Bande dessinée

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La bande dessinée (communément raccourci en BD ou bédé) est une forme d'expression artistique, souvent désignée comme le « neuvième art », utilisant une juxtaposition de dessins (ou d'autres types d'images fixes, mais pas uniquement photographiques), articulés en séquences narratives et le plus souvent accompagnés de textes (narrations, dialogues, onomatopées). Will Eisner l'a définie (avant l'émergence d'Internet) comme « la principale application de l'art séquentiel au support papier[W 1]».

La bande dessinée peut désigner selon le contexte, la forme d'expression, c'est-à-dire la technique en tant que telle, mais aussi le médium qui supporte la bande dessinée (livres de différentes formes, support numérique). Son origine est attribuée à Rodolphe Töpffer au XIXe siècle, Richard Felton Outcault avec The Yellow Kid est également un des précurseurs du genre.

En Amérique du Nord où on l'appelle comics, la bande dessinée devient populaire au début du XXe siècle et un développement important survient dans les années 1930 avec l'émergence de la bande dessinée de superhéros dont la tête de pont est Superman, personnage créé en 1938 dans Action Comics. C'est également à l'entre-deux-guerres qu'Hergé crée Les Aventures de Tintin qui reste un classique de la bande dessinée franco-belge au style dit ligne claire. Au Japon, Osamu Tezuka popularise le genre du manga après la Seconde Guerre mondiale.

Initialement considérée comme un sous-genre de la littérature, ou un art mineur comparativement à la peinture, et destinée avant tout aux enfants, la bande dessinée gagne à partir des années 1960 une légitimité en tant que telle. Ses auteurs exposent, vendent des planches originales comme peuvent le faire d'autres artistes, des festivals drainant des milliers de visiteurs lui sont consacrés à l'instar du festival international de la bande dessinée d'Angoulême inauguré en 1973 en France et une reconnaissance en tant qu'art lui est accordée que ce soit par des prix comme ce fut le cas pour la bande dessinée d'Art Spiegelman Maus récompensée par le prix Pulitzer en 1992 ou par des expositions dans les musées.

De nouveaux genres émergent, certains auteurs se revendiquent ou sont « catégorisés » comme appartenant à une bande dessinée alternative explorant de nouveaux modes de narration, de nouveaux formats de bande dessinée ; des éditeurs spécialisés sur ce segment voient le jour et visent une clientèle plus adulte. Parallèlement à l'essor d'Internet, les techniques évoluent avec les outils numériques de création, les auteurs de bande dessinée s'emparent de ce nouveau mode de communication que ce soit par les blogs dédiés ou par le passage du support papier à la bande dessinée en ligne.

Sommaire

Définitions[modifier | modifier le code]

Le « neuvième art »[modifier | modifier le code]

Il est de coutume de distinguer « la » bande dessinée et « les » bandes dessinées. Cette distinction est mise en lumière par Francis Lacassin[L 1]. « La » bande dessinée est le concept, c'est-à-dire l’Art — le 9e[Note 1] » — et la technique permettant la réalisation de cet art. « Les » bandes dessinées sont les médias par lesquels est véhiculé cet art[D 1],[B 1]. Cela implique de donner une double définition, celle de la bande dessinée et celle du médium bande dessinée.

La bande dessinée : un « sous-art » ?[modifier | modifier le code]

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Puisque la bande dessinée est un art, il existe deux grandes perceptions de cet art. La première perception considère la bande dessinée comme un art mineur, la bande dessinée est de l’art. L'autre perception fait de la bande dessinée un art à part entière.

Au même titre que la musique pop ou le roman policier, la bande dessinée connut le plus grand mal pour acquérir une véritable reconnaissance. D'abord considérée comme un simple outil de divertissement destiné à la jeunesse, la bande dessinée dut s'émanciper de son statut de comic pour asseoir un moyen d'expression artistique nouveau. Certains auteurs contribuèrent largement à cette émancipation, cette reconnaissance, tel Hugo Pratt.

Ce sentiment semble cependant moins fort aujourd'hui. Ainsi, Vincent Bernière écrit-il en 2008 que « vouloir défendre la bande dessinée japonaise, ou la bande dessinée en général, est un combat d'arrière-garde »[1]. Il exprime ainsi avec confiance son sentiment que l'époque où la bande dessinée était considérée comme un sous-art est désormais révolue même si certains comme Alain Finkielkraut continuent à en parler, par mépris vis-à-vis des livres illustrés, comme d'un « art mineur »[2].

Si la bande dessinée est « de » l’art, il faut alors que cet art se rattache à toutes les formes picturales qui l’ont précédé. C’est la position de Scott McCloud[M 1]. Cette façon de percevoir la bande dessinée oblige à la replacer dans le grand courant artistique et culturel qui commence avec les premiers dessins, ceux de l’art pariétal[Note 2], comme à la grotte de Lascaux, même si aujourd'hui un tel rapprochement est artificiel. A priori les spécialistes s'accordent sur le fait qu'il ne s'agit pas de suites de dessins. De plus, la qualité narrative de ces peintures reste à prouver, de nombreux archéologues, comme le professeur Norbert Aujoulat, responsable du site, penchent pour une interprétation chamanique (les dessins auraient une fonction « magique »)[A 1].

Il n'existe donc pas de raison de rattacher les peintures rupestres à la bande dessinée plutôt qu'aux autres arts graphiques au même titre que les bas-reliefs des temples égyptiens[M 2], les codex précolombiens[M 3] et les Biblia pauperum[B 2] de la fin du Moyen Âge[Note 3]. Il faut encore ajouter à cette liste : la Tapisserie de Bayeux[G 1], le Rouleau de Josée de la bibliothèque vaticane[4] et les 182 collages de Max Ernst Une semaine de bonté[M 4]. Ces références artistiques ont toutes en commun la volonté de raconter une histoire comme le fait une bande dessinée ou encore les frises du Parthénon à Athènes, la colonne Trajane à Rome, les bas-reliefs du temple d'Angkor Vat au Cambodge.

