Utilisateur:Vatekor/Goya/3
es:La caza del jabalí[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
249 × 173 cm |
| Localisation |
la chasse au sanglier est le premier de la tapisserie conçue par Francisco de Goya. Peint en 1775, appartient à la première série de cartes, lié à la présidence du prince et la princesse des Asturies, Carlos de Borbon et Maria Luisa de Parme, dans El Escorial.
La série complète comprend les sujets et ne chasse pas le sanglier chasse exception. Dans le cas du tissu plus grande de la série, a dû déterminer le reste du thème de la série.
Il a été présenté par Francisco Bayeu Vandergroten Cornelius, avec quatre autres conseils, autorisé le 24 mai 1775. Bayeu supervise le travail de son frère Goya, et il aide son frère Ramón Bayeu.
L'impersonnalité de ces conseils, dispense pas du traditionalisme pictural en vigueur, il est difficile Goya sans attribution de documents fournis par le Royal usine.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La caza del jabalí » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cazador cargando su escopeta[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
289 × 90 cm |
| Localisation |
Hunter charger son fusil de chasse est une peinture de Francisco de Goya, peintes dans la première moitié de 1775 et rendu le 25 mai de cette année.
Conçu pour accrocher dans la salle à manger des princes des Asturies, son format allongé est un reflet de son sort. Découvert dans le sous-sol du Palais Royal de Madrid par Gregorio Villaamil croisade, est allé au Prado en 1870, sur l'écran dans la chambre 90, avec le numéro de catalogue 5539.
Analyse[modifier | modifier le code]
La pièce montre un chasseur de charger son fusil de chasse, tandis qu'un chien se trouve à ses pieds et au loin, derrière le chasseur de tête, d'autres pairs. Comme dans toutes les œuvres de la première série, Goya montre ici une vraie connaissance de la nature et sait comment intégrer le personnage masculin entre la végétation enroulement. Les silhouettes des arbres s'allongent, de sorte que la verticale correspond au format de l'œuvre.
Évalué à un peu plus de 1.500 réel, comme les scènes de chasse Chasse partie, la partie la plus célèbre de la série ont été les favoris des princes. Encore une fois empreinte Mengs Bayeu et apprécié. Esthétique et hommes poseront ans écho plus tard dans deux cartons que Kite et de mariage.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cazador cargando su escopeta » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El cazador con sus perros[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
262 × 71 cm |
| Localisation |
Le chasseur avec ses chiens est une toile de la première série de dessins animés pour les tapisseries de Francisco de Goya, de la salle à manger des Princes des Asturies dans le monastère de l'Escorial.
Livré le 25 mai 1775 à la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara, a été maintenu jusqu'en 1869 dans le sous-sol du Palais Royal de Madrid. C'est alors que Gregory croisade Villaamil les découvre et envoie le Museo del Prado. Restez dans cette collection, en gardant le numéro de catalogue 805 et 90 sur l'affichage dans la salle.
Son format court indique qui a été pendu comme un ornement sur une fenêtre, un balcon, un linteau ou même un coin.
Analyse[modifier | modifier le code]
Un chasseur avec un fusil se retourne et ramasse la courroie de ses deux chiens. Le cadre boisé est approprié pour la chasse, un passe-temps favori de prince Charles.
L'homme regarde bien intégré avec la nature et avec le chien, qui semble favoriser la tâche de chasse. L'arbre sinueux permet composition verticale, contrairement à la structure pyramidale d'autres photos de la série que les chiens et les outils de chasse.
Là encore, il montre l'influence de Bayeu, spécifiquement détail délicat et naturaliste. Le paysage, irréel et à peine visible au loin, est considéré comme une simple toile de fond. Les couleurs et les lumières sont pas sans rappeler le baroque italien, dont les chefs-d'œuvre avait vu les Aragonais dans leur voyage vers la péninsule italienne en 1771.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El cazador con sus perros » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cazador junto a una fuente[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Localisation |
Le chasseur d'une fontaine est une photo de Francisco de Goya conservée dans le Museo del Prado.
