Art contemporain

Art & Language, Untitled Painting, 1965, Courtesy Tate Modern.

L'art contemporain désigne — de façon générale et globale — l'ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quels qu'en soient le style et la pratique esthétique mais principalement dans le champ des arts plastiques. Dans cette classification, l'art contemporain succède à l'art moderne (1850-1945).

Cette désignation s'applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales montrant les œuvres de cette période.

On parle aussi d'art contemporain pour désigner — par convention — l'art des années 1960 et d'après. Le pop art marquerait, de ce fait, une rupture par rapport à l'art moderne. Une autre convention existe, en juillet 2010, le directeur du Centre de Recherches de Philosophie Européenne de l'Université de Kingston à Londres, Peter Osborne donne une conférence à la Fondation Antonio Ratti et lance une polémique en annonçant que « l'Art Contemporain est post-Conceptuel ».

En France, l'expression « art contemporain » est aussi utilisée — avec un sens plus restreint — pour désigner les pratiques esthétiques et réalisations d'artistes revendiquant « une avancée dans la progression des avant-gardes » et une transgression des frontières entre les domaines artistiques (dépassant la frontière de ce que le sens commun considère comme étant de l'art, c'est-à-dire les arts plastiques, en expérimentant le théâtre, le cinéma, la vidéo, la littérature…), ou une transgression des « frontières de l'art telles que les conçoivent l'art moderne et l'art classique ». La distinction avec les arts classiques et moderne n'est plus alors effectuée d'après un ou des critères chronologiques mais d'après des critères paradigmatiques^[pas clair].

Définition

La notion de « contemporanéité » est d’abord une notion historique. Selon cette approche, la période contemporaine commencerait à partir de 1945, avec la fin de la Seconde Guerre mondiale et, par commodité, la plupart des études traitent de la période qui débute en 1945 et va jusqu'à aujourd'hui.

Fichier:Salle Andy Warhol (Hamburger Bahnhof, Berlin) (6343757828).jpg

Salle Andy Warhol, Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart, Berlin.

« Contemporanéité » signifie aussi « simultanéité ». Est contemporain ce qui est dans la même période. Le « contemporain » serait donc la manière qui se fait aujourd'hui. Appliquée à l'art, cette notion revêt une spécificité esthétique qui peut devenir polémique, puisque les acteurs n’ont pas la distance nécessaire pour effectivement apprécier les œuvres. La désignation « art contemporain » ne doit donc pas uniquement être prise de façon chronologique, car toutes les productions contemporaines n'appartiennent pas à la démarche contemporaine, ni ne se revendiquent comme telles.

De nouvelles références permettent de définir ce qu'est la méthode contemporaine. Une des premières est la transgression vis-à-vis de l'époque antérieure ; ainsi la notion d'« art contemporain » voudrait affirmer son indépendance non seulement par rapport à la notion d'arts dits « classiques », par rapport aux « beaux-arts » et à ses catégories (peinture, sculpture, etc.), mais aussi par rapport à la notion de manière « moderne ». La manière contemporaine possède donc en elle-même des exclusions. Elle s’inscrit dans la suite de l’« art moderne » et voudrait mettre, en quelque sorte, fin à celle-ci.

De surcroît, l'expression « manière contemporaine » est aujourd'hui utilisée pour des artistes encore vivants et actifs ou pouvant encore l'être, ce qui dans ce cas placerait l'origine de la méthode contemporaine dans les années 1960, avec le pop art, l'art conceptuel, Fluxus, les happenings ou l'art vidéo. C'est avec ces courants artistiques que prendrait fin la période de l'art moderne et la théorie de Clement Greenberg qui la définissait comme la recherche de la spécificité de la technique.

F.I.U., Joseph Beuys, Difesa della Natura, 1983 Courtesy Zagreb Museum of Contemporary Art.

Dans cette recherche permanente d'une définition de la contemporanéité, la critique d'art et les institutions jouent un rôle important. Ainsi sont généralement exclues de la démarche contemporaine « labellisée » les formes d'art dont les problématiques ne reflètent pas les tendances promues par la critique « contemporaine ».

D'un point de vue géographique, à partir des grandes places artistiques médiatisées, essentiellement occidentales (Paris, Londres, New York), et avec la chute du mur de Berlin, en 1989, puis la montée en puissance de la Chine à cette même époque, la planète de l'art contemporain s'est mondialisée, l'Afrique et l'Amérique latine n'échappant pas à cette progression.