« L'histoire de l'art ne pouvait donc pas reconnaître dans la dimension narrative de ces œuvres le critère d'une discipline autonome au sein des arts visuels[5]. » Cette vision d'un grand courant artistique qui parcourt l’histoire de l’art pour donner ses lettres de noblesse à la bande dessinée est de moins en moins retenue depuis la mise en avant de la bande dessinée, neuvième art.

Dans le deuxième cas, si la bande dessinée est « un » art, il faut évidemment définir en quoi la bande dessinée est « un » art, il ne suffit pas de l'affirmer. Là encore deux perceptions s’affrontent :

  • La bande dessinée est un art à la croisée de l’écriture littéraire et de l’écriture graphique[6]. C’est la vision de l’inventeur de la bande dessinée Rodolphe Töpffer : « Ce petit livre est d’une nature mixte. Il se compose de dessins autographiés au trait. Chacun des dessins est accompagné d'une ou deux lignes de texte. Les dessins, sans le texte, n’auraient qu’une signification obscure ; le texte, sans les dessins, ne signifierait rien. Le tout ensemble forme une sorte de roman d’autant plus original qu’il ne ressemble pas mieux à un roman qu’à autre chose[7]. » Ce que R. Töpffer appellera « Littérature en estampes » dans son Essai de Physiognomonie[8] et Will Eisner Sequential Art, « l’Art séquentiel »[W 1] ou Visual Narrative, « La Narration visuelle »[E 1].

Si la bande dessinée n'est que graphique regroupant texte et dessin, le texte doit s’inscrire obligatoirement sous une forme graphique dans le dessin au sein d’une bulle : selon H. Filippini, « la bande dessinée est une suite de dessins contant une histoire ; les personnages s’y expriment par des textes inscrits dans des bulles[9]. » Cette définition rejette les auteurs de bandes dessinées appelées alors « histoires en images » comme les Français J-P. Pinchon (Bécassine), Louis Forton (Les Pieds nickelés et Bibi Fricotin), le Néerlandais Marten Toonder (Tom Poes ; en français Tom Pouce), les Américains Rudolph Dirks (Katzenjammer Kids ; en français Pim Pam Poum) et Gustave Verbeek (Upside-Downs ; en français Dessus-dessous[10]). Cette définition rejette aussi, peut-être moins catégoriquement, les bandes dessinées sans texte comme celles de l'Américain Otto Soglow (Little King ; en français Le Petit Roi) qui en 1975 ne comportaient toujours pas de texte.

Les spécialistes de la bande dessinée défendent avec de moins en moins de vigueur cette deuxième vision restrictive de la bande dessinée, même H. Filippini intègre tous les auteurs cités ci-dessus dans son Dictionnaire de la bande dessinée (cf. bibliographie).

Toutefois ce débat ne peut pas rester celui de spécialistes, ce serait un paradoxe au regard de la popularité du genre… Par exemple la « BD » (une abréviation d'usage précisément populaire mais peu appréciée des amateurs[réf. souhaitée]) est maintenant considérée comme un genre au sein de l'art contemporain, lorsque sur un plan uniquement esthétique (mais pas narratif) elle résulte d'une démarche artistique ; cette reconnaissance conduit des auteurs à exposer et à vendre leurs planches originales, mais il s'agit là d'une démarche artistique dérivée de la bande dessinée considérée comme un art en elle-même puisque dans ce cas ce sont seulement des fragments de bande dessinée.

Médium bande dessinée[modifier | modifier le code]

Si la définition du concept de bande dessinée partage encore les critiques et les spécialistes de la bande dessinée, les amateurs de bande dessinée n’ont aucune difficulté à définir dans la pratique le medium bande dessinée.

  • Bande dessinée : succession d'images organisées pour raconter une histoire et présentées de façons diverses (en planche, en illustré, en petit format, en album, etc.).
  • Histoire en images : distinction faite par certains spécialistes pour différencier les suites d'images organisées pour raconter une histoire mais dont le texte est disposé en récitatif sous les images. Se présente aussi sous diverses formes. C'est le cas des fameuses images d'Épinal de l'imagerie Pèlerin.

Dans la pratique, il est arrivé aux deux genres de coexister chez le même auteur : pour des raisons de format et de qualité d'impression, Marten Toonder fut publié sous forme d'histoire en images dans la presse régionale française ainsi que dans le quotidien La Croix, mais en bande dessinée chez Artima. L'hebdomadaire pour la jeunesse Cœurs vaillants imposa quelque temps à Hergé un format double (bande dessinée de Tintin en Amérique dont chaque case avait une légende sous-jacente), puis y renonça au soulagement du dessinateur[réf. nécessaire].

Plusieurs foyers à la bande dessinée[modifier | modifier le code]

Schématiquement on distingue dans le monde plusieurs zones et cultures liées à la bande dessinée :

Selon les cultures de chaque pays en matière de bande dessinée, on distingue plusieurs appellations pour le médium ou la forme.

Amérique[modifier | modifier le code]

Un strip du Thimble Theatre de 1920 montrant Olive Oyl et son frère Castor.

Aux États-Unis :

  • Funny : à la fin du XIXe dessin d’humour paraissant dans la presse quotidienne. Au début du XXe siècle synonyme de strip.
  • Strip, aphérèse de comic strip : dessin d’humour en deux ou trois cases disposé horizontalement et paraissant avec le supplément du dimanche d'un journal, appelé aussi sunday strip dès qu'il regroupe les daily strips sur une page, avant de devenir une véritable histoire avec des personnages récurrents plutôt pour les adultes.
  • Comic, apocope de comic strip : appelé aussi daily strip, dessins d'humour en deux ou trois cases disposés horizontalement paraissant tous les jours et organisés pour raconter une histoire plutôt pour les adultes.
  • Comic book : Magazine individuel, généralement imprimé en couleur, à l’origine sur mauvais papier, aujourd'hui de plus en plus sur papier glacé, contenant des histoires ou des gags sous la forme séquentielle du comic strip. Le contenu peut consister en reprise d'histoires déjà publiées ou en matériel original, ce qui est le plus généralement le cas. Dans sa formule la plus standard, le comic book consiste en une publication mensuelle de 32 pages + couverture d'un format d'environ 17 x 26 cm et contenant des pages de publicité.
  • Graphic novel : livre relié pouvant comporter jusqu’à une centaine ou plusieurs centaines de pages et racontant une histoire unique.

