invigoration was the addition of Ronnie Wood to the line-up, as Some Girls was the first album recorded with him as a full member. Unlike the guitar style of Mick Taylor, Wood's guitar playing style meshed with that of Richards, and slide guitar playing would become one of the band's hallmarks. His unconventional uses of the instrument featured prominently on Some Girls and he contributed to the writing process. Wood later recalled that working with the Stones was a different experience than with his former band the Faces, stating "I had never worked so intensely before on a project." In addition, Jagger, who had learned to play guitar over the previous decade, contributed a third guitar part to many songs. This gave songs like "Respectable" a three-guitar line-up.

For the first time since 1968's Beggars Banquet, the core band — now Jagger, Richards, Wood, Charlie Watts, and Bill Wyman — would be the main musicians on a Rolling Stones album, with few extra contributors. Ian McLagan, Wood's bandmate from the Faces, played keyboards, and harmonica player Sugar Blue contributed to several songs. In addition to saxophonist Mel Collins and Simon Kirke, who played percussion. The band decided not to use studio musicians including Billy Preston and Nicky Hopkins, as Richards felt that these musicians were "technically superior" but ultimately led the band into experimental territory and away from their basic sound. Jagger's guitar contributions caused the band's road manager, Ian Stewart, to be absent from many of the sessions as he felt piano would be superfluous, making this a rare Rolling Stones album on which he did not appear.

A serious concern was Richards' highly publicised heroin possession bust in Toronto, Ontario, in early 1977. This resulted in the possibility that he might be sent to jail for years. However, due to the judgement that Richards was separate from the usual theft and anti-social culture that was associated with heroin use, he was sentenced lightly. He was ordered to perform a charity show for The Canadian National Institute for the Blind which took place in Oshawa, Ontario, in 1979 where the Rolling Stones performed two shows and also featured the New Barbarians featuring both Wood and Richards on bass.

Rehearsals for Some Girls began in October 1977 and lasted a month before recording commenced in November, breaking before Christmas and starting up again after New Years before finishing in March 1978. Under their new British recording contract with EMI (remaining with Warner Music Group in North America only), they were able to record at EMI's Pathé Marconi Studios in Paris, a venue at which they would record frequently for the next several years. The Rolling Stones ended up recording about 50 new songs, several of which would turn up in altered forms on Emotional Rescue (1980) and Tattoo You (1981). Chris Kimsey was the engineer for the sessions. His approach to recording breathed life into the somewhat dense sounding recordings like Goats Head Soup (1973) and It's Only Rock 'n Roll (1974) albums. Kimsey's direct method of recording, together with the entrance of the then state-of-the-art Mesa/Boogie Mark I amps instead of the Ampeg SVT line of amps, yielded a bright, direct and aggressive guitar sound.

Packaging and artwork

The album cover for Some Girls was conceived and designed by Peter Corriston, who would design the next three album covers, with illustrations by Hubert Kretzschmar. An elaborate die-cut design, with the colours on the sleeves varying in different markets, it featured the Rolling Stones' faces alongside those of select female celebrities inserted into a copy of an old Valmor Products Corporation advertisement. The cover design was challenged legally when Lucille Ball, Farrah Fawcett, Liza Minnelli (representing her mother Judy Garland), Raquel Welch, and the estate of Marilyn Monroe threatened to sue for the use of their likenesses without permission. Similarly, Valmor did take legal action and were given a monetary award for the use of their design.

The album was quickly re-issued with a redesigned cover that removed all the celebrities, whether they had complained or not. The celebrity images were replaced with black and punk style garish colours with the phrase Pardon our appearance – cover under re-construction. Jagger later apologised to Minnelli when he encountered her during a party at the famous discothèque Studio 54. The only celebrity whose face was not removed was ex-Beatle George Harrison. As with the original design, the colour schemes on the redesigned sleeves varied in different markets.

A third version of the album cover with the hand-drawn faces from the original Valmore ad was used on the 1986 CD reissue.

Release

The lead single, "Miss You", was released on 19 May 1978 by the band's own Rolling Stones label, with the album track "Far Away Eyes" as the B-side; a longer, 12" edit appeared a month later on 2 June. The single was a commercial success, spending seven weeks on the UK Singles Chart, eventually peaking at No. 3. It fared better in the US, spending 20 weeks on the Billboard Hot 100 – longer than any prior Rolling Stones single – eventually peaking at No. 1, the band's final single to top the chart. Despite its commercial success, its disco sound alienated part of the fanbase. Regarding this, Jagger stated:

Some Girls was released on 9 June 1978, with the catalogue number CUN 39108 (UK) and COC 39108 (US). The record continued the band's commercial success, reaching No. 1 in the US and No. 2 in the UK. "Beast of Burden", backed by "When the Whip Comes Down", was released as the second single on 28 August 1978 in the US, where it reached No. 8 on the Billboard Hot 100. "Respectable", again backed by "When the Whip Comes Down", was released as the third single in the UK on 15 September, while "Shattered", backed by "Everything is Turning to Gold", appeared as the fourth and final single in the US on 29 November 1978. Both became Top 40 hits.

Controversy

Immediately following the album's release, the album attracted controversy. According to Cyrus Patell, a prominent black music station WBLS in New York City refused to play "Miss You" due to what the station deemed to be "the offensive racial attitudes of the album and the band." Additionally, the title track attracted controversy with the line "Black Girls just want to get fucked all night/I just don't have that much jam." Regarding the line, Ahmet Ertegun, the chairman of Atlantic Records (the US distributor of Rolling Stones Records), stated: "When I first heard the song, I told Mick it was not going to go down well. Mick assured me that it was a parody of the type of people who hold these attitudes. Mick has great respect for blacks. He owes his whole being, his whole musical career, to black people." Incidentally, black-oriented radio stations began to boycott "Some Girls", leading Jagger to tell Rolling Stone: "Atlantic tried to get us to drop it, but I refused. I've always been opposed to censorship of any kind, especially by conglomerates. I've always said, 'If you can't take a joke, it's too fucking bad.'"

On 6 October 1978, Ertegun met with Reverend Jesse Jackson, then leader of Operation PUSH (People United to Save Humanity) to discuss the lyric. The meeting ended with Jackson declaring the song to be a "racial insult" that "degrades blacks and women", threatening to boycott the record until a resolution was met. Ertegun concurred, saying, "It is not our wish to in any way demean, insult or make less of the people without whom there would be no Atlantic Records." After discussing the matter with Atlantic officials, who considered censoring the line, Earl McGrath, president of Rolling Stones Records, released a statement on 12 October on behalf of the band:

Critical reception

Upon release, Some Girls received extremely positive reviews from music critics, with many agreeing it was the Stones' best work since Exile on Main St. Reviewing for The Village Voice in 1978, Robert Christgau said, "The Stones' best album since Exile on Main St. is also their easiest since Let It Bleed or before. They haven't gone for a knockdown uptempo classic, a 'Brown Sugar' or 'Jumpin' Jack Flash'—just straight rock and roll unencumbered by horn sections or Billy Preston. Even Jagger takes a relatively direct approach, and if he retains any credibility for you after six years of dicking around, there should be no agonizing over whether you like this record, no waiting for tunes to kick in. Lyrically, there are some bad moments—especially on the title cut, which is too fucking indirect to suit me—but in general the abrasiveness seems personal, earned, unposed, and the vulnerability more genuine than ever. Also, the band is a real good one. Real good."

In his review of the album for Rolling Stone in June 1978, Paul Nelson wrote that while Some Girls may have been the band’s finest LP since its "certified masterpiece", Exile on Main St., "what I won’t buy is that the two albums deserve to be mentioned in the same breath. (...) Some Girls is like a marriage of convenience: when it works — which is often — it can be meaningful, memorable and quite moving, but it rarely sends the arrow straight through the heart." Three months later, in September, Rolling Stone editor Jann Wenner published his own review, rebutting that of Paul Nelson. He heaped praise on the Some Girls single, writing that the song "exemplifies the polish, power, and passion of the Stones", equalled 'Tumbling Dice' and 'Brown Sugar', and "may even set new standards for the band."

Writing for Circus magazine, Nick Tosches gave praise to the record, calling it their best in five years: "After five years, the rhythm is back, and satisfaction and shelter are once again just out of reach." He further wrote that Some Girls more than makes up for the group's prior works. After Black and Blue, Richard Riegel of Creem called Some Girls a return to "refreshingly kinetic rock 'n' roll". He further gave praise to Jagger's vocal performances and Wood's contributions on guitar. In Sounds, Peter Silverton spoke positively of the record, highlighting "Miss You" as the standout. He concluded: "Because they recorded so quickly (by their standards) they've achieved an immediacy on this which has been sorely lacking on their last few studio albums. It's far from great but it's certainly better than we had any right to expect after all these years." Kris Needs, in a review for ZigZag magazine, complimented the album's consistency when compared to its three predecessors. Needs further praised the lyrics as improvements over their prior works. NME's Charles Shaar Murray gave the album a more mixed assessment. Although he agreed it was their finest work since Exile on Main St., he felt it was more a Jagger solo record than a proper Rolling Stones record, praising his singing and Watts' drumming. Nevertheless, he considered the production a step up from Black and Blue and gave high praise to "Shattered".