Origines de l'art contemporain

L'apparition de la photographie a exercé une influence sur de nombreux artistes dès le XIX^e siècle, tel que Degas et permis de donner naissance à l'art moderne. L'art n'a plus uniquement pour fonction importante de représenter fidèlement le réel, la photographie est mieux à même de le faire, l'art peut désormais s'essayer à d'autres formes, casser les canons de la beauté, et proposer des expérimentations nouvelles et des idées conceptuelles.

Francis Picabia, portrait d'Agnès E. Meyer ou portrait d'une jeune fille Américaine dans l'état de nudité, 1915.

L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne (début XX^e siècle), et notamment le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels. En ce sens, l'art perd peu à peu de sa fonctionnalité représentative. La création contemporaine demeure un miroir pour une réalité baignée des conflits et des prises de pouvoir qu’occasionnent ces attaques contre la rationalité. L'art reflète les crises de la société et demeure le lieu d'expression des valeurs. Les rapports de l’art à l’histoire ne s’évaluent ni qualitativement ni quantitativement, mais ils débouchent sur une conception plus institutionnelle de l'art : collectionneurs, sièges sociaux, galeries, musées, etc. pour s'ouvrir à un plus large public. Cependant, les acteurs de l'art moderne dans leur volonté d'exprimer leur opinion artistique hors des cadres institutionnels pour s'adresser au public, restent liés aux institutions ; leur démarche était de s'opposer à une idéologie (Heartfield envers le nazisme) ou au contraire de participer à la propagation d'une pensée politique.

Malgré la fin des idéologies imposées dans l'art moderne, les artistes actuels reprennent cet héritage à leur compte en exprimant leur engagement profond par rapport aux institutions. Notamment, lorsque leur sensibilité y est perturbée.

Aujourd'hui, l'art contemporain subit le déclin des idéologies du moderne (dans les années 1960, puis à partir de 1990 avec la chute du communisme). Il se fonde sur de nouveaux comportements : renouveau stylistique, brassages artistiques, origines diverses, arts technologiques (accès à la puissance mathématique des ordinateurs et ergonomie des logiciels), mode d'approche de la réalité. Les technologies ont toujours apporté des outils à l'art. Aujourd'hui, l'artiste s'en sert comme d'un instrument de médiatisation, et en invente de nouveaux. Il se base sur la culture historique, répertoriée; lit, visite, comprend, cherche, se spécialise, focalise son sujet et dépasse ce qui a été fait. Il prend position parfois, se veut démonstratif ou choquant, en tout cas il cherche la médiatisation.

Des « beaux-arts » aux arts plastiques

Marcel Duchamp, Ready-Made Urinoir, 1916-1917.

L'art contemporain a pour fondement les expérimentations de l'art moderne, et revendique régulièrement la brèche ouverte par Marcel Duchamp, et d'autres qui avaient libéré la pratique de l'art des contraintes classiques de représentation.

La pensée postmoderniste a formulé la plupart des problématiques inhérentes à l'art contemporain, affranchi des courants idéologiques (communisme et capitalisme), sans toutefois empêcher des artistes engagés de critiquer les abus politiques ou idéologiques.

En France, la création des facultés d'arts plastiques constitue une base de contestation de l'enseignement académique des beaux-arts ; des matières autrefois étrangères au champ de l'enseignement de l'art, sociologie, ethnologie, esthétique et autres, orientent la recherche artistique au diapason de ses évolutions récentes.

À la recherche formelle du Beau succèdent des voies de recherche esthétiques nouvelles, dont les plus radicales, art conceptuel, minimalisme, performance, art corporel, modifient durablement la signification et la perception de l'art, qui s'oriente parfois dans des voies à première vue hermétiques aux non-initiés.

Certains courants, tels les nouveaux réalistes, la figuration libre et la trans-avant-garde, ainsi que certains francs-tireurs, ne quittent toutefois pas les médiums classiques, tout en modifiant radicalement leurs démarches créatives.

L'éclatement des types de médium (la peinture est souvent délaissée au profit d'installations, de performances ou autres) et du contenu des œuvres modifie en profondeur les réseaux de médiation d'art ; à de nouvelles galeries s'ajoutent des contextes d'exposition nouveaux et l'apparition de nouveaux médiums de diffusion.

À Paris, le Salon Comparaisons, au Musée d'art moderne de la ville de Paris, constitue dès 1954, le point de rencontre de tous les exposants de ces courants, confrontés, dans le même espace, aux peintres figuratifs et abstraits de la peinture sur chevalet.

L'art contemporain à l'ère de la globalisation

Fichier:Electronic Superhighway by Nam June Paik.jpg

Nam June Paik, Superautoroute electronique: U.S.A., Alaska, Hawaii, 1995-1996.

