Piero di Cosimo

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Piero di Cosimo
Autoportrait supposé dans Perseo libera Andromeda, 1510-13 (Offices).
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Décès
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Activité
Maître
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Mécène
Œuvres principales

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Piero di Cosimo, Portrait de femme dit de Simonetta Vespucci, musée Condé, Chantilly.

Piero di Cosimo né Pietro di Lorenzo di Chimenti, parfois appelé Piero di Lorenzo (Florence, - ) est un peintre italien de l'école florentine, que Daniel Arasse qualifie de « dernier des grands primitifs italiens »[1].

Biographie[modifier | modifier le code]

Origines et formation[modifier | modifier le code]

Fils de Lorenzo di Pietro d'Antonio, « humble artisan outilleur », il est né en 1462 à Florence via della Scala et est l'ainé de quatre frères, Giovanni, Girolamo et Vanna. Il est documenté en 1480 comme apprenti non rémunéré dans l'atelier du peintre Cosimo Rosselli, dont il adopte le nom sous lequel il est connu[2]. Giorgio Vasari, son principal biographe, écrit : « ... le fit prendre par Cosimo qui l'accepta plus que volontiers. Au milieu de ses nombreux élèves, le voyant croitre en âge et en mérite, Cosimo l'aima comme un fils et le considéra comme tel »[3].

Rome[modifier | modifier le code]

En 1481, Piero di Cosimo accompagne à Rome Cosimo Rosselli pour l'aider à terminer la fresque qu'il avait commencée dans la Chapelle Sixtine[2] : « ... quand le pape Sixte l'appela pour faire une des scènes de la chapelle ; Piero y réussit un superbe paysage... Il était également excellent portraitiste et il fit à Rome, de nombreux portraits de personnages éminents , dont ceux de Verginio Orsino et Ruberto Sanseverino, qu'il introduisit dans des compositions Il fit encore le portrait du duc de Valentinois, fils du pape Alexandre VI ; je ne sais pas ce qu'il est devenu aujourd'hui, mais le carton se trouve chez le révérend Cosimo Bartoli, l'illustre prévôt e Saint-Jean »[3].

Retour à Florence[modifier | modifier le code]

Piero di Cosimo, Conversation sacrée Del Pugliese.

Il revient à Florence en 1483, et en 1488, réalise la Conversation Sacrée Del Pugliese, maintenant au Spedale degli Innocenti.

Le , la famille Capponi paie 6 florins au menuisier Chimenti del Tasso pour la charpente du retable de la chapelle de la basilique florentine de Santo Spirito, le retable de la Visitation aujourd'hui à la National Gallery de Washington .

En 1498, il est documenté comme résidant toujours via della Scala, chef de famille et propriétaire des biens hérités de ses parents, avec des maisons, des vignobles et des oliviers à Carmignano. En 1503, il s'inscrit à la Compagnia di San Luca, la confrérie des artistes, et le 8 mai 1504 à l'Arte dei Medici e Speziali. Le 10 mars 1506, les religieuses du couvent San Cresci à Valcava, dans le Mugello, envoient à Naples une Madone non identifiée qu'il a réalisée.

Alors qu'il travaille à la cour des Médicis, Julien de Médicis lui commande un portrait posthume de sa maîtresse, Simonetta Vespucci, morte de tuberculose en 1476. Il le réalisé entre 1485 et 1490. Il constitue l'un des premiers exemples de portrait allégorique.

Son œuvre explore la peinture religieuse, les portraits et les tableaux mythologiques. Elle est marquée par la peinture flamande, par celle de Pollaiuolo, de Signorelli et de Léonard de Vinci. Il a en commun avec Léonard le goût d'observer les taches des vieilles murailles, la forme des nuages et d'en tirer comme par hallucination provoquée « des inventions merveilleuses ». Comme lui, il peint des paysages panoramiques comme toile de fond de ses sujets. Beaucoup de ses peintures jouent sur un dualisme entre naïveté charmante et érotisme trouble qui apparaît très « moderne ».