Retrospective appraisal

Modèle:Album reviews Some Girls has continued to receive critical acclaim, with many reviewers commending the band's ability to blend contemporary music trends with their older signature style. Writing for AllMusic, Stephen Thomas Erlewine praised the album, calling it "a tough, focused, and exciting record, full of more hooks and energy than any Stones record since Exile on Main St." Commending the group's performance compared to their previous works, Erlewine felt the rock tracks sound "harder and nastier than they have in years." He concluded his review stating: "Some Girls may not have the back-street aggression of their '60s records, or the majestic, drugged-out murk of their early-'70s work, but its brand of glitzy, decadent hard rock still makes it a definitive Stones album." After a period of decline due to emerging music trends, Jeff Giles of Ultimate Classic Rock credits Some Girls was successfully reinvigorating the band's sound and keeping its own identity, writing: "While the record incorporated elements familiar to longtime Stones fans...it infused the group's staid sonic aesthetic with disco rhythms and a dash of jagged punk aggression." Giles concluded that the album proved that "when they put their minds to it, the Stones were still capable of earning the title of the World's Greatest Rock 'n' Roll Band."

The album's 2011 reissue attracted a number of reviews. Yahoo!'s Lÿndsey Parker described Some Girls as one of the band's "toughest, rawest, hookiest, cockiest, Stonesiest, most attitudinal albums ever." She further commented that it stands as one of few Stones albums to have "held up as sonically, and still sound as gritty and urban and sexy and just downright cool, as their 1978 disco/punk/country/blues masterwork". In The A.V. Club, Steven Hyden commented that the record was not a case of selling out, but rather showcased that the band "could pull off the old magic using some flashy new tricks." Hyden further praised Richards' guitar performance, particularly on "Beast of Burden" and "Before They Make Me Run", writing that he is "healthier and more prominent on Some Girls than on any Stones record since Exile On Main St." Matthew Fiander of PopMatters commented that after Exile on Main St., the Stones were beginning to feel "safe" and "comfortable". He writes that Goats Head Soup led to two records that weren't as innovative as their prior works. Upon the emergence of punk rock, Jagger led the band to create what he calls "the band's most impassioned and fiery record of the '70s" (excluding Sticky Fingers and Exile). Praising the band's performance, particularly Wood, Fiander writes: "What's so amazing about this album is that, though it dabbles in newer trends...it still feels very much like a Rolling Stones record, a fresh angle on their long-time loves of blues and rock and roll traditions."

Aftermath and legacy

The Stones embarked on their summer US Tour 1978 in support of the album, which for the first time saw them mount several small venue shows, sometimes under a pseudonym. This was shorter and less ambitious than previous Stones tours, with only 26 shows performed over one and a half months, all of them in the US. Nonetheless, Some Girls became the third-best-represented album in Stones' concert setlists after Let It Bleed and Exile on Main St. All its ten songs have been played live – a distinction it shares only with Let It Bleed and Sticky Fingers – although the title tune was never performed until 1999, and only "Lies" was never played after the last dates in support of the album.

Some Girls has frequently appeared on several "best-of" lists by multiple publications. In 2000, it was voted number 300 in writer Colin Larkin's book All Time Top 1000 Albums. In 2003 Some Girls was ranked number 269 on Rolling Stone magazine's list of the 500 Greatest Albums of All Time, 270 in a 2012 revised list, and 468 in the 2020 revised list. In 2015, Ultimate Classic Rock included the album in their list of the top 100 rock albums of the '70s, while a year later, Classic Rock magazine placed the album at number seven on its list of the 100 greatest albums of the '70s. Based on Some Girls's appearances in professional rankings and listings, the aggregate website Acclaimed Music lists it as 12th most acclaimed album of 1978, the 117th most acclaimed album of the 1970s and the 417th most acclaimed album in popular music history.

Reissues

In 1986, the first compact disc version of the album was issued by the Stones' new label distributor, Columbia Records, as Rolling Stones/Columbia CK-40449. In 1994, with the acquisition of the Rolling Stones Records catalogue by Virgin Records, Some Girls was remastered and re-issued. The first pressing was packaged in a replica of the die-cut vinyl packaging, representing the redesigned 1978 cover in a pale color scheme. In 2009, the album was remastered and reissued by Universal Music; the reissue restored one of the brighter color schemes of the redesigned 1978 cover.

Some Girls was re-issued on 21 November 2011 as a 2-CD deluxe edition, including twelve songs originally recorded during the two sessions for the album (with the exception of "Tallahassee Lassie" from August–September 1978 and "We Had It All" from 1979). A Super-Deluxe edition also included a DVD with live footage & promo videos, a 100-page book, five postcards, a poster, and a 7" 180-gram replica vinyl single of "Beast of Burden". Most of the backing tracks were recorded in Paris between October 1977 and March 1978 with mostly newly recorded vocals by Jagger, which were recorded sometime during 2010 and 2011. The album re-entered the charts at No. 58 in the UK and No. 46 in the US. "No Spare Parts" was released as a single on 13 November, which went to No. 2 on Billboard's Hot Singles Sales. "So Young" was the second single from the Some Girls reissue, released briefly for free on iTunes the same day "No Spare Parts" was released. A video for "No Spare Parts" was produced and later released on 19 December 2011.

In 2012 it was released by Universal Music Enterprises in a Japanese-only SHM-SACD version.

Track listing

Toutes les chansons sont écrites et composées par Mick Jagger and Keith Richards, except where noted.

Side one
No	Titre	Durée
1.	Miss You	4:48
2.	When the Whip Comes Down	4:20
3.	Just My Imagination (Running Away with Me) (writers: Norman Whitfield, Barrett Strong)	4:38
4.	Some Girls	4:36
5.	Lies	3:11

Side two
No	Titre	Durée
1.	Far Away Eyes	4:24
2.	Respectable	3:06
3.	Before They Make Me Run	3:25
4.	Beast of Burden	4:25
5.	Shattered	3:48

Note

• North American copies of the album on 8-track tape format contain extended versions of "Miss You" and "Beast of Burden" and edited versions of the songs "Far Away Eyes," "Shattered" and "Just My Imagination (Running Away with Me)".

2011 bonus disc

No	Titre	Durée
1.	Claudine	3:42
2.	So Young	3:18
3.	Do You Think I Really Care?	4:22
4.	When You're Gone	3:51
5.	No Spare Parts	4:30
6.	Don't Be a Stranger	4:06
7.	We Had It All	2:54
8.	Tallahassee Lassie	2:37
9.	I Love You Too Much	3:10
10.	Keep Up Blues	4:20
11.	You Win Again	3:00
12.	Petrol Blues	1:35

Personnel

Album credits per the 2011 deluxe edition liner notes. Track numbers noted in parenthesis below are based on the CD track numbering.

The Rolling Stones

• Mick Jagger – lead vocals (all but 8), backing vocals (1–3, 6, 8–10), electric guitar (1–5, 7), piano (6), percussion (10)
• Keith Richards – electric guitar (all tracks), backing vocals (1–3, 6, 8–10), acoustic guitar (4, 6, 8, 9), bass guitar (4, 8), piano (6), lead vocals (8)
• Ronnie Wood – electric guitar (all but 6), backing vocals (1–3, 6, 8, 10), pedal steel (2, 6, 10), acoustic guitar (4, 9), bass guitar (10), bass drum (10)
• Bill Wyman – bass guitar (1–3, 5–7, 9), synthesiser (4)
• Charlie Watts – drums (all tracks)

Additional personnel

• Sugar Blue – harmonica (1, 4)
• Ian McLagan – electric piano (1), organ (3)
• Mel Collins – saxophone (1)
• Simon Kirke – congas (10)
• Chris Kimsey – mixing engineer
• Ted Jensen – vinyl mastering

Additional personnel on 2011 bonus disc

• Ian Stewart – bonus tracks: piano on "Claudine", "So Young", "Do You Think I Really Care?", "Tallahassee Lassie", "You Win Again", and "Petrol Blues"
• Chuck Leavell – bonus tracks: piano solo on "So Young"
• Don Was – bonus tracks: bass guitar on "Don't Be a Stranger"; handclaps on "Tallahassee Lassie"
• John Fogerty – bonus tracks: handclaps on "Tallahassee Lassie"
• Matt Clifford – bonus tracks: percussion on "Don't Be a Stranger"
• Sugar Blue – bonus tracks: harmonica on "Don't Be a Stranger" and "We Had It All"