Analyse de l'image[modifier | modifier le code]
Est une série de dessins animés que Goya peint pour les tapisseries qui iraient à la salle à manger du prince Palais du Pardo à Madrid. Il faisait partie d'un ensemble constitué de "La Fleur ou au printemps", "La chute de neige ou hiver", "L'ère ou l'été", "La récolte ou à l'automne". Ce dernier a été placé dans le centre de la paroi et ses côtés "pasteur joue de la flûte» et «Hunter par une fontaine" ont été suspendus.
La composition est triangulaire, comme dans les autres tables. Là encore, l'éclairage est important, il transmet au spectateur la paix de la lumière du soir d'automne, qui dans ce cas se traduit sur la figure complète du chasseur. Dans ce cas, il n'y a pas de caractères pour accompagner la scène principale.
En 1984 et 1987, le croquis de cette image avec un autre 6 dans la collection du musée est situé. C'était la coutume des artistes qui font des croquis préparatoires pour de futures peintures. Ces croquis, Goya les a appelés "borroncillos" et dit d'eux [...] qui a également un certain dépenses hazen....
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cazador junto a una fuente » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El ciego de la guitarra[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
211 × 311 cm |
| Localisation |
La guitare aveugle est un carton de tapisserie appartenant à la deuxième série, exécutée par Francisco Goya pour antedormitorio des Princes des Asturies dans le palais Pardo. Exposée dans le Museo del Prado
Dans la partie inférieure de la composition de fruits sont vendus et la structure pyramidale est soulignée. Il est l'un des chef de file que les plus pertinents pour le travail de Tiepolo.[1]
Analyse[modifier | modifier le code]
Le chanteur aveugle domine la scène, dirigé les messages dramatiques et horribles villes. Goya dépeint ici la fascination et le groupe d'intérêt démontre que les aveugles. Selon Goya, l'élégant gentleman de ce carton était un étranger. Le peintre a également inclus des caractères inhabituels, comme la figure noire populaire qui incarne le waterboy. Avec d'autres, ils apparaissent fréquemment: à gauche entre un pêcheur et d'autres personnalités un Melonera vendant ses produits.
La guitare aveugle était l'un des dessins animés entreprise plus difficile, comme Goya doit modifier plusieurs fois pour répondre aux exigences des tisserands, était trop grande abondance et extrême des chiffres.
La composition centrale pourrait faire allusion à la prostitution, où deux majas gaiement vêtues de flirter avec un homme. Au premier plan, les enfants semblent se rappeler Hogarth et la peinture anglaise.
La couleur et la lumière attire plus l'attention sur les personnages, des tons terreux rappelle d'un jeune Diego Velázquez. Sur la droite est une coloration vive qui donne une grande joie. La lumière frappe en particulier les femmes et les hommes, se constructeurs de maisons reflets métalliques dans l'eau chargée noir. Ses coups de pinceau de Goya évoqué ici est un demi-siècle plus tard, dans La Laitière de Bordeaux et le portrait de Juan Bautista Muguiro.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El ciego de la guitarra » (voir la liste des auteurs).
- Glendinning, p. 36.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La cita[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
100 × 151 cm |
| Localisation |
Le rendez-vous est le nom que la critique a un carton pour tapisseries, de Francisco de Goya. Celle-ci était destinée à la chambre du prince des Asturies au palais du Pardo, et fait partie de la quatrième série que l'artiste avait réalisée pour la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara.
Comme le reste de la série, on y note le style français. La technique est rapide, sommaire, la touche du pinceau est forte et modifie la préparation de la toile en rouge, mais sans la cacher.[1]
Analyse[modifier | modifier le code]
Une femme est assise au premier plan, portant un foulard et reposant sa tête sur sa main. d'autres majos plus loin, lui proposent une scène galante, mais elle semble désabusée avec son mouchoir dans la main. Le format long indique que la tapisserie était destinée à un linteau.