À partir des années 1980, les arts à forte composante « technologique » font leur apparition, avec l'art vidéo, l'esthétique de la communication, l'art informatique puis, par la suite, l'art numérique, le bio-art, etc. La liste est non exhaustive et suit de très près les avancées de la recherche industrielle.

Dans les années 1990, l'art contemporain occidental a accordé son « label » à de nombreux artistes issus des pays dits « en voie de développement », à peu près absents autrefois. Les paradigmes de la globalisation et la perte des repères spatio-temporels classiques ont valorisé les modes d'approche personnels, ou les composantes biographiques, sociologiques, voire religieuses, sont valorisées au sein des démarches de travail.

La communication liée à l'internet joue un rôle de plus en plus important dans la réception et la médiation de l'art contemporain, en amont des expositions elles-mêmes, qui intègrent de plus en plus les structures de médiation étatiques. Elle donne la place à des « conseillers en art contemporain » (en anglais The Contemporary Art Consultants), qui conseillent gratuitement sur les valeurs à venir. Les changements survenus au sein des pays les plus développés (notamment la part grandissante du tertiaire) ont suscité un besoin de plus en plus généralisé d'art, ce qui ne rend pas la tâche des artistes, crise oblige, plus facile pour autant.

L'art contemporain, souvent obscur et provocant aux yeux du grand public, est considéré bien souvent comme l'émanation d'un art officiel. Il est cependant aujourd'hui bien plus accepté et répandu qu'auparavant ; un déferlement de travaux de qualités inégales le rend déroutant et requiert le plus souvent un investissement personnel de la part du public (voir Les théories modernes de l'art).

Cotées sur l'internet, les œuvres d'art contemporain sont aussi une manne financière potentielle, qui n'excluent pas les effets de mode au détriment des travaux réellement originaux.

Entre médium et médiation

En plus des médiums classiques (peinture à l'huile, pastel, sanguine, bronze, marbre, etc.), l'art contemporain est particulièrement friand de médiums nouveaux, voire de « non médiums ». Notamment, la vocation éphémère ou « en cours » de nombre d'œuvres questionne la notion même de médium, qui devient souvent un simple vecteur de médiation plutôt qu'un support stable. Cela rejoint la mutation des supports d'information entamée dans les années 1980, qui se dématérialisent progressivement au profit d'une logique de « relation » :

• Médiums « tangibles »
  • Miroirs (Art & Language Mirror Piece)
  • Déchets (Un petit déjeuner de Daniel Spoerri), matériaux divers (béton, terre, sable, etc.)
  • Excréments (Merde d'Artiste de Piero Manzoni), urine, sang
  • Polystyrène, polyuréthanne, silicone, plastique, etc. (expansions de César)
  • Objets divers plus ou moins transformés ou dégradés (accumulations d'Arman et de Gérard Deschamps)
• Médiums « intangibles »
  • Environnement (notamment pour le Land art, lumière James Turrell)
  • Situations hic et nunc (Collectif d'art sociologique)
  • Projets en cours (work in progress de Roman Opałka)
  • Expérience de presse (Space Media Fred Forest)
• Médiums « technologiques »
  • Microfilms (Art & Language)
  • Téléfax (Hans Haacke)
  • Logiciels informatiques (Art & Language The Cybernetic Art Work that Nobody broke)
  • Net.art
  • Systèmes mécaniques (Stelarc)
  • Gènes vivants (bio-art)

Certains médiums, comme la photographie — qui devient « plasticienne » (Joel-Peter Witkin) — le cinéma — qui devient « expérimental » (série des Cremaster de Matthew Barney) — ont acquis le statut d'art à part entière (au même titre que la peinture, la sculpture ou la musique), et constituent aujourd'hui des catégories autonomes.

La notion d'art multimédia, largement remise en cause aujourd'hui, interroge le statut d'œuvres issues d'installations, de performances souvent mêlées, tels qu'elles sont apparues dans les années 1950.

Critiques vis-à-vis de l'art contemporain

Les cinq extraits ci-dessous résument l'essentiel des critiques formulées à l'égard de l'art dit « contemporain » :

• la vision pamphlétaire de Jean Monneret, qui y voit essentiellement un art d'État soutenu par des fonctionnaires irresponsables dilapidant l'argent du contribuable ;
• l'analyse de Philippe Lejeune, qui va jusqu'au bout de la dialectique des tenants de l'art contemporain en démontrant leur négation de l'idée de Beauté ;
• Fred Forest qui est passé à l'acte pour défendre des convictions proches de celles de Jean Monneret en attaquant l'État devant les tribunaux administratifs ;
• Le plasticien Daniel Buren constate la faillite de la pensée dans l'art contemporain d'un art vide de sens ;
• Franck Lepage cite, lors d'une de ses conférences gesticulées, l'ouvrage Qui mène la danse ? La CIA et la Guerre froide culturelle (Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) de Frances Stonor Saunders qui décrit comment dans le contexte de la Guerre froide la CIA a financé des organisations comme le Congrès pour la liberté de la culture pour promouvoir l'art contemporain en Europe occidentale, pour le présenter comme un art américain et pour le dénuer de sens social et politique.