Il est alors particulièrement apprécié du clan « anti médicéen » qui se regroupe autour de la famille Del Pugliese, favorable à Savonarole[4].

Histoires de l'Humanité primitive[modifier | modifier le code]

Piero di Cosimo, Le Feu de forêt (détail).
Vénus, Mars et Cupidon, 1505
panneau de cassone.

Au début du XVIe siècle, Piero accentue encore les singularités de son style, s'éloignant du débat artistique dominant. Sa peinture sacrée devient plus sévère et la peinture profane teintée de symbolismes complexes[2].

Environ 1500-1505, il peint trois panneaux pour Francesco Del Pugliese, son principal client, figurant des scènes de la vie primitive des hommes incapables de contrôler et d'utiliser le feu : le premier panneau, la Chasse primitive, représente des figures humaines à moitié nues, des satyres, des centaures et des animaux qui s'affrontent, ignorant le danger représenté par le feu qui flambe en arrière-plan ; dans le second, le Retour de la chasse, il représente les premières formes de vie communautaire et l'utilisation des techniques primitives de construction ; dans le troisième, le Feu de forêt, un homme habillé, conscient de l'incendie, tente de capturer le bétail terrifié.

Les tableaux, ainsi que d'autres perdus, ornaient peut-être la maison florentine du marchand Francesco del Pugliese, deux fois prieur de Florence, anti-médicéen et savonarolien, interdit en 1513 pour avoir publiquement insulté Laurent II de Médicis. Cette conception de la lente évolution de la civilisation à travers le progrès technique et intellectuel, rare et en tout cas hétérodoxe par rapport à la fois aux conceptions classique et chrétienne, se retrouve à la fois dans Lucrèce et dans Vitruve, ce dernier étant mentionné par Boccace dans la Généalogia Deorum. Piero revient sur ces thèmes dans deux panneaux peints pour Giovanni Vespucci, La découverte et Le don du vin aux hommes par Bacchus, et dans deux panneaux de cassoni avec le mythe de Prométhée et d'Épiméthée, montrant sa proximité avec Hésiode, Ovide, Lucrèce et Boccace.

Persée délivrant Andromède[modifier | modifier le code]

Le , il reçoit 58 florins pour des travaux de décoration réalisés à l'occasion de la visite du pape Léon X à Florence le 20 novembre.

Selon Vasari, Philippe Strozzi le Jeune lui commande Persée délivrant Andromède, exécuté vers 1515, qui fait vraisemblablement allusion au retour des Médicis à Florence en 1512[5]. Ce tableau, désormais aux Offices, est mentionné par certains comme son dernier ouvrage, bien que des études plus récentes le datent de 1510 ou 1513.

Vasari affirme que Piero di Cosimo passe les dernières années de sa vie d'une manière sombre. La cause pourrait en être attribuée à l'influence de Jérôme Savonarole dans l'art religieux. Il aurait vécu une vie recluse, survivant à un régime d'œufs durs qu'il aurait cuits par lots de cinquante. À la fin de sa vie, il souffre d'une paralysie partielle et est incapable de travailler[6].

Vasari note 1521 comme date de sa mort. Il est enterré à San Pier Maggiore à Florence. Cette date a été démentie à la suite des recherches de Louis Alexander Waldman. L'année florentine se terminant les 24 mars à l'époque, il serait donc mort de la peste le 12 avril 1522.

Piero di Cosimo, Persée délivrant Andromède.

Maestro della Natività di Catello ?[modifier | modifier le code]

Le Maestro della Natività di Castello a été identifié au jeune Piero di Cosima par l'historienne de l'art Chiara Lachi[7], mais l'identification a peu convaincu[8].

Postérité[modifier | modifier le code]

Parmi ses élèves, on trouve Fra Bartolomeo, Jacopo Pontormo et (selon Vasari) Andrea del Sarto[9]. Giorgio Vasari dans Le Vite décrit aussi les excentricités de l’artiste qui ont inspiré George Eliot pour son roman Romola (1863), ainsi que l’idéal romantique de l’artiste, véritable bohème[10].

