Utilisateur:Vatekor/Goya/6
es:La lechera de Burdeos[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date |
1827 |
| Technique |
óleo |
| Dimensions (H × L) |
74 × 68 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
La Laitière de Bordeaux, est un style de boîte néoclassique faite par le peintre Francisco de Goya en 1827, pendant son exil à Bordeaux, France, un an avant sa mort.
La Laitière de Bordeaux, a été peinte dans le cadre du début de néoclassicisme, marquant les dernières œuvres de Goya, les tendances libérales. Le voyage de Goya à la France pourrait être due à la restauration de la monarchie absolutiste espagnol Fernando VII en 1823 après la soi-disant période triennale libéral. L'œuvre est peinte dans des tons doux lumineux, et le peintre a pris un modèle de type laitier français du dix-neuvième siècle. Le indépendant de toute règle picturale existant à ce jour, a fait une boîte Goya est considéré comme le père de romantisme.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La lechera de Burdeos » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Portrait]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La romería de San Isidro[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Óleo sobre muro trasladado a lienzo |
| Dimensions (H × L) |
140 × 438 cm |
| Localisation |
Le festival de San Isidro est l'une des peintures noires qui faisaient partie de la décoration des murs de la maison, appelé Quinta del Sordo - que Francisco de Goya a acquis en 1819. Ce travail probablement occupé la paroi droite de la chaussée comme entrée.[1]
La peinture, avec le reste des peintures noires, a été transféré de plâtre à la toile, de 1874, par Salvador Martinez Cubells, commandée par le baron Emile d'Erlanger,[2] un banquier français, d'origine allemande, il avait l'intention de les vendre dans le Exposition universelle de Paris en 1878. Cependant, le travail n'a pas attiré les acheteurs et il a fait don en 1881, le Museo del Prado, où il a exposé.
Avant le transfert à la toile, J. Laurent photographié cette fresque en 1874 à Quinta de Goya, dans un mur de la salle en bas. Le verre négatif original, le format 27 x 36 pouces, est conservé dans l' photographiques Archives Vernacci Ruiz à Madrid. Ensuite, la peinture a été complètement entouré fonds d'écran, probablement faites dans le milieu du XIXe siècle, après la mort de Goya.
Analyse[modifier | modifier le code]
Ce travail montre une vision du pèlerinage à la chapelle de San Isidro de Madrid totalement opposée qui reflète plus de vingt ans avant Goya lui-même dans la prairie de San Isidro. Si elle a ensuite reflète une location coutumes des habitants de Madrid et de fournir une vue assez précise de la ville, maintenant la scène montre un groupe de personnages dans la nuit, apparemment ivre et chantant avec le visage déformé.
Également dans ce jeu de caractères différents domaines sociaux apparaissent. D'abord, un groupe de l'origine sociale humble apparaît, plus loin, cependant, sont meilleurs chapeaux et coiffes religieuse.
Le thème de la procession a été utilisé pour mettre en évidence les aspects dramatiques ou satiriques dans ce sens, l'image a des parallèles avec l'enterrement de la sardine, peintes entre 1812 et 1819, peu de temps avant de courir dans les murs de leur cinquième peintures noires.
Récurrente dans le fichier Goya une foule dans la distance, qui est peu à peu perdu dans le lointain. Déjà présent dans a dit Pradera de San Isidro et plus tard, vous prennent habituellement place dans la série de photos des Désastres de la guerre. En définitive, cette boîte silhouette élévations rocheuses et la foule juste parader coïncident, de sorte que l'espace ouvert sur le reste de la masse solide et compacte, déshumaniser les individus dans un rapport de groupe, à une exception près : à droite, un personnage que l'on ne voit que le buste semble gémir ou peut-être chanter. L'énigme de toute la série de ces peintures, pas de prélude est donc confirmé la mimesis de l'art contemporain.
Comme avec toutes les peintures noires, la gamme de couleurs est réduite à l'ocre, terre, gris et noir. L'image est un exposant des fonctionnalités que le XXe siècle a vu en tant que précurseurs de l'expressionnisme peinture.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La romería de San Isidro » (voir la liste des auteurs).