Jean Monneret

Dans le catalogue raisonné du Salon des indépendants de 1999, le président du Salon, Jean Monneret, lance un violent pamphlet contre la définition convenue de l'art contemporain, après avoir longuement critiqué les fonctionnaires qui régissent l'enseignement des arts plastiques et le choix des œuvres achetées par l'État et les collectivités locales (p. 51) :

« L'art contemporain ? Tous les artistes vivants font partie de l'art contemporain. Ce sont les artistes qui font l'art. Tous les artistes. Librement !
Or, l'État veut faire croire au public qu'il n'y a qu'un art digne d'intérêt, l'art dit « contemporain », c'est-à-dire l'art d'État. Comme si l'installation, la performance ou l'art inculte – pour peu que la légende qui l'accompagne relève de la logorrhée – soient, à eux seuls, la suite historique, linéaire, indiscutable de la tradition artistique. Il est vrai qu'en art dit « contemporain », moins il y a à voir, plus il y a à dire ! Dans une exposition d'art contemporain, une gaine d'aération, le matériel de secours ou le carrelage des sanitaires se confondent souvent avec les œuvres présentées. La question alors est, où est l'œuvre ? Tant l'harmonie est parfaite entre le contenant et le contenu.
En réalité, l'art d'État emprunte une voie unique qui écarte arbitrairement l'art des meilleurs artistes des salons historiques. La démocratie exigerait que l'État, soucieux de l'argent du contribuable, rendît compte de la réalité contemporaine dans toute sa diversité, sans exclusion… »

Philippe Lejeune

Dans le rapport moral de Taylor de juillet 2006 (p. 6 et 7), revue de la fondation du baron Taylor, le vice-président, le peintre et journaliste Philippe Lejeune, distingue la notion de beaux-arts de celle d'art contemporain.

«  […] Nous autres, pratiquons un art nommé « la peinture », cette activité était autrefois considérée comme faisant partie des Beaux-Arts […]. Soucieux de modernité, désireux surtout de se débarrasser d'un impératif aussi lourd à porter que la beauté, la querelle des anciens et des modernes que nous vivons consiste tout simplement à supprimer la référence à la beauté. Ne pouvant plus altérer davantage les valeurs traditionnelles de l'art après les expériences de la moitié du siècle dernier, ils se sont avisés, toujours avec la même étiquette apparente, de fournir une marchandise totalement différente. Ils ont eu l'honnêteté, reconnaissons-le, de changer de nom. Les salons contemporains ne sont plus des salons de peinture, ce sont des salons d'art contemporain […].

L'art contemporain expose dans des lieux où on exposait « la peinture », ce qui entretient naturellement une confusion. Mais plutôt que de définir une nouvelle forme d'art, on lui applique les règles d'une autre discipline, comme un joueur, lassé du bridge, adapte les règles de la belote… L'art contemporain refuse toutes règles, excepté celle de l'exclusion. Vous savez qu'un slogan fameux était d'interdire tout interdit. L'art contemporain ne vit que d'ukase. N'importe quoi sauf la représentation […].

L'art contemporain se dit conceptuel, c'est-à-dire que, partant d'un concept, on arrive à procurer une sensation.
Les Beaux-Arts se donnent un tout autre but, ont un programme bien différent. Partant de l'éprouvé, ils le confrontent à la mémoire collective pour arriver précisément à une idée, c'est-à-dire à un élément que l'on peut comparer […]. »

Fred Forest

Après son procès contre le MNAM (centre Georges-Pompidou), Fred Forest écrit en dernière de couverture de son livre Fonctionnement et dysfonctionnements de l'art contemporain (L'Harmattan, Paris, 2000) :