Goya reçut 1000 réaux pour chaque peinture. Le tableau peut faire référence à la mélancolie, par l'expression de la jeune femme et des couleurs sombres. Cette technique applique une couleur vive qui rappelle Velázquez. La perspective était une technique sûre de Goya à l'époque, en particulier pour les tableaux destinés aux corniches.
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La cita » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 19.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El columpio (1787)[modifier | modifier le code]
.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
169 × 100 cm |
| Localisation |
la Balançoire est une toile Francisco de Goya, réalisée pour la Quinta del Capricho des ducs d'Osuna en 1787. La série est connue sous le nom de « tableaux pour la promenade des ducs d'Osuna».
Analyse[modifier | modifier le code]
Comme le reste de la série, la toile prend pour motif une scène populaire. Le reste de la série était composée de l'Assaut de la diligence, La Chute, Le mât de cocagne et de la Procession du village.
Dans la Balançoire, thème que Goya avait abordé plusieurs années avant (La Balançoire (Goya), un groupe s'amuse au son de la guitare, jouant et chantant à l'extérieur. L'environnement clair et flou crée une atmosphère accueillante. La gamme de couleurs est lumineuse et le panorama rappelle ses cartons pour tapisserie. Mais ici, la touche est plus rapide et vigoureuse, mais le peintre ne n'entrer pas dans les détails.
Patrimoine[modifier | modifier le code]
La toile a été déclaré d'intérêt culturel par le ministère de la Culture le 24 Juillet 1987.[1][2]
Vol[modifier | modifier le code]
Le 8 Août 2001, le tableau fut volé, ainsi que d'autres peintures et bijoux, la maison Madrilène d'Esther Koplowitz. La femme d'affaires espagnole en avait usufruit de la vie après son divorce de Alberto Alcocer, son propriétaire.[3] La peinture a été récupéré en Juin 2002 dans la capitale espagnole. A cette époque, les experts l'estimaient à une valeur de 2000 millions de pesetas (12 millions d'euros, environ).[4]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El columpio (1787) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El columpio (Goya)[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
260 × 165 cm |
| Localisation |
Swing est le titre d'un carton de tapisserie conçue par Francisco de Goya pour la chambre à coucher du prince des Asturies dans le Palais du Pardo. Est conservé dans le Museo del Prado.
La question est l'huile qui est récurrent dans l' histoire de l'art, en particulier dans la peinture française-avec Boucher et Fragonard, exposants rococo. Avec des connotations érotiques évidentes alors, vous pouvez sentir que Goya a rejeté l'affaire, depuis une scène paisible et familier apparaît. Il est le premier d'une série de treize tapisseries mis en oeuvre dans la troisième série de Goya.[1]
Analyse[modifier | modifier le code]
La scène se déroule dans la campagne, où trois filles se balançant joyeusement pendant que les enfants qui leur sont confiés s'amuser. A noter la présence de robes flottantes dans les mineurs, symbole indubitable de l'appartenance à l'aristocratie. Pendant que les enfants s'amusent, balancer un de l'autre et la servante tenant la petite fille. Au fond, un flotteur en avec des taches floues et trois bergers avec leurs troupeaux complètent la scène est visible.
Les enfants sont plus l'éclairage, en se concentrant crépuscule sur eux et leurs robes. Goya amplifie l'effet, semblable à une tache, appliquer un trait rapide qui des années plus tard être la genèse des peintures noires. Les plus grandes influences viennent de boîte Rembrandt et Velázquez, - «enseignants» que Goya reconnue[2] au peintre admiré. L'atmosphère est, en tout cas, au calme et à totale.
Femme marchant empêche l'enfant n'est pas habillé comme une femme de ménage, mais comme une courtisane. Peut-être qu'il est un riche aristocrate qui s'habille comme maja, en accord avec l'esprit du temps.