Charts

Weekly charts

Original release 1978–79 weekly chart performance Chart (1978–79) Peak Position Australian Albums (Kent Music Report) 3 Austrian Albums (Ö3 Austria) 4 Canadian Albums (RPM) 1 Dutch Albums (MegaCharts) 3 French Albums (SNEP) 2 Italian Albums (FIMI) 6 Japanese LPs (Oricon) 11 New Zealand Albums (RIANZ) 2 Norwegian Albums (VG-lista) 3 Spanish Albums (PROMUSICAE) 5 Swedish Albums (Sverigetopplistan) 3 2 1 West German Albums (Media Control) 6

Reissue 2011 weekly chart performance Chart (2011) Peak Position Australian Albums (Kent Music Report) 93 Austrian Albums (Ö3 Austria) 38 Belgian Albums (Ultratop) 83 Canadian Albums (RPM) 60 Dutch Albums (MegaCharts) 25 French Albums (SNEP) 61 German Albums (Media Control) 14 Italian Albums (FIMI) 57 Japanese Albums (Oricon) 46 New Zealand Albums (RIANZ)< 33 Norwegian Albums (VG-lista) 39 Spanish Albums (PROMUSICAE) 59 Swedish Albums (Sverigetopplistan) 41 Swiss Albums (Swiss Hitparade) 48 UK Albums (OCC) 58 US Billboard 200 46

Year-end charts 1978 year-end chart performance Chart (1978) Position Australian Albums (Kent Music Report) 9 Austrian Albums (Ö3 Austria) 10 Canadian Albums (RPM) 3 Dutch Albums (MegaCharts) 22 French Albums (SNEP) 26 Italian Albums (FIMI) 25 UK Albums (OCC) 26 US Billboard Pop Albums 43 1979 year-end chart performance Chart (1979) Position Canadian Albums (RPM) 89 US Billboard Pop Albums 22

Certifications

Sales certifications for Some Girls

Région	Certification	Ventes/Streams
		365,100
		0
		0
		0
		0
^Mise en rayon selon la certification xNon précisé par la certification

See also

• Some Girls: Live in Texas '78

References

Sources

• (en) Felix Aeppli, Heart of Stone: The Definitive Rolling Stones Discography, 1962–1983, Ann Arbor, Michigan, Pierian Press, 1985 (ISBN 0-87650-192-7)
• (en) Sean Egan, The Mammoth Book of The Rolling Stones, London, Constable & Robinson Ltd., 2013 (ISBN 978-1-78033-646-6, lire en ligne), « Some Girls »
• (en) Cyrus R.K. Patell, The Rolling Stones' Some Girls, New York City, Continuum International Publishing Group, 2011 (ISBN 978-1-44119-280-6, lire en ligne)

External links

• (en) « Some Girls » (liste des versions de l'album), sur Discogs

Modèle:The Rolling Stones Modèle:The Rolling Stones albums ______________________________________________________________

EMOTIONAL RESCUE

Emotional Rescue is the 15th British and 17th American studio album by the English rock band the Rolling Stones, released on 20 June 1980 by Rolling Stones Records. Following the success of their previous album, Some Girls, which had been their biggest hit to date, the Rolling Stones returned to the studio in early 1979 to start writing and recording its follow-up. Full-time members Mick Jagger (vocals), Keith Richards (guitar), Ronnie Wood (guitar), Bill Wyman (bass), and Charlie Watts (drums) were joined by frequent collaborators Ian Stewart (keyboards), Nicky Hopkins (keyboards), Bobby Keys (saxophone) and Sugar Blue (harmonica).

Upon release, it topped the charts in at least six countries, including the US, UK, and Canada. Hit singles from the album include the title track, which reached No. 1 in Canada, No. 3 in the US, and No. 9 in the UK and "She's So Cold", which was a top-40 single in several countries. The recording sessions for Emotional Rescue were so productive that several tracks left off the album would form the core of the follow-up, 1981's Tattoo You.

History

Enregistré tout au long de 1979, d'abord aux Compass Point Studios à Nassau aux Bahamas, puis aux studios parisiens de Pathé Marconi et en fin d'année au Hit Factory à New York pour des séances d'ajouts, Emotional Rescue est le premier album des Rolling Stones enregistré après l'exonération des charges contre Keith Richards de détention de drogues à Toronto qui aurait pu le conduire en prison pendant des années. Fraîchement sorti après la vague Some Girls (1978), Keith Richards et Mick Jagger mènent le groupe à travers des dizaines de nouvelles chansons, dont certaines seront utilisées pour l'album suivant, Tattoo You (1981), n'en choisissant que dix pour Emotional Rescue.

Recorded throughout 1979, first in Compass Point Studios, Nassau, Bahamas, then Pathé Marconi, Paris, with some end-of-year overdubbing in New York City at The Hit Factory, Emotional Rescue was the first Rolling Stones album recorded following Keith Richards' exoneration from a Toronto drugs charge that could have landed him in jail for years. Fresh from the revitalisation of Some Girls (1978), Richards and Mick Jagger led the Stones through dozens of new songs, some of which were held over for Tattoo You (1981), picking only ten for Emotional Rescue.

Plusieurs des morceaux de l'album ne présentaient que les principaux membres du groupe des Rolling Stones: Jagger, Richards, Ronnie Wood, Charlie Watts et Bill Wyman. Sur d'autres, ils ont été rejoints par les claviéristes Nicky Hopkins et le co-fondateur Ian Stewart, le saxophoniste Bobby Keys et le joueur d'harmonica Sugar Blue.

Several of the tracks on the album featured just the core Rolling Stones band members: Jagger, Richards, Ronnie Wood, Charlie Watts, and Bill Wyman. On others, they were joined by keyboardists Nicky Hopkins and co-founder Ian Stewart, sax player Bobby Keys and harmonica player Sugar Blue.

Les chansons laissées en dehors de l'album trouveraient leur place sur le prochain album, Tattoo You ("Hang Fire", "Little T&A" et "No Use in Crying"). "Think I'm Going Mad", une autre chanson des sessions, est sorti en face B de "She Was Hot" en 1984. Une reprise chantée par Richards: "We Had It All", est sortie le 2011 forfait de luxe Some Girls.

Songs left off the album would find their way onto the next album, Tattoo You ("Hang Fire", "Little T&A", and "No Use in Crying"). "Think I'm Going Mad", another song from the sessions, was released as the B-side to "She Was Hot" in 1984. A cover song sung by Richards: "We Had It All", was released on the 2011 deluxe Some Girls package.

Packaging and artwork

La couverture de l'album d'Emotional Rescue avait pour origine le concept, la direction artistique et la conception de Peter Corriston avec des photos thermographiques prises par l'artiste britannique d'origine parisienne Roy Adzak à l'aide d'une caméra thermique, un appareil qui mesure les émissions de chaleur. La sortie originale était enveloppée dans une énorme affiche couleur présentant plus de photos thermiques du groupe avec l'album lui-même enveloppé dans un sac en plastique. Le clip original tourné pour "Emotional Rescue" utilisait également le même type de plans du groupe en train de jouer. Peu de temps après, une deuxième vidéo pour "Emotional Rescue" a été tournée, réalisée par David Mallett (produit par Paul Flattery & Simon Fields) ainsi qu'une pour "She's So Cold".

The album cover for Emotional Rescue had concept origination, art direction and design by Peter Corriston with thermographic photos taken by British-born, Paris-based artist Roy Adzak using a thermo camera, a device that measures heat emissions. The original release came wrapped in a huge colour poster featuring more thermo-shots of the band with the album itself wrapped in a plastic bag. The original music video shot for "Emotional Rescue" also utilised the same type of shots of the band performing. A short time later a second video for "Emotional Rescue" was shot, directed by David Mallett (produced by Paul Flattery & Simon Fields) as well as one for "She's So Cold."

Release and reception

Sorti en juin avec le titre à succès infusé de disco en tant que premier single, Emotional Rescue a été un succès immédiat. La chanson titre a atteint le n ° 3 du Billboard Hot 100. L'album a donné aux Rolling Stones leur premier album n ° 1 au Royaume-Uni depuis 1973 Goats Head Soup et a passé sept semaines au sommet des charts américains. Le single suivant "She's So Cold" a été un succès parmi les 30 premiers tandis que "Dance Pt. 1" a atteint la 9e place du classement Billboard's Dance.

Released in June with the disco-infused hit title track as the lead single, Emotional Rescue was an immediate smash. The title track hit No. 3 on the Billboard Hot 100. The album gave the Rolling Stones their first UK No. 1 album since 1973's Goats Head Soup and spent seven weeks atop the US charts. The follow-up single "She's So Cold" was a top 30 hit while "Dance Pt. 1" reached No. 9 on Billboard's Dance chart.

La réception critique était relativement sourde, la plupart des critiques considérant l'album quelque peu formulé et peu ambitieux, en particulier par rapport à son prédécesseur. Écrivant dans Rolling Stone, Ariel Swartley a déclaré que "pour ce qui est de la musique," familier "est un euphémisme. Il n'y a guère de mélodie ici que vous n'ayez jamais entendue des Stones avant". Robert Christgau était plus positif, affirmant que "personne ne confondra jamais cela avec un grand album de Stones, mais je parie que cela semble plus intéressant que It's Only Rock 'n Roll".