Personnalité[modifier | modifier le code]

Piero di Cosimo est un artiste insolite, raffiné et original, qui étonne encore aujourd'hui par son bouillonnement et la liberté étonnante de son imagination créative. Sa contribution au panorama artistique de l'époque en constitue une note dissonante et, précisément pour cette raison, lui confère un grand charme[2].

Des références culturelles hétérogènes peuvent être trouvées dans sa peinture, allant de la clarté des primitifs flamands à la charge expressive de Léonard de Vinci, jusqu'à l'instabilité nerveuse de Filippino Lippi. Cet éclectisme fait de lui un étranger, toujours en équilibre entre des retours nostalgiques sur le passé et des impulsions soudaines de maniérisme. Vasari décrit sa personnalité singulière, la qualifiant d'« ingéniosité abstraite et dissemblable »[2].

Christoph Pudelko a tenté de donner une interprétation au comportement de Piero di Cosimo qui va au-delà du pur bizarre ou, pire, de la « bestialité » que lui attribue Vasari, « homme d'ordre » bien connu.

Dès le XVIe siècle, Vasari campe un personnage ambigu : un salvatico, un sauvage qui fuit les hommes, qui vit à l'écart du bruit, soucieux d'économiser le feu, imaginant des batailles des villes et des paysages dans les dessins laissés par les crachats sur les murs. Pour lui, c'est un « primitif », celui qui ne sait pas s'adapter à la société moderne, l'homme qui mène une vie « plus proche de la bête que de l'humain »[3]. Mais, toujours selon Vasari, c'est aussi l'un des « beaux génies » que la Toscane peut opposer à la Lombardie au début du siècle : maître parfait de la technique à l'huile, il est également spécialiste des chars de parade et de grands retables, œuvres éminemment sociales ; son image, celle de l'« homme sauvage » d'une société raffinée, que reprendront les surréalistes en 1938, est à nuancer fortement[1].

Analyses[modifier | modifier le code]

Piero di Cosimo, Visitation.
Piero di Cosimo, Vierge à l'Enfant avec des anges.

Il n'est pas influencé par son maître, Cosimo Rosselli ; il emprunte d'abord à Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio et Luca Signorelli. Son luminisme délicat et ses valeurs atmosphériques dérivent de Léonard de Vinci, mais il reste un peintre original de par sa grande imagination et ses capacités d'analyse qui le rapprochent des Flamands et lui font refuser l'abstraction des représentations basées sur le dessin, privilégiant, par opposition à Botticelli, le caractère concret de l'image basée sur des valeurs chromatiques, comme le font les Vénitiens.

Fanny Knapp Allen écrit au sujet de la Visitation : « Par l'étude de la peinture hollandaise, il parvient à une finesse de détail qu'aucun autre florentin n'a jamais atteinte. C'est peut-être l'une des peintures les plus caractéristiques de la première période du peintre ... chaque ride, chaque ligne de cheveux sur le visage et les mains des deux saints assis au premier plan, parfaitement caractérisés, ont été exécutés avec un soin et un amour qui émerveillent chez un florentin. Il est merveilleux que le penchant de Piero pour les données sensibles soit si proche de celle du peuple nordique ... Les deux femmes se regardent dans les yeux, comme si elles étaient conscientes du destin qui les attend ... et tandis que Marie, dans un acte de salutation et d'apaisement, pose sa main gauche sur l'épaule de la vieille Elizabeth qui elle lève la main, étonnée que la Mère du Seigneur soit venue vers elle… elles sont très étroitement liées, exprimant un engagement intérieur et un abandon calme à leur destin. Psychologiquement, c'est la plus belle Visitation jamais peinte à Florence. ».