« Ce livre tend à révéler les limites et les contradictions d'un système qui ne peut plus perdurer sous la forme élitaire actuelle au profit d'une poignée de privilégiés, toujours les mêmes, qui bénéficient de la complaisance et de la manne publique. Lutte du pot de terre contre le pot de fer, il s'agit de la description par le menu de mon procès jusqu'en Conseil d'État contre le centre Georges-Pompidou, et à travers lui, contre les institutions publiques de l'art contemporain pour leur refus de transparence sur les acquisitions et leur manquement au respect de la loi de 78 sur la comptabilité publique. Au-delà de l'art, la démarche engagée ici se veut avant tout une démarche citoyenne posant la vraie question de l'utilisation des fonds publics, et celle de la culture dans une démocratie. »

Daniel Buren

En septembre 2011, Daniel Buren dans la revue L'Œil constate, au cours d'un long interview, l'incapacité, la confusion et la faillite de l'expression « art contemporain » :

« En règle générale, je dirais que la santé ébouriffante qu'on lui prête — biennales dans le monde entier, foires à tous les tournants et salles de ventes débordées — sont des aspects quelque peu paradoxaux d'un domaine qui, sur le plan de la pensée, est au bord de la faillite. Ce n'est plus un moment de l'histoire, mais la mode au jour le jour. "Contemporain" est un terme complètement dénué de sens, mais c'est l'une des trouvailles les plus performantes jamais trouvées afin d'annihiler dans l'œuf tout ce qu'un artiste pourrait présenter d'un tant soit peu neuf et dérangeant. […] »

Franck Lepage

Dans sa conférence gesticulée « Incultures », Franck Lepage explique que le financement de l’art contemporain en Europe est le résultat « de la plus grande campagne de désinformation de l’histoire de la CIA ».

Il continue : l’art contemporain « expulse la question du sens ; il le dit lui-même » et termine en démontrant que ce mouvement ne « s’inscrit pas dans une évolution d’un art précédent, mais a été créé pour répondre à un marché. Il n’est que transgressif, mais pas subversif »

Mouvements artistiques en art contemporain

L'après-guerre : la transition entre moderne et contemporain

• Art figuratif : jeune peinture de l'École de Paris, Bernard Buffet, Jean Carzou, Yves Brayer, Maurice Boitel, Pierre-Henry, Daniel du Janerand, Jean-Pierre Alaux, Jean Monneret, Gaston Sébire, Louis Vuillermoz, André Hambourg, Paul Collomb, Émile Frandsen
• Art brut : Jean Dubuffet, Gaston Chaissac
• Automatisme : Paul-Émile Borduas, Jean-Paul Riopelle, Fernand Leduc, Pierre Gauvreau, Marcelle Ferron, Marcel Barbeau, Jean-Paul Mousseau
• Expressionnisme abstrait : Janet Sobel, Willem de Kooning, Jackson Pollock
• Figuration européenne : Francis Bacon, Alberto Giacometti, René Iché, Marino Marini, Henry Moore, Roger Somville
• Lettrisme : Isidore Isou, Gabriel Pomerand, Maurice Lemaître, Roland Sabatier
• Non figuration - Jean Bazaine, Maurice Estève, Jean Le Moal, Alfred Manessier, Jean Dubuffet

Années 1950 Abstraction lyrique Antipodeans (en) Art sériel (en) Art soviétique non-conformiste Cobra Colorfield Painting École de New York École de San Francisco École de Vienne du réalisme fantastique (en) École de Washington de la couleur (en) Expressionnisme abstrait Expressionnisme figuratif américain (en) Generación de la Ruptura (en) Gutai Imagerie lenticulaire Internationale situationniste Les Plasticiens Red Shirt School of Photography (en) Scène américaine Tachisme

Années 1960 Abstraction lyrique Anti-Form Art and Language Art chicano (en) Art cinétique Art conceptuel Art numérique Art psychédéliqueArt psychédélique Art vidéo BMPT Colorfield Painting École de New York École de San Francisco Expressionnisme abstrait Expressionnisme figuratif américain (en) Figuration narrative Fluxus Groupe ZERO Happening Hard edge painting Imagerie lenticulaire Imagistes abstraits (en) Imagistes de Chicago (en) Installation Light and Space Minimalisme Mono-ha Néo-dadaïsme Nouveau réalisme Op Art Performance artistique Plop Art (en) Pop art Postminimalisme Sculpture molle (en)

Années 1970 Art ASCII Art corporel Art environnemental Art féministe Art postal Art robotique Art sociologique Art vidéo Arte Povera Bad Painting COUM Transmissions École de Saint Soleil Froissage (en) Funk art (en) Holographie Hyperréalisme Installation Land art Livre d'artiste Lowbrow Papunya Tula Pattern and Decoration (en) Postminimalisme Process Art Rendu photoréaliste Revival warli Supports/Surfaces Wildstyle (en)