Beaucoup de pays ont simplement traduit « bande dessinée » dans leur langue vernaculaire comme les Portugais qui parlent de banda desenhada, ou utilisent le terme américain comic. D’autres comme les Brésiliens utilisent un terme plus imagé et parlent de história em quadrinhos (histoire en petits tableaux). En Argentine, au Chili, en Uruguay, le terme historieta (historiette), est utilisé comme en Espagne. Les jeunes dessinateurs préfèrent souvent utiliser le terme américain comic.

Europe[modifier | modifier le code]

  • Périodique, ou illustré : journal édité dès la fin du XIXe siècle et comportant des histoires dessinées à destination de la jeunesse.
  • Tegneserie ou Tecknad serie : Tegneserie en norvégien/danois ou Tecknad serie en suédois signifie série ou suite de dessins.
  • Fumetto : pour les Italiens les phylactères ressemblent à des petits nuages de fumée. C'est donc le phylactère qui définit, ici, la bande dessinée.
  • Tebeo : c'est le nom de la première revue de bandes dessinées espagnole (TBO, en 1917) qui a donné son nom aux bandes dessinées en Espagne. Elles sont couramment désignées par les termes « cómic » (d'origine anglophone) et historieta, ce dernier étant plus usité pour les comic strips, qui sont, littéralement, une « petite histoire » d'une seule bande ou d'une seule page.
  • Petit format : type d'illustré populaire bon marché né après-guerre, de format réduit (en moyenne 13 x 18 cm), imprimé à l'origine en noir et blanc, puis en alternance noir/bichromie.
  • Album : livre broché ou relié (à couverture souple ou rigide) proche du format A4 comportant à l’origine, pour les albums cartonnés, une soixantaine de planches, puis une quarantaine, aujourd'hui le plus souvent en couleur. Si ce dernier format est désormais le standard il est souvent débordé tant par la taille physique que le nombre de pages.

Asie[modifier | modifier le code]

Des mangas.
  • Manga : au Japon, terme inventé par Gakyōjin Hokusai, « le Fou de dessin » en 1814 et qui s’applique à tout ce qui s’approche de près ou de loin aux bandes dessinées japonaises. Manga (漫画) qui est généralement traduit par « images dérisoires », (man signifiant originellement en chinois « déborder, à son gré »), « dessins libres » dans le sens d'interprétation libre. À noter que le manga-ka Shōtarō Ishinomori utilisait également la graphie 万画, qui signifie alors « dix mille images ».
  • Amekomi : au Japon, traduction de l'américain âmerican comic, pour désigner les bandes dessinées d'importation généralement américaines et traduites en japonais.
  • Lianhuanhua (连环画 « images enchaînées ») : bandes dessinées chinoises composées de petits livres ne contenant qu’une seule image par page accompagnée d’un récitatif, très rarement de phylactères.
  • Manhua : désigne les bandes dessinées d’importation japonaise et traduites en chinois.
  • Manhwa (만화, prononcer man-h'oua) : désigne en Corée la deuxième production de bandes dessinées d’Asie après le Japon.

« Anatomie » de l'objet et lexique[modifier | modifier le code]

Exemple de planche comportant des récitatifs et des phylactères.

Les amateurs s'entendent sur un certain nombre de mots et de définitions pour décrire les différents éléments dont sont composées les bandes dessinées :

  • Les récitatifs sont des panneaux généralement situés au bord des vignettes et servant aux commentaires en « voix off », notamment pour donner des indications de temps et de lieu ou pour fournir des informations permettant une meilleure compréhension de l'action. Le style ligne claire a beaucoup utilisé le récitatif comme Edgar P. Jacobs, l'auteur de Blake et Mortimer. Les « histoires en images » sont caractérisées par l'usage exclusif du récitatif.
  • Les bulles, appelées à l'origine phylactères (terme — moins utilisé aujourd'hui que bulle dans la BD — qui désignait les banderoles supportant les textes dans les enluminures du Moyen Âge) ou en anglais balloon (ballon, plus rare en français que bulle). Généralement rondes ou elliptiques (plutôt rectangulaires dans le style ligne claire), elles contiennent les dialogues des personnages auxquels elles sont rattachées. Pour les pensées ou les rêves, elles ont souvent une forme de nuage ou, dans les comics américains, la forme d'un rectangle qui n'est plus rattaché au personnage.
  • Les onomatopées sont des mots ou des icônes suggérant un bruit, une action, une pensée par imitation phonétique, graphique ou icônique. Les mangas utilisent des onomatopées pour suggérer des sentiments.
  • La case est une image ou une vignette contenant un dessin et généralement encadrée. À noter qu'une bande dessinée ne comporte pas nécessairement de case, dans ce cas la case se confond avec la planche.
  • La bande ou bandeau est une suite de cases, disposées sur une ligne.
  • La planche est un ensemble de cases tenant sur une ou deux pages.
À l’origine le mot planche était réservé au document original dessiné par l’auteur. Celui-ci numérote souvent sa planche discrètement dans un coin de celle-ci. La numérotation des planches n'est quasiment jamais identique à la numérotation des pages de l'album dans lequel elles paraissent.
  • Un album est un recueil de planches qui raconte une histoire. Les planches peuvent appartenir à une même série, à un même auteur, ou à un même thème (albums collectifs).
À l’âge d’or des illustrés, les aventures des héros de bandes dessinées étaient publiées sous forme de feuilletons appelés « histoires à suivre », puis éditées en albums.
Depuis la quasi-disparition des magazines de bandes dessinées, les histoires sont quelquefois pré-publiées dans toutes sortes de médias, magazines, fanzines, hebdomadaires, quotidiens, etc. avant d’être éditées en albums.