Avec son orthographe particulière, Aragon décrit la photo comme "une famille à QE un champ dibertirsen, quatre enfants et trois serviteurs les uns se balance sur une corde."
Certains auteurs[3] ont voulu voir dans Balancez une allégorie des trois âges de la vie à travers les enfants (enfants), les femmes (jeunes) et les bergers dans la distance (la vieillesse).
Il peut également être un message mixte, représentant une date entre les infirmières et les pasteurs. Il s'ensuit à travers les yeux des hommes et des femmes de retour.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El columpio (Goya) » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 18.
- Cirlot, p. 53.
- Triado Tur, p. 20.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La cometa[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
269 × 285 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
Le cerf-volant est une toile du peintre Francisco de Goya y Lucientes, conservés dans les Museo del Prado série cartons pour tapisseries.
Analyse de l'image[modifier | modifier le code]
Cette peinture appartient à une série de dessins animés que Goya a fait en 1778 pour décorer la salle à manger des Princes dans le Palais du Pardo dans Madrid. Cette série a également appartenu les tableaux intitulés Lecteurs cartes et enfants gonfler une vessie.
Dans cette série de dessins animés, comme les saisons, Goya reflète le monde et les coutumes du peuple de Madrid. Dans ce cas, il s'agit d'un jeu très populaire qui a servi comme une distraction pour les belles personnes de son temps, le cerf-volant s'envole, dans la boîte est vraiment sans importance. Les plus importants sont les types que Goya C'est avec grand naturalisme et la réalité. La couleur est très intense et contribue à mettre en évidence les détails des costumes des personnages. Ces costumes et ces personnages sont connus aujourd'hui comme Goya.
Cette deuxième tranche de l'cartons Goya fait la 26th Janvier de 1778. Il est connu que ce cartoon intitulé "The Comet" a demandé au peintre le montant réel de 7,000 polaire, qui était le même montant qui avait été obtenu par d'autres commandes pour les rideaux de la vraie usine de Santa Barbara.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La cometa » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Consagración de San Luis Gonzaga como patrono de la juventud[modifier | modifier le code]
La Consécration de Saint Louis Gonzague comme patron de la jeunesse (vers 1763) est une huile sur toile 127 x 88 cm attribuées à Francisco de Goya laissé en dépôt au musée de Saragosse par la ville de Jaraba (Saragosse).
Le tableau résulte d'une commande pour l'église des Jésuites de Santa María del Pilar de Calatayud, aujourd'hui San Juan el Real. Après l'expulsion des jésuites de l'Espagne en 1767, le tableau serait allé au sanctuaire de la Vierge de Jaraba où il fut retrouvé en 1985.
La peinture représente la consécration de Louis de Gonzague comme patron de la jeunesse, et fait l'éloge de l'ordre des Jésuites. La toile figure le pape Benoît XIII, qui enseigne aux jeunes italiens à prendre le saint italien comme exemple, tel que l'indiquent les mots latins du phylactère qui sort de la bouche souverain du pontife: « Inspice, FAC ET secundum EXEMPLAR » «Regardez, et suivre son exemple». Au fond des historiens se souviennent de la translation de ses restes à l'église de Saint Ignace où ils sont enterrés. Ci-dessus, désigné par le doigt du pape, San Luis apparaît dans la gloire avec des robes jésuites, avait des anges et portant un bouquet de lys qui font allusion à la pureté. Au fond d'un support, puis recouvert de blanc, se lit: S. ALOYSIUS GONZA. JA SS. P. Benoît BONUS Exempla. Toute l'image est divisée en plans supérieur et inférieur représentant le divin et l'humain.