- vues virtuelles de l'emplacement d'origine. [1], [2]
- Cf. Bozal (2005), vol. 2, p. 247:
Salvador Martinez Cubells (1842 - 1914), le restaurateur du Prado et académique de l'Académie royale des Beaux-Arts de San Fernando, transférés à la peinture sur toile personnalisée à l'époque, 1873, était le propriétaire de la cinquième, Baron Frédéric Emile d'Erlanger (1832-1911). Martinez Cubells ne ce travail assisté par son frères Henry et François (...)
Bozal, Francisco Goya, la vie et le travail, (2 vol.) Madrid, Tf. Publishers, 2005, vol. 2, p. 247, (ISBN 84-96209-39-3).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Scène de genre]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La Sagrada Familia (Goya)[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date |
1775 |
| Technique |
óleo |
| Localisation |
La Sagrada Familia est une peinture de style rococo par le peintre aragonais Francisco de Goya pour la décoration de la Basilique del Pilar, qui était alors sur le point d'être achevé. Il a été acquis pour le Museo del Prado en 1877, par ordre du roi Alfonso XII, qui a payé au moment où un prix de 2 000 pesetas pour les héritiers de Manuel Chavez, dont Goya vendu après avoir été rejetée pour décorer la basilique del Pilar.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La Sagrada Familia (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Représentation de Jésus-Christ dans la peinture]] [[Catégorie:Représentation de la Nativité]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La Tirana (Goya)[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
206 × 130 cm |
| Localisation |
La Tirana est une peinture à l'huile de Francisco de Goya, peintes en 1799. représenté une actrice de théâtre célèbre, connu pour ses rôles de méchants.
Analyse[modifier | modifier le code]
La femme peinte est l'actrice Maria del Rosario Fernandez, dont le mari a également été surnommé "The Tyrant". La boîte de dialogue apparaît avec un regard hautain et arrogant, avec des tenues délicates. Souligne en particulier la beauté du trousseau inférieure.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La Tirana (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La Tirana (Goya, 1794)[modifier | modifier le code]
La Tirana est une peinture à l'huile de Francisco de Goya, peintes en 1794. Représente une célèbre actrice de théâtre et de «première dame du théâtre de la Cour», le célèbre dramaturge Leandro Fernández Moratinos.
Analyse[modifier | modifier le code]
La femme peinte est l'actrice Maria del Rosario Fernandez, dont le mari a également été surnommé "The Tyrant". C'est le portrait de La Tirana que Goya a fait le deuxième (La Tirana) 1799 est dans la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La Tirana (Goya, 1794) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La última comunión de San José de Calasanz[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
250 × 180 cm |
| Localisation |
La Dernière Communion de Saint Joseph de Calasanz est une huile sur toile de Francisco de Goya peinte en 1819 pour l'écoles Pieuse de l'église du collège San Antonio abée de Madrid. Cette dernière est reliée à l'autel de l'église Saint-Antoine par l'une de ses chapelles latérales.
Lorsqu'il remis la toile Goya rendit 6000 des huit mille réaux qu'il avait reçues comme ares pour Le Christ au jardin des Oliviers. Il accompagna son geste d'une note expliquant qu'il le faisait pour son « compatriote » Joseph Calasanz. Ce dernier était le fondateur de l'école où Goya reçut ses premières leçons.
Le tableau montre Joseph Calasanz entrain de communier à quatre-vingt-un ans dans l'église Saint-Pantaléon à Rome. Le saint, au visage moribond, reçoit l’Ostie à genoux sur un coussin rouge, éclairé par un rayon de lumière divine qui imprègne le sombre tableau d'une tension pieuse et mystique.
Analyse[modifier | modifier le code]
Le fond est noir et la palette très sombre (les seules des zones chaudes sont des tons rouges et jaunes et chair). Ils contrastent avec l'habit blanc du prêtre et rappellent les Peintures noires dont les premières datent de cette époque.
Les deux tableaux peints pour Escolapios reprennent la peinture religieuse espagnole de l'âge d'or ; José Camon Aznar en fait même le chant du cygne de la peinture religieuse occidentale[1], constatant les changements radicaux de la sociétés entre la maison de Hasbourg et les premières années du XIXe siècle, notamment après le tournant radical de la Révolution française.