Dans la Vierge à l'Enfant avec des anges, à la fondation vénitienne Giorgio Cini, datée d'environ 1507, « il vise à une focalisation claire de l'image figurative, en l'obtenant par la lumière et le clair-obscur, c'est-à-dire en rationalisant dans le style florentin les idées qui ... apparaissent dans le Triptyque Portinari d'Hugo van der Goes ... Piero sait réaliser ... cet effet d'images de plein air que son lyrisme authentique anime d'une saveur rurale et climatique, où la lumière plus ou moins intense et cristalline, les prairies, les rochers et les arbres - tantôt nus, tantôt humides, tantôt très verts - font immédiatement pénétrer dans une atmosphère qui, de temps en temps, est le printemps, l'automne, le froid ... l'ambiance, presque élégiaque, en fin d'après-midi, est celle qui surgit de l'effet de la lumière du déclin imminent par lequel l'Ange musicien est pleinement investi et par lequel les autres figures sont progressivement élucidées ... » (Federico Zeri).

« Comment concilier l'exactitude signifiante des plus petits objets ... avec la perspective qui assimile tout, ...? ... il s'agit de trouver une voie médiane, qui assouplit la rigueur de la perspective et permet de faire varier la focalisation des objets, mais en même temps de donner à la présence des objets une certaine cohérence spatiale. Le portrait de Simonetta Vespucci et celui de Giuliano di Sangallo représentent bien les données extrêmes du problème ... Le deuxième problème, celui de l'antiquité, est plus complexe, et Piero le résout de manière originale en renonçant à l'autorité, mais pas au charme de l'ancien. Avec une intuition qui, dans les mêmes années, fait également son chemin dans la culture vénitienne, il ne recherche plus la philosophie ou l'histoire, mais la poésie de l'antiquité. Ainsi, presque en contraste avec le classicisme historique qui s'affirme à Rome, les élégies mythographiques, principalement inspirées d'Ovide, apparaissent ... Mais au-delà du corps mourant, du faune contrit, de la silhouette noire du chien triste, le paysage disparaît dans des transparences d'eau et des vapeurs venues du ciel. L'antiquité n'est plus la grande leçon historico-naturaliste, qui enseigne à vivre en pleine conscience de soi et du monde : c'est la nostalgie d'un mythe dissous et d'un temps perdu, un sentiment de mort. » (Argan).

Avec son ton élégiaque, le traitement par Piero des bêtes hybrides (satyres) dans la Mort de Procris est bien loin des représentations décidément plus défavorables qui avaient été réservées à ces créatures par la tradition picturale de la Renaissance italienne. La représentation compatissante d'un satyre par Piero trouve plutôt des parallèles frappants au nord des Alpes, dans les peintures et les exemples graphiques de grands maîtres allemands tels qu'Albrecht Dürer. Le satyre agenouillé est la compassion incarnée, totalement humaine dans la profondeur et la sincérité de sa douleur malgré son apparence, moitié homme et moitié bête ; il écarte doucement la mèche de cheveux du front de la nymphe et lui touche l'épaule comme pour la réveiller. La forme du tableau et la disposition des personnages font référence à celles de Vénus, Mars et Cupidon à la Gemäldegalerie de Berlin, que Vasari a conservée dans sa collection. Cependant, le tableau londonien manque du lien solide présent dans celui de Berlin avec la tradition de Lucrèce ou de Marsile Ficin : celui de Londres échappe à l'identification avec une référence textuelle spécifique. L'histoire est liée à la mort de Procris, racontée dans les Métamorphoses d'Ovide, dans un conte tragique et moralisant dans lequel la nymphe est tuée par erreur par son époux Céphale, prince d'Athènes, à qui elle avait donné une lance magique pour la chasse avec laquelle il n'avait jamais manqué sa cible. Dans le tableau de Piero, la lance est absente et le chien brun avec la tête penchée en signe de deuil ne devrait pas être là, car Lelapo, un chien que Procris avait donné à son mari, avait été pétrifié dans un épisode précédent, également raconté par Ovide. De plus, dans le conte d'Ovide, ce n'est pas un satyre qui découvre la nymphe, mais c'est Céphale lui-même. Un satyre a un rôle important dans une pièce de 1468 de Niccolò da Correggio qui traite d'un thème similaire, mais il n'est pas un personnage compatissant, mais intrusif. Donc, dans ce cas, Piero n'illustre pas un mythe ancien spécifique ou une variante contemporaine connue de celui-ci, mais il libère son imagination pour réinterpréter une histoire à la lumière de ses fantasmes séculiers habituels, la transformant en une invention très personnelle[11].