Le reste du temps, les histoires sont directement éditées en albums, cette pratique a tendance à se généraliser. Même si le format à la française (hauteur supérieure à la largeur) est celui de la majorité des albums, il existe aussi des albums ayant un format plus rare (format à l'italienne où la largeur est supérieure à la hauteur, format carré). De même le format est souvent plus grand que celui d'une feuille A4 mais les petits formats ou les traduction des comics sont plus petit que le A4. Les éditions françaises des mangas prennent un format poche.

  • Une série est un ensemble d'albums reliés par un thème ou un personnage, organisé le plus souvent de façon chronologique quand l'histoire se déroule tout au long de la série.

Internet : nouvelle forme de bande dessinée[modifier | modifier le code]

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L'essor de la bande dessinée en ligne a permis à cet art de sortir du format classique. Le processus de création s'est démocratisé comme en témoigne la production sur des sites internet comme grandpapier et notamment grâce aux logiciels de graphisme sur ordinateur qui permettent à de plus en plus d'auteurs de réaliser l'ensemble des étapes par eux-mêmes. Le mode d'édition peut lui aussi être différent sur Internet: des séries sont désormais publiées sur des sites internet qui proposent des abonnements avec des nouvelles planches à échéances hebdomadaires, mensuelles ou quotidiennes. Cette façon de procéder copiée sur la diffusion d'épisodes de séries télévisées permet de subventionner la création en même temps que celle-ci se fait. Par exemple, Les Autres Gens, réalisés par une trentaine d'auteurs et qui grâce au succès rencontré sur Internet publient désormais une version papier des planches déjà disponibles sur leur site.

Histoire[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Histoire de la bande dessinée.

Apparue en Suisse au début des années 1830 avec la parution des premiers albums de Rodolphe Töpffer (voir l'Histoire de monsieur Jabot), la bande dessinée se diffuse au cours du XIXe siècle dans le monde entier via les revues et journaux satiriques (voir notamment en France le Savant Cosinus de Christophe). Popularisée à la toute fin de ce siècle dans les journaux américains sous la forme du comic strip, la bande dessinée devient alors un médium de masse, assez diversifié aux États-Unis, de plus en plus restreint à l'humour et aux enfants en Europe.

Dominant de plus en plus la presse enfantine mondiale, via des périodiques spécialisés à partir des années 1930, la bande dessinée touche également les adolescents et certains adultes, dans le cadre du comic book et de strips de qualité aux États-Unis, des « petit format » en Europe. À partir des années 1950, elle connaît un troisième foyer de développement majeur lorsque le Japon se met à en créer massivement sous l'influence d'Osamu Tezuka. Les trois foyers sont alors relativement indépendants, tant dans les œuvres publiées que dans les structures éditoriales, seul le foyer américain pénétrant les deux autres[réf. souhaitée].

Le genre considéré comme infantile, et vecteur de violence auprès de la jeunesse, a même été contrôlé éditorialement par la loi comme en France avec la loi du 16 juillet 1949[11] sur les publications « présentant un danger pour la jeunesse », lesquelles peuvent faire l’objet, par arrêté du ministre de l’Intérieur, de restrictions quant à leur diffusion et commercialisation lorsqu’elles présentent « un danger pour la jeunesse en raison de leur caractère licencieux ou pornographique ou de la place faite au crime, à la violence, à la discrimination ou à la haine raciale, à l’incitation à l’usage, à la détention ou au trafic de stupéfiants ». De même aux États-Unis à la même période naît le Comics Code Authority qui était chargé de vérifier les publications destinées à la jeunesse. Dans les années 1960, parallèlement à l'émergence de courants analytiques comme les cultural studies, la bande dessinée commence à chercher à se légitimer en quittant cette étiquette de « littérature pour enfants », considérée comme une phase de transition vers une littérature pour adultes[12].

Les créations de Jean-Claude Forest en France, du mouvement gekiga au Japon et de l'underground américain conduisent à de nombreuses remises en question qui permettent l'apparition d'un premier discours critique en Europe et aux États-Unis. Dans les années 1970, les expérimentations se poursuivent derrière Mœbius, tandis que la revendication de la paternité littéraire, de plus en plus patente, explose à la fin de la décennie avec le succès du terme « roman graphique » de Will Eisner ou le concept des « romans en bande dessinée » lancé pour promouvoir Corto Maltese d'Hugo Pratt.

Si les séries classiques de divertissement dominent toujours les marchés à la fin des années 2000[réf. souhaitée], la bande dessinée a exploré depuis les années 1980 tous les champs abordés par les autres arts narratifs, et s'est vue de plus en plus légitimée, malgré les récriminations récurrentes de ses acteurs sur la lenteur de cette reconnaissance[réf. souhaitée].

Art et technique en bande dessinée[modifier | modifier le code]

Processus de création[modifier | modifier le code]

Bien que les étapes de la création d'une bande dessinée dépendent des artistes et des œuvres, un cheminement général peut être évoqué :