Années 1980 Appropriation Art aborigène contemporain (en) Art audiovisuel Art électroniqueArt électronique Art environnemental Art fractal Art génératif Art interactif Art néo-conceptuel (en) Art postmoderne (en) Art sonore Art télématique Art transgressif Art transhumaniste (en) Art urbain Bad Painting Critique institutionnelle (en) Culture jamming École de Vancouver (en) Esthétique de la communication Figuration libre Graffiti Installation vidéoInstallation vidéo Live art Néo-expressionnisme Néo-géo Néo-pop Neue Slowenische Kunst Nouveaux Fauves Scène démo Trans-avant-garde

Années 1990 Art corporel Art de l'information (en) Art des nouveaux médias (en) Art en ligne Art logiciel Art numérique Bio-art Netart Esthétique relationnelle Intervention artistique Massurréalisme Maximalisme (art) (en) Média tactile Nouvelle école de Leipzig Nouvelle peinture européenne (en) Réalisme cynique (en) Taring Padi (en) Young British Artists

Années 2000 Altermodern (en) Art dynamique Art en réseau Art urbain Art virtuel (en) Art VJ Avatar Mobile art Pseudorealisme (en) Réalisme classique (en) Réalisme cynique (en) Reverse art Sculpture à énergie renouvelable (en) Slow art Stuckisme Superflat Superstroke (en) Synthésisme pictural The Kitsch Movement (en) Années 2010 Art Résilience Body Action-Painting Cyberart Pouring Painting

Lieux d'exposition

Sites Internet

• The Contemporary Art Consultants
• Château de Montsoreau-Musée d'art contemporain
• Mécénat d'art contemporain, Londres, Genève, New York
• Musée d'Art Moderne (MOMA), New York
• Centre Georges Pompidou, Paris, Metz

Grands musées

Lieux institutionnels qui ont pour mission de conserver des œuvres, ils achètent de l'art contemporain et montrent les collections ainsi réalisés. Ils réalisent aussi des expositions en empruntant des œuvres à d'autres collections publiques ou privées.

Afrique

• Algérie :
  • Musée public national d’art moderne et contemporain d’Alger

Amériques

• Canada :
  • Musée d'art contemporain de Montréal
  • Musée d'art contemporain des Laurentides
  • Musée d'art de Joliette
  • Musée des beaux-arts de Montréal
• États-Unis :

Asie

• Chine (sites)
  • (en) Beijing Museum Of Contemporary Art (MOCA Pékin)
  • (en) National Art Museum of China (NAMOC), Pékin
  • (en) Today Art Museum], Pékin, 2002
  • (en) Shanghai Museum Of Contemporary Art (MOCA Shanghai)
  • (zh) Zendai Museum of Art, Shanghai, 2005
  • (en) Zendai Museum of Art, Shanghai,
  • (en) Taipei Fine Arts Museum (TFAM), Taipei
  • (en) Square Gallery of Contemporary Art, Nankin

Europe

• Allemagne :
  • Hamburger Bahnhof, Berlin
  • Neue Nationalgalerie, Berlin
• Belgique :
  • Musée royal d'art moderne à Bruxelles
  • MAC's : musée des arts contemporains, Grand-Hornu, Hornu
• Espagne :
  • Le musée Guggenheim de Bilbao
  • Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid)
• France :

• Grande-Bretagne :
  • Tate Modern
• Grèce :
  • Musée national d'art contemporain d'Athènes
• Italie :
  • MAXXI - Musée national des arts du XXIe siècle (Rome)
• Suisse :
  • Musée d'Art moderne et contemporain (Genève)

Centres d'art contemporain

Les centres d'art contemporain ont pour objectif de présenter le travail d'artistes contemporains. Ils se différencient des musées dans le sens où ils ne conservent pas les œuvres qu'ils présentent. De ce fait, ils ne constituent pas de collections. Ils montent des expositions en fonction de leurs choix éditoriaux, propres à chaque lieu, l'objectif étant la diffusion et la promotion de l'art contemporain. On trouve de tels centres de plus ou moins grande importance dans le monde entier.