Le travail montre une réelle ferveur, mais la transcendance religieuse que l'art avait n'était plus possible. C'est l'humain qui donne maintenant le sens de l'iconographie religieuse : l'agonie de l'ancien fondateur, l'attitude pieuse des personnages qui l'entourent, le recueillement, l’éminence de la mort.
Une ébauche du tableau est conservée au Musée Bonnat de Bayonne. C'est un croquis très libre et fougueux du projet, une esquisse dans les ocres et des nuances de noirs et de gris, très emblématique de la palette du peintre à cette époque.
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La última comunión de San José de Calasanz » (voir la liste des auteurs).
- José Camon Aznar, ABC, publié par Calasanz Archives, San Pedro, Montes de Oca, Costa Rica.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Peinture religieuse]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Las lavanderas[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
218 × 116 cm |
| Localisation |
Bécasseaux est un carton de tapisserie de Francisco de Goya. Il a été conçu entre 1779 et 1780 pour antedormitorio princes des Asturies dans le Palacio del Pardo, spécialement conçu pour orner le mur nord. Il faisait partie de la tapisserie d'Aragon, la plupart du temps conservé dans le Museo del Prado.
Plus que jamais, la troisième série suggère l'influence française. Le vocabulaire des blanchisseuses et les femmes balançoire pourrait venir de modèles gaulois. Ici se révèle une fois de plus le talent de Goya pour améliorer le paysage et créer un modèle de beauté picturale. Présente l'un des plus beaux paysages de l'ensemble.[1]
Le statut inférieur des lavandières espagnols causé un décret royal de 1790, leur interdisant de cibler les passants et les paisibles citoyens.
Cette boîte a un contenu sexuel évident, stéréotypée par les cornes avec des connotations phalliques. Une femme caressant les cornes de l'animal. Ce geste sera répété dans le tableau serait placé en face de la corrida.
Il est possible que les femmes geste est inspiré par un autre travail de Goya, la même série de cartes, dans ce cas appelé le casse-croûte sur les rives du Manzanares.[2]
Plus tard Goya répété thème de rondelles dans certains de ses carnets de croquis, et peut même défendre ses scènes célèbres Caprices.
Analyse[modifier | modifier le code]
Certains bécasseaux repos après avoir travaillé sur les rives du Manzanares. L'un d'eux, couché dans le giron de la femme dans le centre est la victime d'une plaisanterie que ses collègues ont l'intention de faire pour lui faire peur avec un agneau. Derrière, dans le fond, il ya deux autres en plein travail.
Sans doute est-ce l'un des paysages les plus naturaliste et belle de l'ensemble. Il est situé dans une zone proche de Madrid, le témoin Manzanares et les montagnes de Guadarrama en arrière-plan. Goya rappelle les nuances du jeune Diego Velázquez, dont le travail a été d'étudier les Aragonais dans les palais royaux.
Goya lui-même, dans son rapport à la Fabrique Royale de Tapisserie de Santa Barbara, décrit le travail comme "une pause de la rive â Labanderas un Dormida Rio reposait sur les genoux de l'autre à la qe azer interdiction est SOOTHE avec q un agneau. la caresse à côté de dellas deux ".
Les changements du ciel décrites ton et l'intensité, montrant à la fois un soleil mourant parmi les teintes splendides.[3] Les femmes sont belles et vivace, dont les visages sont rincé la quintessence de la féminité qui avait tellement intéressé par le rococo.
Il a fallu moins de sept mois, en raison de la fermeture inattendue de la Manufacture Royale. Cela ne signifie pas que l'artiste se révèle ici comme une coloriste consommé, utilise des couleurs vives et des tons et la lumière joyeuse, rappelant une scène du coucher du soleil. Les manutention et de couleur des taches lâches permettent l'étude comme l'un des éléments les plus réussis de ce tableau de Goya.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Las lavanderas » (voir la liste des auteurs).
- Mena, p. 18.
- Tomlinson, p. 54.
- Rapelli, p. 25.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Los leñadores[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
141 × 114 cm |
| Localisation |
Bûcherons est une image de Francisco de Goya produit pour la Manufacture Royale de Santa Barbara. Dans le cadre de la série de cartons de tapisseries, la quatrième d'Aragon, était destiné à la chambre du prince des Asturies au Palais Pardo. Depuis 1870 semble inscrit dans le catalogue de musée du Prado.[1]
Analyse[modifier | modifier le code]
Son destin était de servir sobreventana, d'où l'extension allongée. Certains bûcherons avec des haches à la main, à part un arbre qui est tombé.