  • synopsis : histoire ou idée originale ou inspirée d'une œuvre existante (littéraire ou cinématographique, par exemple).
  • scénario : traitement détaillé de l'histoire. Il précise, planche par planche, le découpage de l'action, la position des personnages, et présente les dialogues.
  • recherche graphique : Le dessinateur travaille au style général. Il crée les personnages principaux et l'environnement dans lequel ils évoluent.
    Si le lieu et l'époque existent, ou ont existé, un travail de recherche de matériel typographique et iconographique est effectué. Si l'univers de l'histoire sort de l'imaginaire de l'auteur, les recherches sont beaucoup plus orientées vers du design graphique.
  • mise en page : choix des points de vue, des cadrages et de l'agencement des vignettes dans la planche.
  • crayonné : première ébauche proprement dite du dessin. À partir de cette étape, le travail s'effectue généralement sur un support plus grand (format A2) que celui de la planche imprimée (format A4).
  • encrage : opération consistant à passer à l'encre les contours du crayonné et les ombres afin de donner au dessin un trait définitif. Finalement, seul ce tracé sera imprimé. Les décors et les phylactères sont aussi ajoutés et positionnés lors de cette étape. Ils ne sont pas toujours présents, où alors de manière succincte, dans le crayonné.
    Certains auteurs encrent directement sur le crayonné, qu'ils éliminent ensuite en gommant. Perdant ainsi toutes traces de cette étape. Une autre méthode consiste à effectuer un crayonné au crayon bleu inactinique, qu’il n’est pas nécessaire de gommer, le tracé bleu clair n’apparaissant pas à la reproductions photographique, ou étant éliminé par réglages du scanner. D'autres utilisent un calque transparent placé par-dessus le crayonné.
  • mise en couleur : opération qui consiste à choisir et appliquer la couleur aux différentes zones délimitées par les traits encrés (personnages, décors, vêtements), tout en respectant la continuité des couleurs au fil des planches. Le coloriste doit aussi définir les lumières et les ombres du dessin. La mise en couleur dite traditionnelle est effectuée sur un tirage particulier de la planche, appelé « bleu », où les traits noirs de l'encrage sont imprimés en bleu-gris clair.
    Par le passé cette tâche était faite à l'aquarelle appliquée au pinceau et à l'aérographe ; de nos jours elle est souvent effectuée par informatique. Les couleurs sont de plus en plus réalisées par des professionnels, les coloristes et parfois par le dessinateur lui-même.
  • couleur directe : l'encrage et la mise en couleur peuvent être réalisés lors d'une étape unique, à la manière d'un peintre.

Le champ graphique est vaste en fonction de la technique utilisée qui va des premiers dessins gravés à la pointe sèche jusqu'à l'utilisation de la peinture à l'aérographe par certains auteurs tels Juan Gimenez. Cette dernière méthode (maintenant souvent même remplacée par l'infographie) permet des réalisations qui sont plus proches visuellement de la photo que du dessin avec l’élimination du trait.

  • lettrage : le texte des dialogues et commentaires est encré en l'alignant dans les espaces laissés à cet effet lors de l'encrage de la planche. L'opération est répétée pour chaque langue dans laquelle l'histoire est publiée.

En fonction de l'œuvre et de l'artiste, la même personne peut réaliser tout ou une partie du travail de création : scénario, dessin, encrage. Le plus souvent le travail est partagé entre un scénariste et un dessinateur. Certaines étapes plus spécifiques, telles que le lettrage et la mise en couleur, peuvent être laissées à des spécialistes.

Enki Bilal, par exemple, est un auteur complet. Scénariste et dessinateur, il travaille en couleur directe. Il a aussi la particularité de dessiner les cases sur des feuilles séparées, ce qui lui permet de les agencer à loisir sur la planche.

Parallélisme avec les autres arts[modifier | modifier le code]

Alors que la bande dessinée évoque en premier un art propre aux peintres, tout en étant vendue comme de la littérature (ou du moins comptabilisée comme telle dans les chiffres du secteur de l'édition), plus nombreux sont les liens entre cinéma et bande dessinée tant dans la technique de réalisation que par les moyens artistiques à mettre en œuvre, qui ont interpénétré les deux modes d'expression.

Il en est ainsi pour l'écriture et le rythme de l'histoire, la réalisation des décors, l'utilisation des angles de prises de vues (panoramiques, plongées, contre-plongées, gros plans, plans américains, le dessin seul gardant la possibilité de montrer le personnage prenant appui ou marchant sur le bord de l'écran, voire d'en sortir) les montages, les éclairages (avec des outils électroniques de création ou de colorisation maintenant communs aux deux arts), la limitation du champ visuel par l'écran ou la page, la vision 2D, la sonorisation (subjective pour la BD même si certains auteurs tel Cosey font des suggestions d'accompagnements musicaux) avec voix off ou attribuée à l'acteur, les ellipses, retours en arrière et autres jeux sur l'échelle du temps… Mais le dessinateur est, lui, maître de ses acteurs, n'a pas besoin de budget pour des milliers de figurants ou de difficiles décors, et peut refaire toute prise sans limite. Enfin, le dessinateur a la liberté de cadrage (une case peut être horizontale, verticale, etc.) quand le cinéaste est tenu au rapport de l'écran.

À l'inverse le cinéma utilise la bande dessinée dans sa phase de conception avec ce qu'on appelle le storyboard.

Aspects économiques[modifier | modifier le code]

Un marché en augmentation[modifier | modifier le code]

L'association des critiques et des journalistes de bande dessinée (ACBD) publie annuellement un rapport sur le marché de la bande dessinée.

En 2012, le marché de la bande dessinée francophone vit une situation paradoxale. Depuis seize ans le nombre de publications ne cesse de croître[13] et atteint le chiffre de 5 327 livres publiés dont 72 % sont des nouveautés (le reste se partageant entre rééditions, artbooks et essais). Cette « bonne santé » économique vient après une période de crise qu'a subi le secteur durant les années 1980-1990 mais qui est maintenant dépassée[14]. Toutefois, ce succès n'est pas total et seule une centaine d'albums bénéficie de tirages supérieurs à 50 000 exemplaires. De même, dix mangas représentent 50 % de l'ensemble des ventes de ce secteur[15]. D'ailleurs le marché du manga se stabilise après avoir longtemps progressé. Si au milieu des années 2000, la production de manga constituait la moitié de la production de bande dessinée[14], depuis il recule et en 2010 il connaît une baisse de près de 14 % en volume et de 7,7 % en valeur[16] et en 2011 une stabilisation.

Par ailleurs, 310 éditeurs sont recensés mais quatre publient plus de 43 % des titres[17]. Ces grands groupes se caractérisent par une production diversifiée et un catalogue important alors que les éditeurs plus petits sont souvent cantonnés à une niche (Panini : comics et manga, Bamboo : humour essentiellement, l'Association : bande dessinée d'auteur…) et ont un fonds moins riche. Cela n'empêche pas des succès importants comme Les Profs édités par Bamboo (120 000 exemplaires) ou Les Simpson édités par Jungle (150 000 exemplaires)[18]. La situation est donc contrastée et certains craignent que la surproduction menace l'équilibre de ce marché[14].

Le métier d'auteur de bande dessinée[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Auteur de bande dessinée.