Probablement influencé par l'enseignement de Joseph Luzán, et en ligne avec l'école rococo italien, il est une oeuvre de jeunesse de Francisco de Goya, que l'on voit dans le manque de compétences en dessin certains chiffres, la soins de l'AVC et la conception baroque du lien entre les questions. Les caractères dans le bas de la toile présentent également des postures étranges et encombrants. Malgré cela, le tableau annonce la puissance expressive du maître aragonais, par l'utilisation d'une touche légère et une liberté exceptionnelle dans le traitement de la couleur.
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Consagración de San Luis Gonzaga como patrono de la juventud » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
- Goya en Jaraba, Ayuntamiento de Jaraba, 2010. Versión en pdf. [Consultado el 15.7.2011]
- «Ficha de La consagración de San Luis Gonzaga como patrono de la juventud» Fundación Goya en Aragón, realizada el 29 de diciembre de 2009. [Consultado el 15.7.2011]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cristo crucificado (Goya)[modifier | modifier le code]
.jpg)
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
255 × 154 cm |
| Localisation |
Le Christ crucifié (1780) est une huile sur toile de Francisco de Goya présentées sur son revenu comme un universitaire à l' Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, le 5 Juillet 1780. Une partie de la collection permanente du Museo del Prado.
Analyse[modifier | modifier le code]
C'est un style de Christ néoclassique, même si elle est enracinée dans l'iconographie traditionnelle espagnole et connexes Velazquez Christ et de Anton Raphael Mengs, mais sans le paysage de fond de ce dernier remplacé par un noir neutre, comme dans le motif de maître sévillan. Avec un fond noir et quatre clous, et envoyé les canons du baroque espagnol crucifié avec quatre clous sur pieds supedáneo et un signe sur la croix contenant l'inscription REX Iesus Nazarenus IUDEORUM en trois langues, comme demandé par le modèle iconographique en Espagne de Francisco Pacheco - Goya souligne facteurs de dévotion (drame, présence de sang, etc.) pour mettre en évidence la modélisation douce, parce que leur destin était de plaire universitaire régi par le néo-classicisme de Mengs.
Le chef, a travaillé avec coups de pinceau et dynamique, est incliné sur sa gauche et éleva comme son regard vers les hauteurs reflète dramatique, semble même être un geste d'extase pour refléter l'instant Jésus lève la tête et la bouche ouverte, semble les mots «Mon Dieu, mon Dieu, pourquoi m'as-tu abandonné?" se prononce[1], mais la sérénité de l'ensemble évite le sentiment pathétique.
Ce travail propose chercheurs estiment l'un des motifs les plus difficiles et les classiques était possible de faire fonctionner: un spectacle nu où le domaine de l'anatomie, justifiée par sa présence dans une peinture religieuse, le Christ en agonie, en conformité avec la tradition espagnole. Il Goya avec la technique habile résout la difficulté à modéliser sfumato doux, et l'incidence de la lumière (qui semble venir de la poitrine artificiellement crucifié) et sa transition vers les zones sombres, décisions cache le contour du dessin. Transparents, les émaux et les gradations sont traités délicatement gris perle et bleu-vert doux, et des touches de blanc lumineux pour améliorer les éclairs de lumière.
Lignes forment la composition classique doux S loin des effets violents de la musique baroque. La jambe droite en avant, qui vient du Christ-Mengs, la hanche et clin d'œil légèrement asymétrique fournir le travail des énoncés exigeants canons classiques dynamiques pour prévenir la raideur. Peut-être beaucoup de respect pour les goûts académiques ont fait ce travail, très apprécié par ses contemporains, n'était pas trop représentatif des goûts de l'examen du XXe siècle, qui a préféré voir dans Goya peu ou pas romantique pieux et ne paie pas beaucoup attention à la peinture religieuse et académique. Toutefois, la valeur totale Goya postmodernisme dans toutes ses facettes, et considère qu'il s'agit d'un travail dans lequel Goya vise toujours à atteindre les honneurs professionnels et de prestige, et cet objectif est plus que rencontre le Christ crucifié.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cristo crucificado (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Représentation du Christ en croix]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cristo en el Huerto de los Olivos[modifier | modifier le code]
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
47 × 35 cm |
| Localisation |
Le Christ au jardin des Oliviers est une photo de Francisco de Goya. Uniformément avec La Dernière Communion de Saint Joseph de Calasanz, les deux œuvres réalisées pour Ecoles Pies de l'alma mater »d'Aragon. Il préserve, et a des mesures de 47 x 35 cm.