C'est une image composite spirale à travers les trois personnages, dont les chiffres d'encourager une scène de genre au quotidien réaliste.
Peut-être Goya était influencé par Zacarias Gonzalez Velazquez à peindre cette toile. C'est une scène sombre, dont la seule source de lumière est la combinaison orange de la protagoniste. Velázquez Goya loin de la situation dans le modèle atmosphérique. Le frottée est lâche, comme dans toute la série. Les perspectives restent bas, comme va bientôt devenir sobreventana.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Los leñadores » (voir la liste des auteurs).
- boîte de puce sur la galerie en ligne du Musée du Prado. Récupérée 28 Décembre 2012.
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La letra con sangre entra[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
19.7 × 38.7 cm |
| Localisation |
La tige, corrompre ou de la scène de l'école a été peint par Francisco de Goya entre 1780 et 1785 et est conservé dans le musée de Saragosse (Espagne).
Image Description[modifier | modifier le code]
Dans ce travail, Goya fait une critique du système éducatif de son temps, montrant une petite école où l'enseignant est assis sur la gauche avec un chien à ses pieds comme il punit un élève fesses apparentes et enclins à prendre la punition. Droite deux autres étudiants qui viennent de recevoir la punition tandis que d'autres se penchent sur leurs tâches sont distingués.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La letra con sangre entra » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
- «Zaragoza exhibe La letra con sangre entra, una crítica de Goya a la educación de su época», www.soitu.es (EFE), 16 de mayo de 2008.
- Fundación de Aragón: Escena de escuela o La letra con sangre entra, Francisco de Goya
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Luis, rey de Etruria[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
72.5 × 59.4 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
Luis de Borbón, Prince de Parme et roi d'Étrurie est une photo de Francisco de Goya, peintes en 1800, comme une esquisse pour la famille de Charles IV. Il provient des collections royales et était situé dans le Palais Royal de Madrid en 1814. Il a rejoint le musée avant 1857, lorsqu'il est cité pour la première fois dans le catalogue officiel de l'institution.
Histoire[modifier | modifier le code]
Ce dessin est l'un des dix études peintes par Goya naturel dans le Palais d'Aranjuez, à l'été 1800. Par le désir de la reine Marie-Louise de Parme, le peintre décrit séparément pour chaque membre de la famille royale, qui a empêché tous ensemble devrait s'asseoir pour les sessions longues et fastidieuses.
Tous les croquis sont principalement caractéristiques amorces rouges du visage et construits en une seule bague, comme la masse principale. A la fin, les avions et les proportions fois définis, les nuances de couleur ont été ajoutés.
Le portrait est roi Louis d'Etrurie (1773 - 1.803), fils de Ferdinand Ier de Parme et Maria Amelia de Habsbourg-Lorraine. Il était duc de Parme et le roi de l'Etrurie. Il a épousé l'infante Maria Luisa de Bourbon, fille de Charles IV et Marie-Louise de Parme. De leur descendu la Chambre actuelle de Bourbon-Parme.
Il est l'un des plus intéressants de Goya qui a fait de la famille de Charles IV portraits. Le peintre saisit, le roi d'Étrurie, un caractère dynamique, expressive et apparemment plein de vie. Cependant, il est mort un peu plus de deux ans après la toile a été peinte.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Luis, rey de Etruria » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El majo de la guitarra[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
137 × 112 cm |
| Localisation |
La guitare de majo est un carton de tapisserie, peint par Francisco Goya pour antedormitorio des Princes des Asturies dans le palais Pardo.
Leur taille indique utiliser comme sobreventana. Goya a présenté les travaux en Janvier 1780, à recevoir 1 000 reais pour le travail. Il a donné cette peinture avec d'autres œuvres de la série suivante, comme les bécasseaux et les bûcherons.
Analyse[modifier | modifier le code]
Cette image, pleine de Goya invention, référence est l'une des séries les plus importantes de gravures de l'artiste connu sous le nom Les caprices.