Afrique

• Bénin : Le Centre, à Abomey-Calavi
• Cameroun : Bandjoun Station, à Bandjoun et Doual'Art, à Douala
• Congo Bazzaville : Les Ateliers Sahm, à Brazzaville
• Maroc : Le Cube, à Rabat et le Centre d'Art Contemporain d'Essaouira
• Nigéria : Centre for Contemporary Art et Art Twenty One, à Lagos
• Sénégal : Raw Material Company et Kër Thiossane, à Dakar

Amériques

• Canada : Laboratoire d'Art (Labo), à Toronto
• Équateur : Centre équatorien d'art contemporain

Asie

• Chine : Ullens Center for Contemporary Art, Pékin
• Japon : Musée d'art contemporain de Tokyo

Europe

• Belgique : Wiels, Bruxelles
• France :
• Suisse : Centre d'art contemporain (Genève)

Les FRAC (France)

Les FRAC ou fonds régionaux d'art contemporain sont des institutions culturelles, créées en 1981, qui visent à promouvoir l'art contemporain. Leur mission est avant tout de constituer un patrimoine, de soutenir la création et de diffuser largement le fonds constitué en sensibilisant le public aux démarches artistiques contemporaines.

Marché de l'art contemporain

Prix moyen

• 1990 : base 100
• 1991 : 120 (plus haut)
• 1992 à 1997 : autour de 40
• 1998 à 2001 : progression jusqu'à 60
• mi-2001 : mini-crise à 49
• 2002 : remontée à 60
• 2003 : 65
• 2004 : 70
• mi-2005 : 75

Part des pays dans le marché mondial

Chiffres à partir des ventes du 1^er octobre 2004 au 30 septembre 2005 : États-Unis 58 %, Royaume-Uni 27 %, France 3 %, Italie 2 %, Allemagne 2 %, autres 8 %

• Évolution de la part de la France : 35 % en 1990, 9 % en 1995, 5 % en 2003, 3 % en 2004
• Évolution de la part du Royaume-Uni : 4 % en 1990, 27 % en 2004

Grandes foires

Pavillon d'Art Basel en 2011.

Les foires d'art contemporain sont le lieu où les grandes galeries présentent à leur clientèle internationale une sélection parmi les artistes qu'elles représentent.

Grandes galeries et marchands

• Leo Castelli et Ileana Sonnabend
• Irving Blum
• Yvon Lambert
• Larry Gagosian
• Charles Saatchi
• Hauser & Wirth
• Arne Glimcher et Marc Glimcher (Pace Gallery)
• David Zwirner
• Paula Cooper
• Marian Goodman
• Emmanuel Perrotin
• Galerie Kamel Mennour
• Almine Rech
• Helly Nahmad
• Joe Nahmad
• Nicholas Logsdail (Lisson Gallery)
• Thaddaeus Ropac
• Serpentine
• White Cube
• Laurent Strouk
• Luhring Augustine
• Mary Boone
• Marianne Boesky
• Gavin Brown
• Victoria Miro
• Monika Sprüth
• Max Hetzler
• Barbara Gladstone

Grands acheteurs influants la cote des artistes en ventes publiques

En France

• État français : 653 œuvres achetées en 2004, hors dons et commandes publiques, 43542 œuvres achetées en 2011; hors dons
• Fonds régionaux français : plus de 18 000 œuvres ont été acquises depuis 1983 réalisées par 3 800 artistes (dont 60 % de Français)
• Grands collectionneurs :
  • Bernard Arnault
  • Laurent Fabius, actionnaire majoritaire de Piasa
  • Gilles Fuchs
  • Antoine de Galbert
  • Daniel et Florence Guerlain
  • Philippe Méaille, fondateur du Château de Montsoreau-Musée d'art contemporain
  • Alain-Dominique Perrin
  • François Pinault, propriétaire de Christie's
  • Jean-Marc Salomon
  • Agnès Troublé (Agnès b.)

À l'étranger

• Grands collectionneurs :
  • Charles Saatchi (Grande-Bretagne)
  • Marlo Guerry (Suisse), Ares Collection
  • David Nahmad (Monaco et Suisse)

Annexes

Bibliographie

Années 1980

• Jean-Luc Chalumeau, L'art au présent, Paris, Union générale d'édition, coll. « 10/18 », 1985, 335 p. (ISBN 978-2-264-00730-8).

Années 1990

• Jean-Paul Ameline, Face à l'Histoire : 1933-1996, l'artiste moderne devant l'événement historique, Paris, éditions du Centre Pompidou, 1996, 620 p. (ISBN 978-2-85850-898-3).
• Nathalie Heinich, Le Triple Jeu de l'art contemporain, Paris, éditions de Minuit, coll. « Paradoxe », 1998, 380 p. (ISBN 978-2-7073-1623-3)