Analyse[modifier | modifier le code]
Goya étudier dans une école religieuse de jeunes, probablement que c'est là qu'il a rencontré son grand ami Martin Zapater. Retour à Madrid, il a été chargé de son ancienne école pour peindre ce travail. Dans ce document, la lumière tombe sur la mort de Jésus de Nazareth, qui vivent des moments d'angoisse avant sa Passion, symbolisée par l'image de la coupe que l'ange offre. Évoque beaucoup le sens anti-absolutiste de Goya, préfigurant les peintures noires.
Contrairement à d'autres représentations de ce sujet, l'ange semble rayons hostiles et légers qui imitent Transverbération Santa Teresa par le Bernin, sont d'aucune consolation, mais plutôt un poids.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cristo en el Huerto de los Olivos » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Représentation de Jésus-Christ dans la peinture]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cuadros para la alameda de los duques de Osuna[modifier | modifier le code]
La série de photos pour le Mall of the ducs d'Osuna comprend sept tableaux peints par Francisco de Goya entre 1786 et 1787. Le cinquième des ducs-mécènes et amis du peintre était connu comme El Capricho, et était à la périphérie de Madrid.
L'ensemble des travaux est étroitement liée à la tapisserie, en particulier dans les couleurs utilisées et le lumineux-paysage, dont la série cinquième Goya achevée peu avant de s'attaquer à ce projet. D'ici là, les Aragonais était un artiste de renom dans la cour et avait déjà établi une bonne réputation parmi les habitants les milieux riches.
Les travaux passés entre les mains de la marquise de Collection Montellano, qui protège également d'autres œuvres de Goya, où ils sont jusqu'à aujourd'hui.
À ne pas confondre avec d'autres peintures de l'artiste, également pour les ducs d'Osuna, dans les années nonante photos. Bien aussi décoré le pavillon des ducs, les critiques ont convenu de nommer cette série comme "le rêve de la raison" en raison de brujeriles sujets présentés.
Histoire[modifier | modifier le code]
La comtesse de Benavente et de la duchesse d'Osuna, María Josefa Pimentel et son mari, le duc Pedro Téllez Girón-Alcantara et Pacheco, les mariages étaient l'un des cercles les plus cultivés et éclairés actifs à Madrid. Ils permettent de se déplacer Goya, qui comptait parmi ses amis comme illustré Leandro Fernández de Moratinos et Juan Meléndez Valdés.
Quand vous parlez avec le peintre, les Ducs ont été impressionnés par la facilité avec laquelle il a fait la tête, et après verrouillage étroite amitié, leurs patrons à présent invités à entreprendre une série de tableaux pour décorer son cinquième. Les Aragonais ont accepté et a commencé l'exécution de travaux pour le centre commercial Osuna après avoir terminé son cinquième série de dessins animés.
Le 22 Avril de 1787 peintures de la maison de Goya, crédité comme "John Goya" dans le projet de loi, jusqu'à ce que le cinquième de Osuna déplacé.[1] Le peintre a vu 22.000 réelle pour les travaux et un portrait, perdu, des fils de ducs. Un tel Joaquín Gómez a été commandé Goya à payer pour son travail.[2]
Analyse[modifier | modifier le code]
The Dukes a commandé des peintures de Goya avec des thèmes similaires qui Aragon avait essayé sur les coupons qu'ils ont donné la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara. Cependant, ce nombre a de sérieuses différences esthétiques avec des cartons. Les chiffres sont plus petits, ce qui accentue le caractère théâtral et rococo paysage. Goya pouvez tester votre connaissance ici de la Sublime Terrible, il ya des années courant défini par Mengs.[3]
Mais surtout, il est la violence dans ces tableaux, différentes radicalement de l'atmosphère inoffensif qui imprègne le plomb. Le meilleur exemple de cela est la chute, où une femme souffre de ses blessures après une chute d'un arbre. Dans Assault diligence est un homme blessé par un coup de feu alors un groupe de voleurs agressé les passagers de la voiture.