Enregistrer grandes similitudes avec bûcherons et peut avoir été un couple, quoique appartenant à des séries différentes. La majo est le centre de la peinture, qui utilise le schéma triangulaire Mengs. Le projecteur tombe sur la guitare de troubadour qui se distingue parmi tous les personnages. Goya est utilisé ici un coup de pinceau détaillant lâche reflète superbement une scène de la société espagnole du XVIIIe siècle. Par rapport au roman par Ramón Bayeu, frère de Goya, le travail de la dernière perdu malgré l'effet atmosphérique de la toile.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El majo de la guitarra » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La marica en un árbol[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique | |
| Dimensions (H × L) |
279 × 28 cm |
| Localisation |
Musée du Prado, Madrid (Espagne) |
Le fagot dans un arbre est une peinture à l'huile par Francisco de Goya pour la vraie usine de Santa Barbara, destiné à décorer la salle à manger du prince des Asturies au Palais Pardo.
Une partie de la cinquième série de dessins animés pour les tapisseries faites par les Aragonais. Il a été découvert en 1870 et a déménagé à la Museo del Prado. Son long format indique qui a été utilisé comme sobreventana ou coin. Extrêmement proche de l'arbre enfant et oiseau Boy, des photos de la série précédente.
Analyse[modifier | modifier le code]
Il peut avoir été inspiré par une célèbre paravent chinois dans le siècle de Goya. Chez ces animaux exotiques sur les arbres, remplacées par le peintre pour plusieurs animaux de la faune de l'Espagne, y compris une pie représenté.
Goya met les animaux au premier plan, pour réaliser une impression de profondeur qui complète le. Le naturalisme est évident dans le travail, en particulier dans le vol des oiseaux et de la pie superbement équilibré.
Le peintre met les animaux à des niveaux successifs pour obtenir un effet de profondeur qui complète, le format haut et étroit tandis que le naturalisme vie exprime le vol des oiseaux et l'équilibre de la pie dans la branche d'arbre.
Il était peut-être un complément Carton The Age, représentant de l'été, la saison d'été, où plus d'oiseaux se développent.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La marica en un árbol » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El médico (Goya)[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
95.80 × 120.20 cm |
| Localisation |
National Gallery of Scotland, Edimburgo (Modèle:SCT) |
Le médecin est une peinture à l'huile de la tapisserie, conçu par Francisco de Goya pour la chambre à coucher du prince des Asturies dans le palais Pardo.
La peinture, comme beaucoup de son auteur prévoit l'impressionnisme, comme Goya se soucie montrant lumières saisons. Ceci définit la scène dans le crépuscule d'une journée d'hiver, éclairant les chiffres avec la lumière d'un feu de camp. Il a des échos de Bassano et du Tintoret.
La couche de médecin remplit le rôle de l'image dès attire l'œil du spectateur. Deux étudiants apparaissent dans le fond, mais le brasier de bronze qui donne la lumière à l'image. Goya s'applique ici diverses techniques apprises de l'époque baroque, en particulier dans la couche de colorant rouge, livres, et le cou.
Contexte[modifier | modifier le code]
Analyse[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El médico (Goya) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:La merienda a orillas del Manzanares[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
271 × 295 cm |
| Localisation |
Le pique-nique sur les rives du Manzanares ou une collation est une photo de Francisco de Goya qui ouvre la deuxième série de cartons de tapisseries conçues pour la salle à manger de palais Pardo. Il est inspiré par une farce éponyme de Ramon de la Cruz.
Il est entré au Prado en 1870, lorsque la Gregorio croisade Villaamil découvert et décrit par d'autres travaux. Il est dans la collection permanente de la galerie, mantieniendo le numéro de catalogue 785 et l'exposition de la chambre 85.
Analyse[modifier | modifier le code]
Représente une scène populaire sur les rives de la rivière Manzanares à Madrid. Dans le fond, caché par les arbustes, on observe Ermita de la Virgen del Puerto. Vie a encore des traits fins caractéristiques de la jeune Goya. Le flirt entre majos Naranjera et des frontières sur les questions que la princesse Marie-Louise de Parme voulait pour le plomb. La deuxième série de tapisseries de Goya a thème rustique et se compose d'un peu plus de dix cartons.