Piero di Cosimo, Mort de Procris, National Gallery de Londres.
Piero di Cosimo, Scène de chasse primitive, détail avec des animaux, 1494-1500 ca..

Depuis les travaux de Panofsky en 1937[12], on sait que ses panneaux les plus « primitifs » (Scènes de chasse, Paysage aux animaux) s'appuient sur une tradition très précise de l'évolution humaine, sur Lucrèce, Pline, Vitruve... L'image est fantastique parce que Piero di Cosimo, loin d'idéaliser la vie primitive, l'actualise : il cherche à la rendre vraisemblable en s'appuyant sur les théories les plus scientifique de son temps. Mais ce faisant, il présente comme actuels des hommes qui ne sont, après tout, que des salvatici, des sauvages, se dégageant lentement de l'humanité brute. L'ambivalence de ces images est certaine. La culture la plus moderne est mise au service d'un art qui présente l'image la plus vraisemblable de l'homme « archaïque » : comme si, de l'un à l'autre, la distance était moins grande que le raffinement social ne donnerait à penser. L'œuvre de Piero di Cosimo est une vaste interrogation sur les apparences ; non pas celles de la nature dont il est un observateur « à la flamande », mais des apparences sociales et cultivées[1].

Œuvres[modifier | modifier le code]

Années d'apprentissage 1480-1490[modifier | modifier le code]

  • Portrait de Simonetta Vespucci, huile sur bois, 57 × 42 cm, v. 1480, Chantilly, musée Condé
  • Vierge à l'Enfant, avec les saints Jean-Baptiste et Thomas, 1480, huile sur toile, 202 × 165 cm, Borgo San Lorenzo, Florence, chiesa del Crocifisso
  • Saint Jean-Baptiste jeune, 1480, tempera sur bois, 28 × 23 cm, New York, MET
  • Vierge à l'Enfant avec saint Lazare et saint Sébastien, v. 1480, tempera sur bois, 165 × 123 cm, Montevottolini, Pistoia, pieve dei SS. Michele e Lorenzo
  • Retable de la Sainte Conversation, commandée par Francesco del Pugliese, v. 1481–85, tempera et huile sur bois, Saint-Louis, Missouri[13]
    • Vierge à l'Enfant avec les saints Pierre, Jean-Baptiste, Nicolas et Dominique, 168,3 × 112,1 cm
    • prédelle en trois scènes, tempera sur bois, 23,5 × 38,5 cm :
      • Bruciamento dei libri degli Albigesi
      • San Giovannino e Gesù Bambino
      • San Nicola abbatte gli idoli
  • Double portrait de Giuliano da Sangallo et de Francesco Giamberti, 1482-1485, huile sur toile, 47,5 × 33,5 cm, Rijksmuseum, Amsterdam

Années 1490-1500[modifier | modifier le code]

Maturité. Années 1500-1510[modifier | modifier le code]

Dix dernières années 1510-1520[modifier | modifier le code]

Non datées[modifier | modifier le code]

  • Vierge à l'Enfant avec anges, sainte Catherine d'Alexandrie, Rosa da Viterbo, saint Pierre et saint jean l'Évangéliste, huile sur bois, 203 × 197 cm, Florence, Galleria dello Spedale degli Innocenti
  • Sainte Famille et anges, tondo, huile sur bois, diam. 165 cm, Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister
  • Vierge à l'Enfant, avec saint Jean Baptiste et anges huile sur bois, tondo, diam. 85 cm, Fine Art Gallery, San Diego, Californie
  • Volto Santo di Lucca, huile sur bois, 160 × 120,5 cm, Budapest, Szépművészeti Múzeum
  • Pietà avec saint Jean, Marie-Madeleine et saint Martin, huile sur bois, 190 × 112 cm, Pérouse, Galerie nationale de l'Ombrie
  • Due angeli con corona e turiboli, huile sur bois, 69 × 182 cm, Édimbourg, National Gallery of Scotland
  • Deux anges, huile sur toile, 67 × 87 cm, Boston, Church of the Advent