Une bande dessinée est réalisée par un auteur qui peut tout faire de A à Z, on parle d'auteur « complet », ou bien par une équipe d'auteurs avec au moins un scénariste qui écrit l'histoire, un dessinateur qui la met en image, et parfois un coloriste. L'éditeur se charge ensuite d'assurer la production proprement dite de l'album et sa diffusion dans les librairies. Les auteurs complets se trouvent principalement dans la bande dessinée européenne, les auteurs américains et asiatiques sont plus souvent organisés en studios de plusieurs personnes avec un auteur principal et des assistants.

En France en 2015, on recense 1 500 auteurs au sens large c'est-à-dire scénaristes et dessinateurs. Les chiffres de vente par album étant de moins en moins bons depuis les années 2000 - le tirage moyen d'un ­album a été divisé par cinq, la moitié des auteurs gagne moins que le SMIC[19].

Le salaire d'un auteur de bande dessinée varie selon ses travaux et les chiffres de vente mais en moyenne un auteur français recoit entre 150 € et 250 € par planche[20].

Marché de l'occasion[modifier | modifier le code]

Le marché de l'occasion de la bande dessinée est un marché dynamique[réf. souhaitée], en Belgique particulièrement, porté par les différents festivals et par des librairies spécialisées.

Distributeurs et points de vente[modifier | modifier le code]

Marché des éditions originales et dédicaces[modifier | modifier le code]

Les éditions originales sont les albums (en nombre limité) édités une première fois. Lorsque l'album a du succès, il peut être réédité de nombreuses fois ; les collectionneurs accordent une valeur parfois très importante aux albums de l'édition d'origine. La valeur varie selon la rareté de l'édition originale, l'état de l'album et la présence d'une dédicace. La bande dessinée qui a été vendue au prix le plus élevé à ce jour est un exemplaire du premier numéro d'Action Comics, qui a été échangé au prix de 3 207 852 dollar (soit environ 2 367 716 euro*) sur eBay le [21].

Une dédicace est un dessin original exécuté par l'auteur d'une bande dessinée et généralement dédié à un lecteur. Cette dédicace est souvent dessinée sur une des pages blanches qui commencent ou finissent l'album. Les festivals de bandes dessinées prévoient souvent des stands de dédicace nombreux ; la popularité des auteurs est un facteur d'attrait important pour les visiteurs. Les libraires peuvent également inviter des auteurs à dédicacer. En France, les dédicaces sont en règle générale gratuites mais peuvent être attribuées par tirage au sort. Certaines personnes qui revendent, parfois fort cher, leur dédicace fraîchement reçue provoquent l'exaspération des auteurs[22]. Aux États-Unis les dédicaces dessinées sont payantes pour le lecteur ; l'auteur est ainsi rémunéré[23].

Marché des planches originales[modifier | modifier le code]

La planche originale est le support (généralement en format A2) sur lequel l'auteur a exécuté son dessin. Les premiers auteurs de bandes dessinées accordaient peu d'importance à ces documents dès lors que l'album était imprimé. Actuellement, les passionnés se disputent ces planches à prix d'or.

Ventes aux enchères et cote du 9e art[modifier | modifier le code]

Initialement sans valeur, les planches originales ont vu leur cote grimper au cours des années 1990 et 2000. La première vente aux enchères consacrée à la bande dessinée eut lieu en 1989. Le nombre de ventes atteint en 2015 une quarantaine à l'année[24] ce qui ferait de la bande dessinée un des marchés les plus actifs[25]. Quelques auteurs drainent la majorité des clients des salles d'enchères, à commencer par Hergé, le créateur de la série Les Aventures de Tintin, qui de son vivant offrait ses planches originales, souvent avec une dédicace[26]. Cette flambée des prix amène des pièces qu'on pensait disparues dans les salles de vente[27],[28].

Proposé par Artcurial, un dessin original de l'album Le Lotus bleu fut vendu début octobre 2015 à Hong Kong pour 1.1 million d'euros[29]. Le même mois, une double planche d'Hergé de l'album Le Sceptre d'Ottokar a été adjugée près d'1.563 millions d'euros[30],[31]. Publiée dans Le Petit Vingtième le 6 juillet 1939, cette planche était estimée entre 600 000 et 800 000 euros [32]. Cette double planche est issue d'un collectionneur belge privé, Jean-Arnold Schoofs. Parmi les autres pièces proposées se trouvent des originaux de Spirou et Fantasio, Astérix ou Blake et Mortimer[33].

Le record absolu est détenu par les pages de garde bleu foncé des album de Tintin vendues 2,6 millions d'euros en 2014. Une couverture gouachée de Tintin en Amérique fut également adjugée pour 1,3 million d'euros en 2012[25]. Cette couverture fait partie des rares dessins mis en couleur par Hergé[34].

Les œuvres de Bilal se vendent également dans les 100 000 euros en moyenne[35]. Les autres artistes de bande dessinée sont loin d'atteindre ces prix, les planches de Jean Giraud par exemple étaient à quelques dizaines de milliers d'euros en 2007[36].

Coté comics, le no 1 d'Action comics, la première revue consacrée à Superman et dont peu d'exemplaires en bon état restent disponibles, fut vendu à environ 1.6 millions d'euros en décembre 2011 mais pas via une maison de vente aux enchères[34],[37]. Sur eBay, un exemplaire est parti à 3 millions de dollars[38].

Produits dérivés[modifier | modifier le code]

Les bandes dessinées les plus fameuses inspirent la création de nombreux produits dérivés (figurines, posters…).

Certains héros de bandes dessinées sont également utilisés sur des articles dits « avec licence » : vêtements, articles de papeterie, personnages ou même reconstitution de scènes d'une bande dessinée à succès tels les personnages de Walt Disney depuis fort longtemps ou, plus récemment de ceux de Tintin, d'Astérix et bien d'autres.