Goya a reçu un peu plus de 7.000 reais pour ce travail, il a été demandé au premier jour du mois et livré le 30 Octobre 1776. Parmi ces thèmes populaires sont également imprégné son compatriote série, danse sur les rives du Manzanares et la lutte dans la nouvelle vente. Goya est influencé à l'époque par son frère Francisco Bayeu et Agustín Esteve. La noblesse, en particulier Maria Luisa, les gens veulent regarder et demander des cartes qui représentent des scènes typiques de la vie populaire à Madrid.
Aureliano de Beruete et Moret ont souligné les figures réalistes et l'approche de Goya à des objets que des costumes et des bouteilles. Il a également manifesté son intérêt pour l'expression et la joie de majos. Vivid, majos sont remplis de joie et d'abandonner. La couleur semble parfois s'éloigner, et Goya brouille certains éléments d'arrière-plan pour renforcer l'effet.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « La merienda a orillas del Manzanares » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Merienda campestre[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
41.3 × 25.8 cm |
| Localisation |
Snack pays est le titre d'un tableau de Francisco de Goya, conçu pour la chambre des princesses dans le Palais Pardo. Une partie de la sixième série de cartons de tapisseries.
Il est conservé dans la National Gallery de Londres, situé dans Trafalgar Square dans la capitale.
Analyse[modifier | modifier le code]
Il faisait partie de la sixième série de Goya, près de San Isidro La Prairie, chat harcelés et les larves. Seul le dernier de ces cartons ont été suspendus, depuis la mort inattendue de Carlos III stoppé le projet.
L'image reflète une partie du pèlerinage, j'enfile la série entière. Jeune habillé joyeusement ont terminé leur collation et l'un d'eux a été ivres, tandis qu'un autre a essayé de flirter tenant un verre. Les chiffres de Goya sont expressifs, et en dépit d'être un coup de pinceau esquisse est rapide.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Merienda campestre » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:National Gallery]] [[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El militar y la señora[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
259 × 100 cm |
| Localisation |
L'armée et la dame est un carton de tapisserie de Francisco de Goya peint pour antedormitorio des Princes des Asturies dans le Palais du Pardo.
Le grand format étroit de la série pourrait bien indiquer qui a fonctionné comme linteau, meneau ou a été placé dans un endroit étroit.
Analyse[modifier | modifier le code]
Tableau d'une dame regarde son partenaire, appuyé contre un mur. Derrière un militaire et un troisième personnage apparaît énigmatique. Un couple dans le fond compléter la scène.
Le flirt entre les sexes avait été montré dans la guitare aveugle, mais montré ici à Goya petimetra et la cour, car il était alors amoureux. Étroitement liée à la acerolera.
Le complexe architectural est prévu de renforcer le volume des chiffres et le spectateur à élargir votre point de vue dans la distance. Les s'installe lumière sur les personnages principaux et coups de pinceau rapides sont caractéristiques du rococo. Les couleurs vives et la joie qui suit, il sera l'un des éléments les plus frappants de l'ensemble.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El militar y la señora » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Las mozas del cántaro[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
262 × 160 cm |
| Localisation |
Les filles de la cruche est une toile Francisco de Goya, qui a peint pour la quatrième et dernière série de tapisserie, composé de douze cartons et lié au bureau du roi Carlos IV dans El Escorial.
Appartient depuis 1870 au Musée du Prado, des collections royales trouvés dans le sous-sol du Palais Royal de Madrid par Gregorio Villaamil croisade.[1]
Les filles sur le premier coup d'oeil avec un sourire enjôleur au spectateur tout en maintenant une cruche sur la tête, symbole indubitable de la vertu des femmes.[2]
Analyse[modifier | modifier le code]
Trois femmes, deux jeunes et d'âge moyen, remplissent leurs pots dans un bol. diagramme d'équilibre montrant répète garçons échasses, maintenant dans la personne des filles tenant des cruches de prouesses femelle. Les objets sont peints avec des coups rapides, comme la femme chuchoter quelque chose à l'oreille de l'un des jeunes, une allusion à l'habitude pilons de thème et de jumelage dans Goya à leurs dernières productions. Les spécialistes sont également des références dans le domaine de la femelle plus mâle, qui répètent les Aragonais dans leur carton Le mauviette.