Années 2000

• Fred Forest, Fonctionnement et dysfonctionnements de l'art contemporain : un procès pour l'exemple, Paris, L'Harmattan, 2000, 270 p. (ISBN 978-2-7384-9530-3)
• Alain Quemin, L’Art contemporain international : entre les institutions et le marché, Nîmes, éditions Jacqueline Chambon, 2002, 270 p. (ISBN 978-2-87711-245-1)
• Edward Lucie-Smith, Les Mouvements artistiques depuis 1945, Londres, Thames & Hudson, coll. « L'univers de l'art », 2003, 304 p. (ISBN 978-2-87811-167-5)
• (en) Katy Siegel et Mattick Paul, Art Works : Money, Londres, Thames & Hudson, 2004.
• Christine Sourgins, Les Mirages de l’art contemporain, La Table Ronde, coll. « Divers », 2005, 272 p. (ISBN 978-2-7103-2791-2)
• Florence de Mèredieu, Histoire matérielle et immatérielle de l'art moderne et contemporain, Paris, Larousse, coll. « In extenso », 2008, 3e édition revue et augmentée éd., 723 p. (ISBN 978-2-03-584321-0, BNF 41376354).
• (en) Terry Smith, What Is Contemporary Art?, Chicago, University of Chicago Press, 2009, 329 p. (ISBN 978-0-226-76431-3, présentation en ligne)

Années 2010

• Pascale Le Thorel-Daviot, Nouveau Dictionnaire des artistes contemporains, Paris, Larousse, coll. « Comprendre et Reconnaitre », 2010, 359 p. (ISBN 978-2-03-583954-1, BNF 42321876).
• Nathalie Heinich, Guerre culturelle et art contemporain : une comparaison franco-américaine, Paris, Hermann, coll. « Hr. Soc. Pensées », 2010, 172 p. (ISBN 978-2-07-013923-1, BNF 43771145)
• Jesus Lorente (trad. de l'espagnol), Les musées d'art moderne et contemporain : une exploration conceptuelle et historique, Paris, L'Harmattan, 2010, 376 p. (ISBN 978-2-296-10820-2, BNF 42137260).
• Aude de Kerros, L'Art caché : les dissidents de l'art contemporain, des révélations inédites sur l'art actuel, Paris, Eyrolles, 2010, 320 p. (ISBN 978-2-212-55783-1, BNF 43747776)
• Étienne Souriau et Anne Souriau (dir.), Vocabulaire d'esthétique, Paris, Presses universitaires de France, coll. « Quadrige », 2010, 1472 p. (ISBN 978-2-13-057369-2, BNF 42305922).
• Nathalie Heinich, L'art contemporain exposé aux rejets : études de cas, Paris, Fayard, coll. « Pluriel », 2012, 216 p. (ISBN 978-2-8185-0255-6, BNF 42594597)
• Aude de Kerros, Sacré Art Contemporain - évêques, inspecteurs et commissaires, éd. Jean Cyrille Godefroy, 2012 (ISBN 978 2 86553 233 9)
• (en) Richard Meyer, What Was Contemporary Art?, Cambridge, MIT Press, 2013, 361 p. (ISBN 978-0-262-13508-5, lire en ligne)
• Nathalie Heinich, Le paradigme de l'art contemporain : structures d'une révolution artistique, Paris, Gallimard, 2014, 373 p. (ISBN 978-2-07-013923-1, BNF 43771145)
• Aude de Kerros, L'Imposture de l'Art contemporain - Une utopie financière, Eyrolles, 2015.
• Aram Kebabdjian, Les désœuvrés, Le Seuil, 2015, 528 p. (ISBN 9782021286403)
• (en) Catherine Dossin, The Rise And Fall Of American Art, 1940s-1980s : A Geopolitics Of Western Art Worlds, Dorchester, Ashgate, 2015, 328 p. (ISBN 978-1138295575)
• Baptiste Morizot, Estelle Zhong mengual, Esthétique de la rencontre. L'énigme de l'art contemporain, Le Seuil, 2018, 167 p. (lire en ligne)
• (en) Michael Shnayerson, Boom : Mad Money, Mega Dealers, and the Rise of Contemporary Art, New York, PublicAffairs, 2019, 464 p. (ISBN 978-1610398404)

Filmographie

• 2003 : Série télévisée (6 × 52 minutes) Place à l'art contemporain ! de Jacques Bouzerand et Thierry Spitzer, diffusée sur France 5

Articles connexes

• Le « 1 % » artistique
• Art contemporain africain
• Art chinois contemporain
• Art contemporain japonais
• Art moderne
• Art conceptuel
• Art officiel
• Arts plastiques
• Centre d'art contemporain
• Glossaire de l'art contemporain
• Liste des centres d'art contemporain en France
• Musique contemporaine

Liens externes

• La base de données de Regards sur l'art contemporain (1955-2001)
• Délégation aux arts plastiques du ministère de la Culture