Tableau Mener une pierre la journée de travail d'un groupe d'humbles travailleurs est détaillé. La préoccupation pour les classes inférieures est l'une des principales caractéristiques du pré-romantisme, dont les idéaux Goya avait assimilé par contact avec illustrée comme Jovellanos. Le premier tableau fait référence à cette facette du peintre est ivre maçon.
Tout au long de la série prévaloir sujets rurales, calme et accueillant, comme des cartons. La gamme de couleurs est douce et agréable, bien que Goya dit Glendinning-croire devrait être laissé à peindre des scènes de réglage de loisirs pour les résidences situées à la périphérie des grandes villes.[4]
La banque de: le même scénario Goya a soulevé dans ses œuvres pour la Manufacture Royale présente Manzanares et autour. Mais le fait que la violence éclate dans certaines scènes de cette série met les deux équipes à des pôles opposés.
Le mât de cocagne est solidement liée avec des œuvres de Goya comme un cerf-volant et certains néo-classicisme français. Pendant ce temps, l'assaut de diligence évoque la lutte pour la vente Nouveau depuis deux introduisent une note de violence au milieu d'un paysage agréable. Il était le deuxième tableau le plus cher de la série (réelle 3000), même si elle est plus petite que la conduite d'un village de pierre et Procession (2500 réel).[5]
Pour capturer dans son travailleurs des peintures à faible niveau social, Goya souligne leurs vices, peut-être destinée à être la cause de sa position inférieure dans la société moderne.[6]
Cet élitisme apparaît de nouveau dans la boîte de village de procession montrant une coutume enracinée dans peuples populaires espagnoles, mais avait été négligée par les Lumières. Carlos III interdit d 'en 1777, mais la mesure a eu peu d'effet dans les zones rurales. Goya est ici avec peu d'égard pour le maire et la plupart de la riche province, qui semble physiquement déformé.[7]
Le critique anglais reconnu dans la neige et Blessés Mason, et son esquisse, lesquels ivre Mason - entrepris à l'époque, les précédents les plus directs de ces toiles. Pour la première fois, l'artiste entre dans sa carte, qui jusque-là étaient joyeux et festif compositions-une note allusive aux «dangers», ce qui suggère que le peintre ne croit pas dans la pittoresque actuel et veulent séparer les coutumes imposées cartons.[8]
Balançoire a son parallèle dans un carton de tapisserie fait une décennie plus tôt. Mais ici, comme tout au long de la série, est plus vigoureux coup de pinceau et ne pas plonger dans les détails, contrairement aux tapisseries.
Le mât de cocagne et villages Procession représentant des scènes de l'Espagne rurale, à la fois profondément enracinées dans l'iconographie du dix-huitième siècle. Dans village procession, brouillé coups de pinceau pour apprécier la plupart des, si commune dans le crépuscule des fêtes espagnoles siècle.
Assaut de la voiture est la composition la plus complexe qui Goya a commencé à El Capricho.[9] En effet, il produit des vols avec violence par la disposition des personnages est atténué, la composition et le chromatisme. Les teintes de contraste de paysage avec la gravité du vol, qui va dans le fond en plaçant le cadavre Goya dans le coin inférieur gauche. Il est clair que les attaquants sont ceux dans la plus grande partie de la scène. Malgré cela, les deux tiers de la toile sont consacrés à décrire le paysage de Cloudscape limpide et d'une végétation luxuriante, dédié capture plus le troisième moment du vol.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cuadros para la alameda de los duques de Osuna » (voir la liste des auteurs).