Éditeurs[modifier | modifier le code]

Éditeurs franco-belges[modifier | modifier le code]

Un classement rapide permet de distinguer, parmi les éditeurs de langue française :

Éditeurs américains[modifier | modifier le code]

Éditeurs japonais[modifier | modifier le code]

La bande dessinée dans les institutions[modifier | modifier le code]

Musées spécialisés, archives, bibliothèques[modifier | modifier le code]

La bande dessinée, comme tout art parvenu à maturité, possède ses institutions spécialisées. Les plus importants centres incluent :

Expositions d'auteurs dans des musées[modifier | modifier le code]

La bande dessinée se faisant une place comme un art à part entière, ses auteurs exposent également dans des grands musées autrefois réservés à d'autres formes d'art comme la peinture ou la sculpture. Ainsi Robert Crumb a exposé au Musée d'art moderne de la ville de Paris en 2012, mais aussi Enki Bilal au Musée du Louvre en 2013.

Universités[modifier | modifier le code]

La bande dessinée se fait une place progressivement dans l'enseignement supérieur. Ainsi en novembre 2015, l'université de Lancaster dans le nord-ouest de l'Angleterre annonce que Benoît Peeters sera un de ses professeurs invités pour enseigner « le roman graphique et l'art de la bande dessinée »[41]. Cette première dans le monde de la bande dessinée montre qu'une certaine légitimité en tant qu'art commence à émerger[42].

Événements communautaires[modifier | modifier le code]

Festivals[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Festival de bande dessinée.

À l'instar du cinéma, la bande dessinée a aussi ses festivals. Il s'agit d'événements généralement annuels dédiés à la bande dessinée sur un ou plusieurs jours. Les lecteurs peuvent rencontrer les auteurs et les éditeurs, assister à des conférences ou visiter une exposition de dessins ou de planches originales[43].

Rencontrer un auteur est également l'occasion de se faire dédicacer son album ; le temps d'attente pour l'obtenir est par contre variable suivant la popularité de l'auteur[44].

Dans le monde de la bande dessinée américaine et asiatique, le terme de « convention» est également utilisé pour désigner de tels rassemblements à l'image des conventions d'anime comme le Comic Market. L'une des plus célèbres des conventions américaines est le Comic-Con qui se déroule à San Diego et s'est élargi progressivement au-delà de la bande dessinée à d'autres univers comme le cinéma ou les jeux vidéo.

En France le plus important en termes de fréquentation est le festival international de la bande dessinée d'Angoulême (FIBD) qui est créé en 1974 et se déroule traditionnellement fin janvier. En Italie, le festival de bande dessinée de Lucques fondé en 1965 est un des plus anciens festivals consacrés au genre.

Prix et récompenses[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Liste de prix de bande dessinée.

Records[modifier | modifier le code]

La bande dessinée fait l'objet de performances inscrites au livre Guinness des records. Ainsi la plus longue bande dessinée fut réalisée à Lyon à l'occasion du Lyon BD festival en 2016 sur 1,6 km détrônant le précédent record américain de 1,2 km[45].

Dans la culture et les médias[modifier | modifier le code]

Communication par la bande dessinée[modifier | modifier le code]

La bande dessinée s'est rapidement imposée comme un vecteur de communication efficace sur tous publics :

Revues de bande dessinée, journalisme et critiques[modifier | modifier le code]

Voir Catégorie:Périodique français de bande dessinée.

Émissions de télévision consacrée à la bande dessinée[modifier | modifier le code]

Parmi les émissions autour de la bande dessinée, on peut citer en France Tac au tac, diffusé entre 1969 et 1975 sur les chaînes de l'ORTF. Coopérant ou s'affrontant, les invités se livraient à des dessins improvisés, souvent collectifs, encadrés par des contraintes inspirées des jeux surréalistes comme le cadavre exquis. De nombreux dessinateurs de bande dessinée y ont participé, tels que Gotlib, Franquin, Mandryka, Jean Giraud, Claire Bretécher, Hugo Pratt, Uderzo, Morris

Autres émissions, La Bande à Bédé, rubrique de l'émission Récré A2, diffusée le mercredi après-midi entre 1980 et 1986 ainsi qu'Un monde de bulles qui fut diffusée sur la chaîne parlementaire Public Sénat, sur le canal 13 de la TNT française de 2005 à 2013. Cette dernière créée par Jean-Pierre Elkabbach et Jean-Philippe Lefèvre, mettait en lumière les auteurs, scénaristes et dessinateurs de bande dessinée, sous forme de reportages, dévoilant ainsi les coulisses, la fabrication et le processus de ce médium. Elle y décryptait aussi les sorties, les rendez-vous spécifiques liés à ce thème tels que les festivals et passait parfois des bandes annonces des films basés d'après ce support.

De la bande dessinée au cinéma[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Bande dessinée et cinéma.

Notes et références[modifier | modifier le code]

Notes[modifier | modifier le code]

  1. Ce nom vient de la série d’articles Neuvième Art, musée de la bande dessinée parue sous la signature de Morris dans le Journal de Spirou entre 1964 et 1967 (la première livraison date du 17 décembre 1964, n° spécial de Noël, no 1392). Cette classification a été reprise et popularisée par Francis Lacassin dans son livre Pour un neuvième art, la bande dessinée. La paternité de l'expression est cependant revendiquée par le critique et historien du cinéma Claude Beylie qui l'a utilisée pour la première fois en mars 1964 dans la revue Lettres et Médecins (article « La bande dessinée est-elle un art ? »). Source : Lettres et Médecins, supplément littéraire de La Vie médicale, numéro daté de mars 1964.
  2. En 1942, une exposition organisée par l'American Institute of Graphic Arts et intitulée La Bande Dessinée, son histoire et sa signification présente les dessins pariétaux de la grotte de Lascaux, qui venait d'être découverte deux ans plus tôt, comme étant aux sources de la bande dessinée[3].
  3. Le philosophe et missionnaire catalan Raymond Lulle fait exécuter, au XIVe siècle des histoires en images juxtaposées mettant en scène ses aventures notamment en terres musulmanes. Les séquences d'images sont dialoguées à l'aide de phylactères (G. Blanchard (1969), p. 28). Dans la tradition catalane, les aucas constituaient des séries d'images, accompagnées de textes rimés racontant une histoire.

