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Paragraphe[modifier | modifier le code]
Au début du XXIe siècle, les œuvres de certains artistes - comme, par exemple, les recherches qui s'appuient sur le travail expérimental mené par le groupe artistique Sphinx Blanc[1] au sein du Laboratoire du livre d'artiste (direction par Anne Arc et Serge Chamchinov -, montrent un renouvellement de l’approche critique et des outils de création et d’analyse du livre d’artiste.
Par ailleurs, la révolution numérique a bien entendu bousculé la notion de bibliophilie sur le marché de l'art. Ainsi, plusieurs collections publiques qui possèdent les fonds du livre d'artiste effectuent largement la numérisation des ouvrages précieux. D'autre part, l'artiste non seulement conçoit le livre et l'écrit (et plus seulement en mot) mais le produit et le diffuse via Internet, en plus d'un circuit de librairie ou lieux spécialisés. Les notions anglosaxonnes de free press, de small press rejoignent en France celle de l'édition indépendante, lesquelles assurent au livre d'artiste un territoire des possibles. En résumé, le livre d'artiste demeure un espace de liberté pour les créateurs quels qu'ils soient.
Tendances européennes du début du XXIe siècle[modifier | modifier le code]
Le livre d’artiste tend à s'affirmer comme une œuvre d'art.
médium d'expression multidisciplinaire à part entière. Nombre de techniques plastiques sont employées dans le livre d’artiste (arts graphiques, peinture, photographie, sculpture, collage, etc.). Toutes les formes et plusieurs domaines d’écriture s'y expriment (image, poème, notes, textes scientifiques, etc.). On voit ainsi émerger des poètes-artistes qui conçoivent le livre comme le lieu d'un art total où la liberté de la forme rejoint celle de l'expression.
Le livre d’artiste est un document « génétique » qui correspond à ce travail. L’intérêt de suivre la voie génétique[pas clair] de création des livres d’artiste se dessine dans les champs suivants :
- le « livre unique » (tiré à un nombre réduit d'exemplaires, voire un seul) est autographe ; c’est l’œuvre finale qui comporte en soi toutes les étapes de travail (comme le tableau ou la sculpture) ;
- le « livre de dialogue » fait en collaboration entre un poète et un peintre ouvre plusieurs voies génétiques (par exemple, la genèse du texte poétique et la genèse de l’œuvre graphique) ;
- le tirage, dont chaque exemplaire, portant les éléments particuliers, joue son rôle spécifique pour composer l’œuvre en général.
paragraphe2[modifier | modifier le code]
Celant délimita la théorie et la physionomie du mouvement grâce à des expositions et des textes. Depuis Off media (à Bari en 1977), il commença à collaborer avec le Musée Guggenheim de New York, pour lequel il devint par la suite senior curator.
Toujours au Guggenheim il prépara en 1994 l’exposition Italian Metamorphosis 1943-1968, une tentative de rapprocher l'art italien à la culture américaine. Dans le même élan d’internationalisation de l’art italien, il organise ensuite d’autres expositions au Centre Pompidou de Paris (1981), à Londres (1989) et au Palazzo Grassi à Venise (1989). Pour le même Palazzo Grassi en 1986 il organisa la grande rétrospective Futurismo e Futurismi.
En 1996 il organisa la première édition de la Biennale de Florence Arte e Moda, mettant en évidence un concept d’art en constante évolution, étroitement lié à la culture contemporaine comme expression dynamique d’une créativité globale.
En 1997, il fut nommé directeur de la 47e Biennale de Venise.
Après avoir été collaborateur de la revue L'Espresso, Celant, a ensuite réalisé à Gênes la grande exposition Arte&Architettura en 2004.
Il est actuellement directeur artistique de la Fondation Prada à Milan.
De mai à novembre 2013, il organise, en dialogue avec l'architecte Rem Koolhaas et l'artiste Thomas Demand, l'exposition "When Attitudes Become Form", remake de la célèbre exposition à la Kunsthalle de Berne (organisée en 1969 par Harald Szeemann), à la Fondazione Prada, Ca' Corner della Regina à Venise.
- Voir: 1-er Manifeste du groupe Sphinx Blanc dans Ligature,no 3, 2013,p. 21.