Fresques[modifier | modifier le code]

Dans la Chapelle Sixtine :

  • Moïse et les tables de la Loi
  • Sermon sur la montagne
  • Paysage, fragment de la Predica di Cristo e guarigione del lebbroso

Notes et références[modifier | modifier le code]

  1. ↑ a b et c Arasse, p. 318-319.
  2. ↑ a b c d et e Zuffi, p. 134.
  3. ↑ a b et c Vasari.
  4. ↑ Arasse, p. 319.
  5. ↑ Mina Gregori, Le Musée des Offices et le Palais Pitti : La Peinture à Florence, Editions Place des Victoires, (ISBN 2-84459-006-3), p. 112
  6. ↑ Site du Rijksmuseum
  7. ↑ (it) Chiara Lachi, Il Maestro della Natività di Castello, Florence, edifir, , 200 p. (ISBN 978-88-7970-027-6)
  8. ↑ (it) Andrea De Marchi et Cristina Gnoni Mavarelli, Da Donatello a Lippi, Milano, Skira, (ISBN 978-88-572-2039-0) donne plutôt Piero di Lorenzo di Pratese di Bartolo Zuccheri (en) comme possible candidat.
  9. ↑ Stendhal dira à ce propos que Pierre de Cosimo est un « barbouilleur dont le nom a survécu, parce qu'il est le maître d'André del Sarto. ». (Stendhal, Histoire de la Peinture en Italie, Paris, Le Divan, 1929, [lire en ligne], t. 1, p. 186)
  10. ↑ Musée des beaux-arts du Canada
  11. ↑ Piero di Cosimo, pittore eccentrico fra Rinascimento e maniera; pp. 276-278; Dennis Geronimus
  12. ↑ Panofsky 2021.
  13. ↑ City Art Museum, Saint-Louis
  14. ↑ Wadsworth Atheneum
  15. ↑ Selon Panofsky 2021, le sujet de ce tableau est la chute de Vulcain sur l'île de Lemnos et non, comme il était accepté précédemment, le mythe d'Hylas.
  16. ↑ Vierge à l'Enfant endormi
  17. ↑ Worcester Art Museum
  18. ↑ Visitation, Washington
  19. ↑ Vente Sotheby's New York 2010
  20. ↑ Madone, Mexico
  21. ↑ Musée San Carlos, Mexico
  22. ↑ Madone, Edimburg
  23. ↑ Madone, Strasbourg
  24. ↑ Fogg Art Museum
  25. ↑ Adoration avec anges musiciiens, Ermitage
  26. ↑ Musée Thyssen, Madrid
  27. ↑ Incarnation de Jésus, Offices
  28. ↑ Venus, Mars et Amour, Berlin
  29. ↑ Palazzo Martelli, Florence
  30. ↑ Ringling Museum
  31. ↑ Philbrook Museum of Art
  32. ↑ Giovanna Nepi Sciré, La Peinture dans les musées de Venise, Editions Place des Victoires, (ISBN 978-2-8099-0019-4), p. 130
  33. ↑ Ste Famille, Ermitage
  34. ↑ Madone, Yale University
  35. ↑ Deux anges, Boston

Annexes[modifier | modifier le code]

Bibliographie[modifier | modifier le code]