Critical reception was relatively muted, with most reviewers considering the album somewhat formulaic and unambitious, particularly in contrast to its predecessor. Writing in Rolling Stone, Ariel Swartley stated that "as far as the music goes, 'familiar' is an understatement. There's hardly a melody here that you haven't heard from the Stones before". Robert Christgau was more positive, claiming that "no one will ever mistake this for a great Stones album, but I bet it sounds more interesting than It's Only Rock 'n Roll".

Les évaluations rétrospectives ont été un peu plus gentilles, avec plusieurs critiques louant la performance du groupe, malgré le matériel parfois léger. Stephen Thomas Erlewine d'AllMusic déclare que l'album "peut être composé principalement de remplissage, mais il est savamment écrit et exécuté".

Retrospective assessments have been somewhat kinder, with several critics praising the band's performance, despite the sometimes lightweight material. Stephen Thomas Erlewine of AllMusic states that the album "may consist mainly of filler, but it's expertly written and performed filler".

En 1994, Emotional Rescue a été remasterisé et réédité par Virgin Records, et à nouveau en 2009 par Universal Music. En 2011, il a été publié par Universal Music Enterprises dans une version SHM-SACD uniquement japonaise. Le remaster de 1994 a été initialement publié dans un CD Collector's Edition, qui reproduisait de nombreux éléments de l'emballage original de l'album, y compris l'affiche en couleur.

In 1994, Emotional Rescue was remastered and reissued by Virgin Records, and again in 2009 by Universal Music. In 2011 it was released by Universal Music Enterprises in a Japanese-only SHM-SACD version. The 1994 remaster was initially released in a Collector's Edition CD, which replicated many elements of the original album packaging, including the colour poster.

Track listing

All songs composed by Mick Jagger and Keith Richards, except "Dance (Pt. 1)" co-written by Ronnie Wood.

1. "Dance (Pt. 1)" – 4:23
2. "Summer Romance" – 3:16
3. "Send It to Me" – 3:43
4. "Let Me Go" – 3:50
5. "Indian Girl" – 4:23
6. "Where the Boys Go" – 3:29
7. "Down in the Hole" – 3:57
8. "Emotional Rescue" – 5:39
9. "She's So Cold" – 4:12
10. "All About You" – 4:18

Personnel

The Rolling Stones

• Mick Jagger – lead vocals (all but 10), electric guitar (2, 4, 6, 8, 9), backing vocals (1, 2, 6), electric piano (8), percussion (1)
• Keith Richards – electric guitar (all but 5), backing vocals (1, 2, 6, 10), acoustic guitar (5), bass guitar (10), piano (10), lead vocals (10)
• Bill Wyman – bass guitar (3-5, 7, 9), string synthesizer (5, 8)
• Charlie Watts – drums (all tracks)
• Ronnie Wood – electric guitar (1-4, 6, 7, 9, 10), bass guitar (1, 2, 6, 8), pedal steel (4, 5, 9), backing vocals (6, 10), saxophone (1)

Additional personnel

• Ian Stewart – electric and acoustic piano, percussion
• Nicky Hopkins – keyboards
• Sugar Blue – harmonica
• Bobby Keys – saxophone
• Michael Shrieve – percussion
• Max Romeo – backing vocals on "Dance (Pt. 1)"
• Jack Nitzsche – horn arrangement on "Indian Girl"

Technical

• Chris Kimsey – associate producer and engineer
• Snake Reynolds – assistant engineer
• Sean Fullan – assistant engineer
• Ted Jensen – mastering engineer

Charts

Weekly charts Chart (1980) Position Australian Kent Music Report 4 Austrian Albums Chart 2 Canadian RPM Albums Chart 1 Dutch Albums Chart 1 French SNEP Albums Chart 1 Italian Albums Chart 5 Japanese Oricon LPs Chart 10 New Zealand Albums Chart 2 Norwegian Albums Chart 4 Spanish Albums Chart 5 Swedish Albums Chart 1 UK Albums Chart 1 US Billboard 200 1 West German Media Control Albums Chart 2

Year-end charts Chart (1980) Position Australian Albums Chart 19 Austrian Albums Chart 9 Canadian Albums Chart 8 Dutch Albums Chart 20 French Albums Chart 27 Italian Albums Chart 22 US Billboard Pop Albums 35

Certifications

Région	Certification	Ventes/Streams
		277,900
		0
		0
		0
		0
		0
^Mise en rayon selon la certification xNon précisé par la certification

External links

• (en) « Emotional Rescue » (liste des versions de l'album), sur Discogs

Modèle:The Rolling Stones Modèle:The Rolling Stones albums __________________________________________________________________

TATTOO YOU

Tattoo You is the 16th British and 18th American studio album by the English rock band the Rolling Stones, released on 24 August 1981 by Rolling Stones Records. The album is mostly composed of studio outtakes recorded during the 1970s, and contains one of the band's most well-known songs, "Start Me Up", which hit number two on the US Billboard singles charts. It is considered The Rolling Stones last "great" album.

A combination of touring obligations and personal feuding between band members made it difficult to arrange dedicated recording sessions for the band's follow-up to 1980's Emotional Rescue. As a result, the band's production team combed through unused recordings from prior sessions, some dating back almost a decade. While a few of the songs were used essentially as-is in their original form, most of these earlier recordings were not complete, consisting of song fragments requiring much work. Studio time was booked throughout 1980 and 1981 and band members came in when available to finish off the tracks.

The credited members of the Rolling Stones for the album were vocalist Mick Jagger, guitarists Keith Richards and Ronnie Wood, bassist Bill Wyman, and drummer Charlie Watts, though two tracks feature former Stones guitarist Mick Taylor. Keyboardists Nicky Hopkins, Billy Preston, and Ian Stewart also appear on the album.

The album proved to be both a critical and commercial success upon release, reaching the top of the US Billboard pop chart. It was also the final Rolling Stones album to reach the top position of the US charts, thus concluding the band's string of number-one albums there, dating back to 1971's Sticky Fingers. In 1989, it was ranked No. 34 on Rolling Stone's list of the 100 greatest albums of the 1980s. In 2003, the album was ranked number 211 on Rolling Stone's list of The 500 Greatest Albums of All Time, then re-ranked number 213 in the 2012 revised list. Peter Corriston, who was responsible for the album cover's concept origination, art direction and design, won a Grammy Award in the category of Best Album Package.

History

Tattoo You is an album primarily composed of outtakes from previous recording sessions, some dating back a decade, with new vocals and overdubs. Along with two new songs, the Rolling Stones put together this collection to have a new album to promote for their worldwide American Tour 1981/European Tour 1982 beginning that September. Guitarist Keith Richards commented in 1993:

"The thing with Tattoo You wasn't that we'd stopped writing new stuff, it was a question of time. We'd agreed we were going to go out on the road and we wanted to tour behind a record. There was no time to make a whole new album and make the start of the tour."

Recording

The album's associate producer, Chris Kimsey, who had been associated with The Stones dating back to Sticky Fingers (1971) said, "Tattoo You really came about because Mick [Jagger] and Keith were going through a period of not getting on. There was a need to have an album out, and I told everyone I could make an album from what I knew was still there." He began sifting through the band's vaults: "I spent three months going through (the recording tapes from) like the last four, five albums finding stuff that had been either forgotten about or at the time rejected. And then I presented it to the band and I said, 'Hey, look guys, you've got all this great stuff sitting in the can and it's great material, do something with it."

Many of the songs consisted at this point of instrumental backing tracks for which vocals had not been recorded. Jagger said in a 1995 interview, "It wasn't all outtakes; some of it was old songs... I had to write lyrics and melodies. A lot of them didn't have anything, which is why they weren't used at the time – because they weren't complete. They were just bits, or they were from early takes". Despite the eclectic nature of the album, the Rolling Stones were able to divide Tattoo You into two distinct halves: a rock and roll side backed with one focusing on ballads.

The earliest songs used for Tattoo You are "Tops" and "Waiting on a Friend". The backing tracks for both songs were cut in late 1972 during the Goats Head Soup (1973) sessions and feature Mick Taylor, not Ronnie Wood, on guitar. Taylor, who was not credited, later demanded and received a share of the album's royalties.

Dating from the Black and Blue sessions are the backing tracks for "Slave" and "Worried About You". They feature Billy Preston on keyboards and Ollie E. Brown on percussion. Wayne Perkins plays the lead guitar on "Worried About You".

The album opens with "Start Me Up", originally rehearsed under the working title "Never Stop" and as a reggae-influenced number in 1978 during the Some Girls sessions, and the balance of it was recorded during these particular sessions in Paris (at Pathé Marconi studios) sessions where the more rock-infused track was recorded. "Black Limousine" was also worked on during these sessions .