- Tomlinson, p. 199.
- Tomlinson, p. 200.
- Glendinning, p. 44.
- Glendininng, p. 72.
- Tomlinson, p. 203.
- Tomlinson, p. 204.
- Tomlinson, p. 205.
- Glendinning, p. 73.
- Triado Tur, p. 35.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Cuadros para la alameda de los duques de Osuna (desambiguación)[modifier | modifier le code]
Pour les carreaux de centre commercial de ducs d'Osuna deux séries de tableaux sont considérés entrepris par Francisco de Goya : *Le menée entre 1786 et 1787.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Cuadros para la alameda de los duques de Osuna (desambiguación) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La cucaña[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
169 × 88 cm |
| Localisation |
Le mât de cocagne est une toile Francisco de Goya, qui s'est tenue pour la cinquième El Capricho de l' ducs d'Osuna en 1787. Une partie de la série connue sous le nom commercial de tuiles des ducs d'Osuna. Goya a eu un contact étroit avec les ducs depuis 1785.
Analyse[modifier | modifier le code]
Comme toute la série, est ancré dans le salon populaire duc de thème. Parmi les séries incluent des images que l'assaut de voiture, chute, swing et village Procession.
Sur cucaña une question de thème populaire et pays ancré dans l'iconographie du XVIIIe siècle représenté. Goya lui-même employé dans ses cartons de tapisseries. Les garçons, ici, grimper et se battent entre eux pour atteindre le sommet de la poste, où les discussions sont placés et les poulets, par voie de récompense. Au milieu le flou est possible de distinguer un paysage fermes, et une foule tourbillonnant autour du coin. Goya ici démontre leur capacité à interpréter ces questions.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La cucaña » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, niño[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date |
Hacia 1787 |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
110 × 80 cm |
| Localisation |
Nueva York (Estados Unidos) |
Don Manuel Osorio Manrique de Zuniga, enfant est une image de Francisco de Goya conservée dans le Metropolitan Museum of Art à New York (Etats-Unis). Il s'agit d'un portrait peinture à l'huile mesure 110 cm de haut par 80 cm de large.
La gardienne est le plus jeune fils d'Isabel Vicente Osorio de Moscoso, comte d'Altamira et directeur du Banco de San Carlos, l'institution prédécesseur de l'actuelle Banque d'Espagne. Il a embauché Goya, puis portraitiste à la cour de Charles III, de faire des portraits de toute la famille, ce qui est son fils le plus connu Manuel.
Goya le dépeint comme une marionnette plutôt que d'un enfant. Il est rigide, immobile. Le geste est grave, expression impénétrable. Il porte des vêtements riches, la mode du moment: un costume de couleur rouge vif avec une ceinture d'or. La lumière est dans la partie supérieure de la boîte.
Dans la partie inférieure, différant enfant, il existe un certain nombre d'animaux, contenant chacune symbolique propre. Ainsi, il est une pie, un enfant attrape une corde, et que le pic est un rôle, il peut lire le nom et la date de naissance sur le modèle, cet animal est le symbole de la curieuse. Toutefois, dans le christianisme les oiseaux symbolisent l'âme, établissant ainsi l'innocence des deux oiseau et l'enfant. On voit également trois chats, qui se nourrissent de la pie, et serait le monde de l'instinct. Goya considéré chats comme animaux de compagnie diabolique, comme on le voit dans Los Caprichos. malice contraste avec l'innocence de l'enfant. D'autres oiseaux sont gardés dans une cage sur le côté droit de la peinture, symbolisant l'enfermement.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Don Manuel Osorio Manrique de Zúñiga, niño » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Metropolitan Museum of Art]] [[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]