L'architecture, l'étourdissement, ajouter le symbolisme de la table. En plus de l'interprétation traditionnelle comme une allégorie de la prostitution comme intention était Goya Cacharrero - peut faire allusion aux trois âges de l'homme (dans ce cas les femmes), et d'oscillation.
L'enfant au premier plan, qui ne figurait pas dans l'esquisse, en prise directe avec d'autres œuvres du peintre que les enfants gonfler une vessie ou Les gigantillas.[3]
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Las mozas del cántaro » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:Las mozas del cántaro (boceto)[modifier | modifier le code]
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| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
34 × 21 cm |
| Localisation |
Les filles de la cruche est un dessin préparatoire pour le carton intitulé peau, tous deux conçus par Francisco de Goya pour sa septième et dernière série de tapisserie, pour le bureau du roi Carlos IV dans El Escorial.
A la mort de Josefa Bayeu femme Goya en 1812, un inventaire des peintures appartenant maître Fuendetodos a été réalisée. Le Crock filles répertorié comme "X13", bien que ce nombre semble aussi appartient à Le porteur d'eau et le taille-crayon
Analyse[modifier | modifier le code]
Trois filles sont dans une fontaine que deux pots tiennent sur la tête et les mains. L'eau stagnante troisième dans votre récipient. La principale différence avec le conseil, c'est qu'il est un élément crucial et difficile, un enfant entre les jeunes, qui portent des costumes colorés et des pilons typiques bijoux apparaît.
Goya éliminé ici pilier pyramide remplaçant balle, la réduction de la verticalité de la composition. Les personnages respirent la sympathie et campechanismo, plein de joie et de simplicité.
Au loin, un fonds de la ville qui se profile, floue sans volume particulier. Le ciel est clair et lumineux, tandis que le merveilleux mur de l'usine Goya conjecture audace de représenter des espaces.
Théorie possible est qu'il s'agit d'une allusion au thème de la marieuse qui encourage la jeune fille à la prostitution et de la chasteté indication d'être sur le point de se briser. Cependant, la série entière est imprégnée de symbolisme difficile à comprendre parce que l'environnement ne permet pas de développer clairement - mariage et le barboteur -. Janis Tomlinson est le principal auteur soutient que cette théorie. D'autres auteurs considèrent que cette pièce comme une allégorie des quatre âges de l'homme.
Vous pouvez être inspiré par une œuvre par le Français Michel-Ange Houasse artiste dans la cour du roi Philippe V. Houasse produit, entre autres œuvres de genre, une condition appelée Femmes à la fontaine (patrimoine national). Bien qu'il n'y ait pas beaucoup de similitude entre les deux tableaux, ressemblance esthétique est indéniable.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « Las mozas del cántaro (boceto) » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]
es:El muchacho del pájaro[modifier | modifier le code]
| Artiste | |
|---|---|
| Date | |
| Technique |
Huile sur toile |
| Dimensions (H × L) |
262 × 40 cm |
| Localisation |
Oiseau Boy est le titre d'un sobreventana qui a conçu Francisco de Goya pour antedormitorio des Princes des Asturies dans le palais Pardo. Il fait partie de la quatrième série de cartons de tapisseries.
Conservée dans le Museo del Prado, et son partenaire, avec les mêmes dimensions est l'enfant de l'arbre. Toutefois, sa petite taille a fait n'a pas été étudié avec soin, être considéré comme un morceau d'ensemble.
Analyse[modifier | modifier le code]
Un enfant joue dans un arbre avec un chardonneret. La ligne mince a permis donner l'image d'un sens de la verticalité. Goya Sur la scène crée un sens de la perspective, il a également connu interprété comme un merveilleux sens de la verticalité.
Il a travaillé comme antedormitorio sobreventana ou coin des Princes des Asturies dans Pardo. Il est passé inaperçu par les critiques, qui étaient plus intéressés à d'autres oeuvres de Goya comme la corrida ou bûcherons.
Contexte[modifier | modifier le code]
Références[modifier | modifier le code]
- (es) Cet article est partiellement ou en totalité issu de l’article de Wikipédia en espagnol intitulé « El muchacho del pájaro » (voir la liste des auteurs).
Sources[modifier | modifier le code]
[[Catégorie:Tableau de Francisco de Goya]]