The basic tracks for "No Use in Crying", "Neighbours", "Heaven" and "Little T&A" came from the Emotional Rescue sessions.

"Hang Fire" was worked on in both the Some Girls and Emotional Rescue sessions.

The vocal parts for the songs on Tattoo You were overdubbed during sessions in October–November 1980 and April–June 1981. Jagger was the only member of the band present at some of these sessions. Other overdubs, such as Sonny Rollins' saxophone parts on "Slave" and "Waiting on a Friend", were also added at these sessions. The album was mixed at Atlantic Studios, Electric Ladyland, Hit Factory and Power Station in New York City.

Release and aftermath

"Start Me Up" was released in August 1981, just a week before Tattoo You, to a very strong response, reaching the top 10 in both the United States and UK, and number 1 in Australia. Widely considered one of the Stones' most infectious songs, it was enough to carry Tattoo You to No. 1 for nine weeks in the United States, while reaching No. 2 in the UK with solid sales. It has been certified 4x platinum in the United States alone. The critical reaction was positive, many feeling that Tattoo You was an improvement over Emotional Rescue and a high-quality release. "Waiting on a Friend" and "Hang Fire" became Top 20 US hits as well.

"Start Me Up" would prove to be The Rolling Stones' last single to reach as high as No. 2 in the US, while Tattoo You is their last American No. 1 album to date.

The album title was originally planned to be simply Tattoo. Jagger claims to this day that even he has no clue how the "You" became attached to the title. The title caused friction between Jagger and Richards, with Richards suspecting that Jagger had changed the title without seeking his input. The album cover for Tattoo You had concept origination, art direction and design by Peter Corriston and illustration by Christian Piper. The album cover won the Grammy Award in 1982 in the Best Album Package category. It was the first Grammy Award for the Rolling Stones.

There were several videos directed by Michael Lindsay-Hogg for this album including:

• "Start Me Up", "Hang Fire" and "Worried About You": Consisting of a standard band performance setting, miming to a backing tape.
• "Neighbours": An homage to Hitchcock's Rear Window, it features the band playing in one apartment of an apartment building with various happenings seen in the windows of the other apartments: A working-class couple relaxing and making love, a t'ai chi practitioner exercising, and most notoriously, a man putting bloody body parts in a suitcase. This video was heavily censored when presented on television.
• "Waiting on a Friend": Filmed on location in New York City's East Village, it consists of Richards walking down the street, meeting Jagger, who is sitting on the front steps of 96-98 St. Mark's Place (the same building used by the designer Peter Corriston for cover art of Led Zeppelin's 1975 album Physical Graffiti) with several other men, one of whom is the late reggae musician Peter Tosh, who also shakes Richards' hand. They then proceed down the street and enter a bar where the rest of the band is waiting. The video also features Wood, rather than Mick Taylor on guitar (similar to the videos for "Hot Stuff" and "Worried About You" in which Harvey Mandel and Wayne Perkins respectively actually played).

Legacy

Critical reception

Reviews for Tattoo You were largely positive, proclaiming the album a return to form and ranking among the Rolling Stones' finest works. Debra Rae Cohen commented in Rolling Stone: "Just when we might finally have lost patience, the new record dances (not prances), rocks (not jives) onto the scene, and the Rolling Stones are back again, with a matter-of-fact acceptance of their continued existence – and eventual mortality …"

Robert Palmer of The New York Times wrote that "remarkably, Tattoo You is something special...None of [the tracks] are Chuck Berry retreads, none of them are disco, and none of them are reggae - they are all rock-and-roll, with more than a hint of the soul and blues influences that were so important in the band's early work...The new album's lyrics are also a surprise. The Stones seem to have dropped the studied decadence that was their most characteristic pose throughout the 70's. The songs on Tattoo You seem to be by and about real people rather than larger-than-life caricatures."

Robert Christgau gave the album a good review but criticised "Start Me Up" in his Pazz and Jop essay in 1981, saying, "Its central conceit – Mick as sex machine, complete with pushbutton – explains why the album it starts up never transcends hand-tooled excellence except when Sonny Rollins, uncredited, invades the Stones' space. Though it's as good in its way as 'Street Fighting Man', how much you care about it depends entirely on how much you care about the Stones' technical difficulties."

Patty Rose, in Musician, said, "The feel of the album … is more one of rediscovered youth, of axes to play, not grind, of the latest cope, not dope. … The Stones have shed yet another layer of self-consciousness and their shiny vinyl new skin tingles with an open, early-decade kind of excitement."

Writing in Creem, Nick Tosches expressed contempt for the Stones' gratuitous sexism and general negativity in their lyrics. After pointing out the misogyny in "Slave", "Little T+A", "Hang Fire" and even "Waiting on a Friend", he added: "Let it never be said that the Stones have a one-track mean streak. They are capable of singing for minutes on end without spewing venom at the target sex. 'Neighbours', for example, is quite catholic in its grimacing, directed as it is towards the whole family of man, with nary a mention of race, color or creed. 'No Use In Crying' contains the imperative phrase "Stay away from me," addressed to no one in particular, more times than I could count ...."

Accolades

In 1989, it was ranked No. 34 on Rolling Stone's list of the 100 greatest albums of the 1980s. In 2003, the album was ranked number 211 on Rolling Stone's list of The 500 Greatest Albums of All Time, then re-ranked number 213 in the 2012 revised list.

In 2000 it was voted number 759 in Colin Larkin's All Time Top 1000 Albums.

Peter Corriston, who was responsible for the album cover's concept origination, art direction and design, won a Grammy Award for Tattoo You in the category of best album package.

Band appraisal

In the 1995 Rolling Stone interview during which editor Jann Wenner called Tattoo You the Stones' "most underrated album", Jagger said, "I think it's excellent. But all the things I usually like, it doesn’t have. It doesn’t have any unity of purpose or place or time."

Reissues

Tattoo You was remastered and reissued in 1994 by Virgin Records, and again in 2009 by Universal Music. It was released on SHM-SACD in 2011 by Universal Music Japan. The 1994 remaster was initially released in a Collector's Edition CD, which replicated in miniature elements of the original vinyl album packaging.

Track listing

All songs composed by Mick Jagger and Keith Richards, except "Black Limousine" and "No Use in Crying" co-written with Ronnie Wood.

Side one
No	Titre	Durée
1.	Start Me Up	3:31
2.	Hang Fire	2:20
3.	Slave (Remastered CD version is 6:34)	4:55
4.	Little T&A	3:23
5.	Black Limousine	3:32
6.	Neighbours	3:31

Side two
No	Titre	Durée
1.	Worried About You	5:16
2.	Tops	3:45
3.	Heaven	4:21
4.	No Use in Crying	3:24
5.	Waiting on a Friend	4:34

Personnel

• Track numbers noted in parenthesis below are based on the CD track numbering.

The Rolling Stones

• Mick Jagger – lead vocals (all but 4), backing vocals (all but 5); electric guitar (9 & 10); percussion (track 9)
• Keith Richards – electric guitar (all but 9), backing vocals (1–4, 6, 7 & 10); lead vocals and bass guitar (track 4)
• Ronnie Wood – electric guitar (all but 3, 7–9 & 11), backing vocals (1, 2, 4, 6 & 10); bass guitar (track 2)
• Bill Wyman – bass guitar (all but 2 & 4); synthesizer, electric guitar, and percussion (track 9)
• Charlie Watts – drums, percussion (track 9)
• Mick Taylor – electric guitar (8 & 11)

Additional personnel

• Nicky Hopkins – piano (8, 10 & 11); organ (10)
• Ian Stewart – piano (2 & 4-6)
• Billy Preston – keyboards (3 & 7)
• Wayne Perkins – electric lead guitar (7)
• Ollie E. Brown – percussion (3 & 7)
• Pete Townshend – backing vocals (3)
• Sonny Rollins – saxophone (3, 6 & 11)
• Jimmy Miller – percussion (8)
• Michael Carabello – cowbell (1); conga (3); güiro, claves, cabasa and conga (11)
• Chris Kimsey – electric piano (9)
• Barry Sage – handclaps (1)
• Sugar Blue – harmonica (5)

Charts

Weekly charts Chart (1981–82) Position Australian Kent Music Report 1 Austrian Albums Chart 2 Canadian RPM Albums Chart 1 Dutch Albums Chart 1 French SNEP Albums Chart 1 Italian Albums Chart 3 Japanese Oricon LPs Chart 8 New Zealand Albums Chart 1 Norwegian Albums Chart 3 Spanish Albums Chart 2 Swedish Albums Chart 3 UK Albums Chart 2 US Billboard 200 1 German Media Control Albums Chart 3

Year-end charts Chart (1981) Position Australian Albums Chart 12 Canadian Albums Chart 5 Dutch Albums Chart 22 French Albums Chart 40 Italian Albums Chart 27 UK Albums Chart 35 US Billboard 200 22 Chart (1982) Position Australian Albums Chart 20 Canadian Albums Chart 51 Dutch Albums Chart 72 US Billboard 200 11

Certifications

Région	Certification	Ventes/Streams
{{{région}}}		225,000
		332,190
		0
		0
		0
		0
		0
		0
{{{région}}}		50,000
^Mise en rayon selon la certification xNon précisé par la certification

External links

• (en) « Tattoo You » (liste des versions de l'album), sur Discogs

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UNDERCOVER

Undercover is the 17th British and 19th American studio album by the English rock band the Rolling Stones, released on 7 November 1983 by Rolling Stones Records.