  • Daniel Arasse, L'Homme en perspective - Les primitifs d'Italie, Paris, Hazan, , 336 p. (ISBN 978-2-7541-0272-8).
  • Daniel Arasse, Le Sujet dans le tableau. Essais d'iconographie analytique, Flammarion, 1997, chapitre 3 : « Piero di Cosimo, l'excentrique »
  • (it) Giulio Carlo Argan, Storia dell'arte italiana, Florence, 1968.
  • (it) Mina Bacci, Piero di Cosimo, Milan, Bramante, 1966.
  • (it) Mina Bacci, L'opera completa di Piero di Cosimo, Milan, Rizzoli, 1976.
  • (en) James H. Beck, « The origins of Piero di Cosimo », Source, vol. IV, n° 4, été 1985, p. 9-14.
  • (it) Laura Cavazzini, « Un documento ritrovato e qualche osservazione sul percorso di Piero di Cosimo », Prospettiva , n° 87-88 (juil.-oct. 1997), p. 125-132.
  • (en) Sharon Fermor, Piero di Cosimo : fiction, invention and fantasia, London : Reaktion books, 1993.
  • (it) Anna Forlani Tempesti et Elena Capretti, Piero Di Cosimo, Paris : Éd. du Félin, 1996.
  • (en) Dennis Geronimus, « The birth date, early life, and career of Piero di Cosimo », Art bulletin, vol. 82, n° 1, mars 2000, p. 164-170.
  • (en) Dennis Geronimus, Piero di Cosimo : visions beautiful and strange, New Haven : Yale University Press, 2006.
  • (de) Hugo Haberfeld, Piero di Cosimo, Breslau : R. Galle's Buchdruckerei, 1900.
  • Alain Jouffroy, Piero di Cosimo : ou la forêt sacrilège, Paris : R. Laffont, 1982.
  • (de) Fritz Knapp, Piero di Cosimo : sein Leben und seine Werke, Halle A.S. : W. Knapp, 1898.
  • Erwin Panofsky (trad. Claude Herbette et Bernard Teyssèdre), chap. 2 « Les origines de l'histoire humaine : deux cycles de tableaux par Piero di Cosimo », dans Essais d'iconologie, Gallimard,
  • G. Pudelko, Piero di Cosimo, peintre bizarre, in «Minotaure», 1938.
  • (it) Luisa Secchi Tarugi, Le bizzarrie pittoriche di Piero di Cosimo, Disarmonia bruttezza e bizzarria nel Rinascimento : atti del VII convegno internazionale, (Chianciano-Pienza, 17-20 luglio 1995), Florence, F. Cesati, 1998.
  • (it) Maurizia Tazartes, Piero di Cosimo : ingegno astratto e difforme, Florence, Mauro Pagliai, 2010.
  • (it) Giorgio Vasari, Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, Florence, Giunti, 1568, p. 20.
  • Giorgio Vasari (trad. de l'italien), « Piero di Cosimo », dans Les Vies des meilleurs peintres, sculpteurs et architectes, t. V, Arles, Actes sud, (ISBN 978-2-7427-5359-8), p. 84 (lire sur Wikisource dans la traduction de Léopold Leclanché, 1841).
  • (en) Louis Alexander Waldman, Fact, fiction, hearsay : notes on Vasari's life of Piero di Cosimo, Art bulletin, vol. 82, n° 1 mars 2000, p. 171-179.
  • (en) Catherine Whistler et David Bomford, The Forest fire by Piero di Cosimo, Oxford : Ashmolean Museum, 1999.
  • (it) Federico Zeri, Rivedendo Piero di Cosimo, in « Paragone », 1959.
  • (it) Erwin Panofsky, Studi di iconologia, Turin, 1975.
  • (it) Silvia Malaguzzi, Piero di Cosimo, Art e Dossier n. 262, Giunti Editore, Florence - Milan, 2010.
  • Stefano Zuffi (trad. de l'italien), Le Portrait, Paris, Gallimard, , 304 p. (ISBN 2-07-011700-6), p.239.
  • Dans la lumière de Vermeer, Paris, Musée de l'Orangerie, 24 septembre - 28 novembre 1966 (Sainte Marie-Madeleine, Rome, Galleria Nazionale d'Arte Antica), 1966.

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