Références bibliographiques[modifier | modifier le code]

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  2. p. 7
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  1. a et b Eisner, p. ?.
  1. p. 10-11 et 14-19
  2. p. 14-15
  3. p. 10-11
  4. p. 19.
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Autres références[modifier | modifier le code]

  1. Beaux Arts magazine hors-série : Qu'est-ce que le manga ? Dans le même magazine, le lecteur peut lire qu'« il semble aujourd'hui évident de posséder des BD dans son salon. ».
  2. Aurélia Vertaldi, « Finkielkraut considère la bande dessinée comme un art mineur », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 21 octobre 2015).
  3. W. Fuchs et R. Reitberger (1971)
  4. B. Galimard Flavigny (1981), p. 19.
  5. T. Groensteen (2005), p.4.
  6. M. Alessandrini (1979).
  7. R. Töpffer (1837) préface.
  8. R. Töpffer (1845).
  9. Henri Filippini (1989), p.IX.
  10. Titre original complet : The Upside Downs of Little Lady Lovekins and Old Man Muffaroo.
  11. « Loi du 16 juillet 1949 » (consulté le 16 janvier 2015).
  12. Fred Paltani-Sargologos, Le roman graphique, une bande dessinée prescriptrice de légitimation culturelle, (lire en ligne).
  13. Ratier 2011, p. 1.
  14. a, b et c Philippe Brochen, « Comment la bande dessinée est devenue un poids lourd de l'édition », sur www.liberation.fr, Libération,‎ (consulté le 7 mars 2012).
  15. Ratier 2011, p. 4.
  16. Syndicat nationale de l'édition, « Le livre en chiffres - 2011, données 2010 », sur www.sne.fr, SNE,‎ (consulté le 7 mars 2012).
  17. Ratier 2011, p. 3.
  18. Ratier 2011, p. 21.
  19. Stéphane Jarno, Laurence Le Saux, « Grève des dédicaces : la BD traverse une grave crise », sur telerama.fr,‎ (consulté le 20 janvier 2016).
  20. « Fiche métier dessinateur de BD », sur lesmetiersdudessin.fr (consulté le 18 novembre 2015).
  21. (en) Michael Cavna, « Rare Superman book draws record $3.2 million top bid: The long, ‘cool’ journey of a record-setting comic », sur washingtonpost.com,‎ (consulté le 2 décembre 2014).
  22. Charles-Louis Detournay, « Dédicaces : la colère des auteurs », sur actuabd.com,‎ (consulté le 2 novembre 2015).
  23. Benjamin Chapon, « Festival d'Angoulême: des auteurs yankees en charentaises », sur 20minutes.fr,‎ (consulté le 2 novembre 2015).
  24. Frédéric Potet, « Le marché de la BD, de la niche ignorée aux ventes mondiales », sur lemonde.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  25. a et b Pierre Adrian, « Pourquoi Tintin bat-il tous les records aux enchères ? », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  26. Béatrice De Rochebouet, Olivier Delcroix, « Hergé au pays des très chères enchères », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  27. Aurélia Vertaldi, « Une planche de Tintin retrouvée derrière un meuble », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  28. Olivier Delcroix, « Tintin: trois dessins inédits d'Hergé refont surface », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  29. Par J.R avec AFP, « Tintin : un dessin du Lotus Bleu adjugé pour un million d'euros », sur europe1.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  30. Par F.C avec AFP, « Tintin : une double planche de Hergé adjugée 1,6 million d'euros », sur europe1.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  31. Le Figaro.fr avec AFP, « Une double planche de Hergé adjugée 1,6 million d'euros », sur Lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  32. « Hergé (1907-1983) Tintin, le sceptre d'Ottokar », sur Sotheby's (consulté le 27 octobre 2015).
  33. Frédéric Potet, « Jean-Arnold Schoofs, une vie pleine de bulles », sur lemonde.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  34. a et b Olivier Delcroix, « Tintin au pays des records », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  35. Philippe Guillaume, « Enki Bilal, de la BD à la peinture », sur lemonde.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  36. R.A., « Moebius, alias Giraud, tient la vedette chez Artcurial », sur lemonde.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  37. Chisato Goya, « Le premier « Superman » s'envole à 1,6 million d'euros », sur lexpress.fr,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  38. Louis Mallié, « Record absolu pour la vente aux enchères de comics Superman », sur actualitte.com,‎ (consulté le 27 octobre 2015).
  39. « Bibliothèques & Archives de la Ville » (consulté le 21 octobre 2015).
  40. (en) « Cartoon Museum Basel » (consulté le 21 octobre 2015).
  41. AFP, « Royaume-Uni: un Français va occuper la première chaire consacrée à la BD », sur lexpress.fr,‎ (consulté le 17 décembre 2015).
  42. Fanny Lauzier, « Un cours sur la BD dans une université britannique », sur lefigaro.fr,‎ (consulté le 17 décembre 2015).
  43. Benjamin Chapon, « Les festivals de bande dessinée sont-ils condamnés à être chiants ? », sur 20minutes.fr,‎ (consulté le 20 janvier 2016).
  44. Camille Dicrescenzo, « Les marathoniens de la dédicace au festival de la BD à Amiens (80) », sur francetvinfo.fr,‎ (consulté le 20 janvier 2016).
  45. Elisa Frisullo, « Le record de la plus grande bande dessinée du monde va revenir à Lyon », sur 20minutes.fr,‎ (consulté le 20 janvier 2016).
  46. « Un Liégeois au cœur de l’aventure Solar Impulse », sur lavenir.net,‎ (consulté le 21 octobre 2015).

Publications de l'ACBD[modifier | modifier le code]

  • Gilles Ratier, « 2011 : Publier plus, pour gagner plus ? », Association des Critiques et journalistes de Bande Dessinée, ACBD,‎ (lire en ligne).

Ouvrages[modifier | modifier le code]

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Bibliographie complémentaire[modifier | modifier le code]

Annexes[modifier | modifier le code]

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Articles connexes[modifier | modifier le code]

Liens externes[modifier | modifier le code]