After their preceding studio album, Tattoo You (1981), which was mostly patched together from a selection of outtakes, Undercover was their first release of all new recordings in the 1980s. Tensions in the studio were high, as each of the principal songwriters wanted to take the band in a different direction. Vocalist Mick Jagger sought to adapt to modern trends in music, favouring reggae, worldbeat, and new wave musical textures, while guitarist Keith Richards wanted the band to return to their blues rock roots. As a result, the album is an eclectic, if uneven, collection of songs covering a wide range of styles. Besides the other principal band members, including guitarist Ronnie Wood, bassist Bill Wyman, and drummer Charlie Watts, the album featured many guest musicians. It would be the last album released during the lifetime of Ian Stewart, a former member of the band and frequent contributor on piano.

It would be the first Rolling Stones album in over a decade to miss reaching No. 1 on the US album charts, peaking at No. 4. Three singles were released from the album, with the highest rated being the top-40 release "Undercover of the Night".

History

En raison des récents progrès de la technologie d'enregistrement, Mick Jagger et Keith Richards ont été officiellement rejoints au siège du producteur par Chris Kimsey, le premier producteur extérieur utilisé par les Stones depuis Jimmy Miller. Ils ont commencé à enregistrer aux studios Pathé Marconi à Paris, en France, en novembre 1982. Après une pause pour les vacances de Noël, ils ont terminé l'album à New York l'été suivant.

Due to the recent advancements in recording technology, Mick Jagger and Keith Richards were officially joined in the producer's seat by Chris Kimsey, the first outside producer the Stones had used since Jimmy Miller. They began recording at the Pathé Marconi Studios in Paris, France in November 1982. After breaking for the Christmas holidays, they completed the album in New York City the following summer.

La création d'Undercover a été un processus ardu, en grande partie parce que la célèbre rangée de Jagger et Richards au milieu des années 1980 a commencé au cours de ces sessions. Jagger était parfaitement conscient des nouveaux styles et voulait garder les Rolling Stones actuels et expérimentaux, tandis que Richards était apparemment plus concentré sur les racines rock et blues du groupe. En conséquence, il y a eu des frictions et la tension entre les deux membres clés allait augmenter au cours des années à venir. Un facteur aggravant était le fait que Richards avait émergé (dans une certaine mesure) de son style de vie autodestructeur de la décennie précédente, et cherchait ainsi un rôle plus actif dans la direction créative du groupe, au grand dam de Jagger, qui avait jouit de près d'une décennie dans le contrôle relatif du groupe.

The making of Undercover was an arduous process, largely because Jagger and Richards' famous mid-1980s row began during these sessions. Jagger was keenly aware of new styles and wanted to keep The Rolling Stones current and experimental, while Richards was seemingly more focused on the band's rock and blues roots. As a result, there was friction, and the tension between the two key members would increase over the coming years. A compounding factor was the fact that Richards had emerged (to an extent) from his self-destructive lifestyle of the previous decade, and thus sought a more active role in the creative direction of the band, much to the chagrin of Jagger, who had enjoyed nearly a decade in relative control of the band.

Les paroles d'Undercover sont parmi les plus macabres de Jagger, avec beaucoup d'images macabres à trouver dans le premier single et le top 10 hit "Undercover of the Night", un morceau politique rare sur l'Amérique centrale, ainsi que "Tie You Up (The Pain of Love) "et" Too Much Blood ", la tentative de Jagger d'incorporer les tendances contemporaines dans la musique de danse.

The lyrics on Undercover are among Jagger's most macabre, with much grisly imagery to be found in the lead single and top 10 hit "Undercover of the Night", a rare political track about Central America, as well as "Tie You Up (The Pain of Love)" and "Too Much Blood", Jagger's attempt to incorporate contemporary trends in dance music.

Musicalement, Undercover semble se battre entre le hard rock, le reggae et la nouvelle vague, reflétant le bras de fer entre Jagger et Richards à l'époque. "Pretty Beat Up" est en grande partie une composition de Ronnie Wood, et Jagger et Richards auraient tous deux hésité à l'inclure sur l'album.

Musically, Undercover appears to duel between hard rock, reggae and new wave, reflecting the leadership tug of war between Jagger and Richards at the time. "Pretty Beat Up" is largely a Ronnie Wood composition, and Jagger and Richards were both reportedly reluctant to include it on the album.

"Think I'm Going Mad" était un morceau enregistré pour la première fois pendant les sessions Emotional Rescue de 1979. Il est finalement arrivé en tant que face B de "She Was Hot". Il n'a pas été inclus dans la collection Rarities 1971–2003 et a finalement été publié sur CD sur la compilation du coffret Singles 1971–2006.

"Think I'm Going Mad" was a track first recorded during the Emotional Rescue sessions of 1979. It finally arrived as the B-side to "She Was Hot". It was not included on the Rarities 1971–2003 collection and was finally released on CD on the Singles 1971–2006 box set compilation.

Release and reception

Modèle:Album reviewsUndercover est sorti en novembre 1983, atteignant le n ° 3 au Royaume-Uni et le n ° 4 aux États-Unis. Ce fut une déception relative cependant, brisant une série de huit albums n ° 1 (à l'exclusion des compilations et des albums live) aux États-Unis et ne parvenant pas à engendrer d'énormes singles.

Undercover was released in November 1983, reaching No. 3 in the UK and No. 4 in the US. It was a relative disappointment however, breaking a streak of eight No. 1 albums (excluding compilations and live albums) in the US and failing to spawn any huge singles.

Undercover était le quatrième album consécutif des Rolling Stones à avoir sa direction artistique assurée par Peter Corriston (qui avait remporté un Grammy pour son travail sur Tattoo You), avec une création de concept, une photographie et une illustration par Hubert Kretzschmar. La pochette de l'album était recouverte de véritables autocollants pelables sur l'édition originale en vinyle, qui, une fois retirée, révélaient d'autres formes géométriques à motifs.

Undercover was the fourth consecutive Rolling Stones album to have its art direction handled by Peter Corriston (who had won a Grammy for his work on Tattoo You), with concept origination, photography and illustration by Hubert Kretzschmar. The album's cover artwork was covered with real peel-off stickers on the original vinyl edition, which when removed revealed other patterned geometric shapes.

La réception critique contemporaine de l'album a été mitigée. Dans une critique contemporaine de Rolling Stone, Kurt Loder a attribué 4,5 étoiles à l'album, le qualifiant de "rock & roll sans excuses". D'un autre côté, Robert Christgau l'a qualifié de "morceau de merde trouble, exagéré et incohérent" et l'a qualifié de "pire album studio" du groupe.

Contemporary critical reception to the album was mixed. In a contemporary review in Rolling Stone, Kurt Loder gave the album 4.5 stars, calling it "rock & roll without apologies". On the other hand, Robert Christgau called it a "murky, overblown, incoherent piece of shit" and labelled it the band's "worst studio album".

Bien que le félicitant largement à sa sortie, de nombreux fans en sont venus à le considérer comme l'une des versions les plus faibles des Rolling Stones, un point de vue repris par Jagger lui-même dans des interviews ultérieures. Alors que certains critiques avaient tendance à blâmer la production alors contemporaine, une grande partie de l'album a été réalisée dans un style hard-rock ("She Was Hot", "Too Tough", "All The Way Down" et "It Must Be Hell "), ce qui conduit beaucoup à critiquer le matériau incohérent. De nombreuses critiques plus récentes ont également noté l'éclectisme et la méchanceté de l'album comme un reflet de la querelle Jagger / Richards.

Although largely praising it upon release, many fans came to regard it as among the Rolling Stones' weaker releases, a view echoed by Jagger himself in later interviews. While some critics tended to blame the then-contemporary production, a large part of the album was done in a hard-rock style ("She Was Hot", "Too Tough", "All The Way Down", and "It Must Be Hell"), leading many to fault the inconsistent material. Many newer reviews have also noted the album's eclecticism and nastiness as a reflection of the Jagger/Richards feud.

Legacy

Undercover s'avérera être le dernier album à tenter sérieusement de faire évoluer la musique du groupe dans de nouvelles directions; Les critiques reprochent souvent aux albums ultérieurs des Stones de s'appuyer trop facilement sur leur formule hard rock et blues du début des années 1970. Cependant, le disque est toujours l'une des sorties les moins populaires et les plus obscures des Stones.

Undercover would prove to be the last album that seriously attempted to take the band's music in new directions; critics often fault the Stones' later albums as relying too comfortably on their early 1970s hard rock and blues formula. However, the record is still one of the Stones' less popular and more obscure releases.

Undercover était le dernier album des Rolling Stones distribué en Amérique du Nord via l'accord de distribution original de Rolling Stones Records avec la filiale Atlantic Records de Warner Music Group. L'album sera réédité en 1986 par CBS / Sony Music après la signature des Stones sur ce label. Undercover a ensuite été remasterisé et réédité par Virgin Records en 1994, et à nouveau en 2009 par Universal Music. Il est sorti sur SHM-SACD en 2012 par Universal Music Japan. Les cassettes originales et les rééditions ultérieures de CD (post-EMI) de cet album contiennent une édition différente de "Wanna Hold You" que celle apparaissant sur la sortie vinyle originale. La sortie originale de la cassette comprend le couplet "Vous me semblez bien, alors qu'est-ce que ça va être, c'est à vous de choisir, je vais vous faire une offre que vous ne pouvez pas refuser". Cette version fonctionne à 3:50.

Undercover was the last Rolling Stones album distributed in North America via Rolling Stones Records' original distribution deal with Warner Music Group's Atlantic Records subsidiary. The album would be reissued in 1986 by CBS/Sony Music following the Stones' signing to that label. Undercover was subsequently remastered and reissued by Virgin Records in 1994, and again in 2009 by Universal Music. It was released on SHM-SACD in 2012 by Universal Music Japan.Original cassettes and later CD reissues (post-EMI) of this album contain a different edit of "Wanna Hold You" than appeared on the original vinyl release. The original cassette release includes the verse "You sure look good to me, so what's it gonna be, it's up to you to choose, I'll make you an offer you can't refuse". This version runs 3:50.

Track listing

Toutes les chansons sont écrites et composées par Mick Jagger and Keith Richards, except where noted.

Side one
No	Titre	Durée
1.	Undercover of the Night	4:31
2.	She Was Hot	4:40
3.	Tie You Up (The Pain of Love)	4:16
4.	Wanna Hold You	3:52
5.	Feel On Baby	5:03

Side two
No	Titre	Durée
1.	Too Much Blood	6:14
2.	Pretty Beat Up	4:03
3.	Too Tough	3:52
4.	All the Way Down	3:12
5.	It Must Be Hell	5:03

Other songs

Title	Length	Notes
"I Think I'm Going Mad"	4:17	"She Was Hot" B-side

Personnel

The Rolling Stones

• Mick Jagger – lead and backing vocals, electric guitar, harmonica
• Keith Richards – electric guitar, backing vocals; lead vocals on "Wanna Hold You"; bass guitar on "Pretty Beat Up"
• Ronnie Wood – electric and slide guitar, backing vocals; bass guitar on "Tie You Up" and "Wanna Hold You"
• Bill Wyman – bass guitar, percussion; piano on "Pretty Beat Up"
• Charlie Watts – drums

Additional personnel

• Chuck Leavell – keyboards, organ, piano
• Ian Stewart – piano on "She Was Hot" and "Pretty Beat Up", percussion
• David Sanborn – saxophone
• CHOPS – horns
• Sly Dunbar – percussion
• Robbie Shakespeare – bass guitar
• Moustapha Cisse – percussion
• Brahms Coundoul – percussion
• Martin Ditcham – percussion
• Jim Barber – main electric guitar on "Too Much Blood"

Technical

• Hubert Kretzschmar – cover art photographer and illustrator
• Peter Corriston – cover art designer
• Bob Clearmountain – mixing engineer

Charts

Weekly charts Chart (1983–84) Position Australian Kent Music Report 3 Austrian Albums Chart 8 Canadian RPM Albums Chart 2 Dutch Albums Chart 1 French SNEP Albums Chart 11 German Media Control Albums Chart 2 Italian Albums Chart 10 Japanese Oricon LPs Chart 12 New Zealand Albums Chart 2 Norwegian Albums Chart 3 Spanish Albums Chart 5 Swedish Albums Chart 1 Swiss Albums Chart 5 UK Albums Chart 3 US Billboard 200 4

Year-end charts Chart (1983) Position Australian Albums Chart 73 Canadian Albums Chart 45 Dutch Albums Chart 29 French Albums Chart 87 Italian Albums Chart 58 Chart (1984) Position Australian Albums Chart 87 Canadian Albums Chart 33 Dutch Albums Chart 93 Certifications Région Certification Ventes/Streams 0 0 0 ^Mise en rayon selon la certification xNon précisé par la certification

External links

• (en) « Undercover » (liste des versions de l'album), sur Discogs

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DIRTY WORK

Modèle:Use British English Modèle:Use dmy dates Modèle:Infobox album Dirty Work is the 18th British and 20th American studio album by the English rock band the Rolling Stones. It was released on 24 March 1986 on the Rolling Stones label by CBS Records, their first under their new contract with Columbia Records. Produced by Steve Lillywhite, the album was recorded during a period when relations between Mick Jagger and Keith Richards had soured considerably, according to Richards' autobiography Life.

The album was recorded during a time of turmoil for the band, as its two principal songwriters, Richards and Jagger, had been feuding over the band's direction during most of the 1980s. Almost all of the band members had spent the previous few years working on solo albums or side projects. Some band members, including guitarist Ronnie Wood, drummer Charlie Watts and bassist Bill Wyman, were often absent from the studio during recording sessions; it was rare that all five principal members were together at the same time. It would be the last album to feature former member and frequent piano contributor Ian Stewart, who died shortly before the album's release. As a result, number of guest musicians appeared on the album, including guitarists Jimmy Page and Bobby Womack. Keyboards were played by Ivan Neville and Chuck Leavell, who would remain with the band for decades. Unlike most Stones albums, there was no supporting tour, as the level of animosity among band members prevented them from being able to work together live onstage.

While the album sold well, reaching platinum or gold status in several countries, including the United States, Canada and the UK, and peaking as a top-10-charting album in over a dozen of markets, it was a critical flop, with most critics at the time finding it uneven and uninspired. Journalist Robert Christgau stood almost alone in his contemporary praise of the album, however, later re-assessments and retrospective reviews have generally been kinder. The album spawned two top-40 hits: a cover of Bob & Earl's song "Harlem Shuffle" and one of the songs written with Ronnie Wood, "One Hit (To the Body)".

Recording

Les sessions de Dirty Work, le premier album sous contrat d'enregistrement des Rolling Stones avec CBS Records, débutent en avril 1985 à Boulogne Billancourt3, qui durent deux mois avant de s'interrompre pour une courte période.4 Mick Jagger venait de sortir son premier album solo. , She's the Boss (1985), au grand mécontentement de Richards, puisque la première priorité de Richards était les Rolling Stones et qu'il était piqué que Jagger poursuive une carrière de pop star.5 Jagger était souvent absent des sessions de Dirty Work tandis que Richards enregistré avec Ronnie Wood, Bill Wyman et Charlie Watts; Les parties vocales de Jagger ont été ajoutées plus tard. Le fossé entre Jagger et Richards était à la vue du public le 13 juillet 1985, lorsque Jagger a joué un solo au Live Aid tandis que Richards et Wood soutenaient le set de Bob Dylan sur des guitares acoustiques.

The sessions for Dirty Work, the first album under the Rolling Stones' recording contract with CBS Records, began in April 1985 in Boulogne Billancourt, running for two months before breaking for a short spell. Mick Jagger had just released his first solo album, She's the Boss (1985), much to Richards' annoyance, since Richards' first priority was the Rolling Stones and he was stung that Jagger was pursuing a career as a pop star. Jagger was often absent from the Dirty Work sessions while Richards recorded with Ronnie Wood, Bill Wyman and Charlie Watts; Jagger's vocal parts were added later. The divide between Jagger and Richards was on public view on 13 July 1985, when Jagger performed a solo set at Live Aid while Richards and Wood supported Bob Dylan's set on acoustic guitars.

L'implication de Charlie Watts dans les sessions d'enregistrement était également limitée; en 1994, Watts a dit à Ed Bradley sur 60 Minutes que pendant les années 1980, il avait été accro à l'héroïne et à l'alcool. Steve Jordan et Anton Fig jouent de la batterie sur certains morceaux; Ronnie Wood joue de la batterie sur "Sleep Tonight". Jagger citera plus tard l'état personnel de Watts comme l'une des raisons pour lesquelles il opposa son veto à une tournée en faveur de Dirty Work en 1986, préférant commencer à travailler sur son deuxième album, Primitive Cool (1987).

Charlie Watts' involvement in the recording sessions was also limited; in 1994 Watts told Ed Bradley on 60 Minutes that during the 1980s he had been addicted to heroin and alcohol. Steve Jordan and Anton Fig play drums on some tracks; Ronnie Wood plays drums on "Sleep Tonight." Jagger would later cite Watts' personal state as one of the reasons he vetoed a tour in support of Dirty Work in 1986, preferring to start work on his second album, Primitive Cool (1987).

Quatre des huit compositions originales de l'album sont attribuées à Jagger / Richards / Wood et une à Jagger / Richards / Chuck Leavell. Seuls trois sont crédités à Jagger / Richards, le nombre le plus bas de tous les albums des Rolling Stones depuis Out of Our Heads (1965). Dirty Work est le premier album des Rolling Stones à présenter deux titres avec Richards au chant principal ("Too Rude" et "Sleep Tonight").

Four of the album's eight original compositions are credited to Jagger/Richards/Wood and one to Jagger/Richards/Chuck Leavell. Only three are credited to Jagger/Richards, the lowest number on any Rolling Stones album since Out of Our Heads (1965). Dirty Work is the first Rolling Stones album to feature two tracks with Richards on lead vocals ("Too Rude" and "Sleep Tonight").

Après un mois supplémentaire d'enregistrement final en juillet et août 1985 (qui a vu des apparitions de Jimmy Page, Bobby Womack et Tom Waits), le coproducteur Steve Lillywhite a supervisé plusieurs semaines de mixage et la création de remix de 12 pouces. Le 12 décembre, Ian Stewart, l'un des membres fondateurs des Stones et leur pianiste de longue date et directeur de la route, est décédé d'une crise cardiaque à l'âge de 47 ans. En hommage, une piste cachée de Stewart jouant "Key to the Highway "a été ajouté pour fermer l'album.

Following a further month of final recording in July and August 1985 (which saw guest appearances by Jimmy Page, Bobby Womack and Tom Waits), co-producer Steve Lillywhite supervised several weeks of mixing and the creation of 12-inch remixes. On 12 December, Ian Stewart, one of the Stones' founding members and their longtime pianist and road manager, died of a sudden heart attack at the age of 47. As a tribute, a hidden track of Stewart playing Big Bill Broonzy's "Key to the Highway" was added to close the album.

Outtakes and demo versions

Outtakes and demo versions from the Dirty Work sessions are available on various bootlegs, and include numbers like:

• "Strictly Memphis"
• "You're Too Much" (Keith Richards on vocal)
• "Treat Me Like a Fool" (Richards on vocal)
• "She Never Listens to Me" (Richards on vocal)
• "Loving You Is Sweeter Than Ever" (Ivy Jo Hunter, Stevie Wonder)
• "Deep Love" (Richards on vocal)
• "What Am I Going to Do with Your Love?"
• "Crushed Pearl" (Richards on vocal)

Artwork and packaging

La version originale en vinyle de Dirty Work était emballée dans du cellophane rouge foncé. Rompant avec la tradition des Rolling Stones, Dirty Work est le premier de leurs albums studio à contenir une feuille de paroles aux États-Unis, apparemment à la demande du distributeur d'alors CBS Records. Une bande dessinée, dessinée par Mark Marek, intitulée "Dirty Workout" est également incluse. En 2005, Pitchfork a inclus la pochette de l'album dans sa liste des "pires pochettes d'album de tous les temps", avec Brent DiCrescenzo disant qu'aucune autre pochette "ne va jusqu'à ternir complètement la réputation d'un groupe installé dans le Valhalla tout en démontrant l'écrasement horreur de l'esthétique des années 80 ".

Release and reception

Notation des critiques

Compilation des critiques

Périodique	Note
AllMusic
Christgau's Record Guide	A
MusicHound Rock	2.5/5
The Rolling Stone Album Guide
Tom Hull – on the Web	A–
Uncut	3/5

In March 1986, the Rolling Stones' cover of "Harlem Shuffle" (the first lead single from a Stones studio album not to be a Jagger/Richards original since the band's earliest days) was released to a receptive audience, reaching No. 13 in the UK and No. 5 in the United States. The follow-up single "One Hit (To the Body)" was a US top-30 hit and featured a revealing video of Jagger and Richards seeming to trade blows (although Richards is syncing to Jimmy Page, who played lead guitar on the song).

En mars 1986, le groupe publie pour la première fois en 22 ans une reprise en single, Harlem Shuffle. Le single trouve son public en se classant treizième au Royaume-Uni et cinquième aux Etats-Unis. Le single suivant, One Hit (To the Body), bien qu'il trouve un moindre succès, se classe dans le top 30 américain et le clip de la chanson montre Mick Jagger et Keith Richards s'échanger des coups (bien que Ketih se synchronise avec Jimmy Page, qui joue la guitare solo sur la chanson).

A sa sortie le 24 mars 1986, l'album Dirty Work atteint la quatrième place au Royaume-Uni et aux Etats-Unis (où il est certifié disque de platine), mais reçoit un accueil critique mitigée. Certains ont estimé que l'album est léger par moments, avec une composition faible de Ketih Richards et le chant de Mick Jagger étonnamment abrasive. Certains pensent que Jagger garde ses meilleurs chansons pour ses albums en solo, bien qu'ils reçoivent également des accueils critiques mitigés. Le magazine People classe ce disque parmi les pires de l'année 1986, dénotant "Les pires craintes des baby-boomers se réalisent: si les Stones semblent si vieux et fatigués, qu'en est-il de leurs fans d'origine ?"

Cependant, dans le même temps, Robert Christgau a qualifié Dirty Work de "disque vivifiant et même stimulant [qui] innove sans se plier à la mode des albums commerciaux sans prétention. C'est honnête et ça vous fait aimer." En 2004, la rubrique «On Second Thoughts» de Stylus évalue l'album comme «un triomphe en lambeaux et embarrassé, de loin l'album de Stones le plus intéressant depuis Some Girls à tous les niveaux: lyrique, conceptuel, instrumental». La réévaluation de l'album révèle que malgré son changement de style vers une production et une expérimentation plus ancrée dans les années 1980, l'album présente "le son de guitare le plus venimeux de la carrière des Stones et la voix la plus engagée de Mick Jagger."

Selon Keith Richards, les chansons de l'album sont conçues pour être jouées en concert lors de la tournée qui doit suivre normalement la sortie de l'album. Mais Mick Jagger annule la tournée du groupe, évoquant officiellement des inquiétudes par rapport à l'état de santé de Charlie Watts. Les seules chansons de Dirty Work à être jouées en direct ont été "One Hit (To the Body)" et "Harlem Shuffle", lors de la tournée Steel Wheels en 1990.

En 1994, Dirty Work a été remasterisé et réédité en CD par Virgin Records, et à nouveau en 2009 par Universal Music. Il est sorti sur SHM-SACD en 2011 par Universal Music Japan.

Track listing

Side one
No	Titre	Durée
1.	One Hit (To the Body)	4:44
2.	Fight	3:09
3.	Harlem Shuffle	3:23
4.	Hold Back	3:53
5.	Too Rude	3:11

Side two
No	Titre	Durée
1.	Winning Ugly	4:32
2.	Back to Zero	4:00
3.	Dirty Work	3:53
4.	Had It with You	3:19
5.	Sleep Tonight	5:10
6.	Key to the Highway (uncredited excerpt)	0:33

Personnel

The Rolling Stones

• Mick Jagger – lead and backing vocals, harmonica
• Keith Richards – electric and acoustic guitars, piano, backing vocals; lead vocals on "Too Rude" and "Sleep Tonight"
• Ronnie Wood – electric, acoustic and pedal steel guitar, bass guitar, tenor saxophone, backing vocals; drums on "Too Rude" and "Sleep Tonight"
• Bill Wyman – bass guitar, synthesizer
• Charlie Watts – drums

Additional personnel

• Chuck Leavell – keyboards
• Ivan Neville – backing vocals, bass guitar, organ, synthesizer
• Jimmy Page – electric guitar on "One Hit (To the Body)"
• Bobby Womack – backing vocals, electric guitar on "Back to Zero"
• Philippe Saisse – keyboards
• Anton Fig – shakers
• John Regan – bass guitar on "Winning Ugly"
• Dan Collette – trumpet
• Ian Stewart – piano
• Marku Ribas – percussion
• Jimmy Cliff, Don Covay, Beverly D'Angelo, Kirsty MacColl, Dolette McDonald, Janice Pendarvis, Patti Scialfa and Tom Waits – backing vocals

Production

• Engineered by Dave Jerden
• Additional engineer – Steve Parker
• Assistant engineers – Tom Crich, Mike Krowiak
• Recorded at Pathe Marconi Studios Paris
• Mixed at R.P.M. and Right Track Studios N.Y.C.
• Art direction and package design – Janet Perr
• Art direction and photography – Annie Leibovitz
• Inner sleeve artwork – Mark Marek

Further reading

• (en) Robert Christgau, « Winning Ugly », The Village Voice, New York,‎ 1986 (lire en ligne)

External links

• (en) « Dirty Work » (liste des versions de l'album), sur Discogs
• Dirty Work on the Rolling Stones' official feed