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Alice au pays des merveilles (film, 1951)

« The Mad Tea Party », illustration de John Tenniel (1865).

Alice au pays des merveilles est le 17e long-métrage d’animation et le 13e « Classique d’animation » des studios Disney. Sorti en 1951, ce film est l’adaptation du roman de Lewis Carroll, Les Aventures d’Alice au pays des merveilles (Alice’s Adventures in Wonderland, 1865) et de sa suite, De l'autre côté du miroir (Through the Looking-Glass, 1871).

L’œuvre de Lewis Carroll possède un long parcours au sein des studios Disney : c’est avec la série Alice Comedies, une adaptation très libre du livre mêlant animation et prises de vues réelles, que Walt Disney commence sa carrière à Hollywood en 1923. Par la suite, plusieurs projets reprennent le concept ou l’histoire d’Alice. À la fin des années 1930, avec le succès de Blanche-Neige et les Sept Nains, Disney décide d’en tirer un long métrage. Il pense d’abord reprendre le principe animation/prises de vues réelles avec Mary Pickford mais la Seconde Guerre mondiale force les studios à repousser le projet. Celui-ci est relancé au milieu des années 1940, avec le succès de Mélodie du Sud (1946) mais les problèmes liés à l’adaptation de l’œuvre de Carroll incitent Disney à se tourner vers l’animation pure.

À sa sortie, le film n’attire pas le public escompté qui, soutenu par la presse, critique les libertés prises avec l’œuvre originale. Au sein du studio, les créateurs du film, dont Walt Disney, estiment également que le film ne répond pas à leurs attentes. Par la suite, le film trouve le succès auprès d’une partie des étudiants des années 1960, ceux de la mouvance hippie. Malgré ses nombreux problèmes, le film gagne avec le temps son statut de « classique ». En 2010, une suite lui a été donnée, réalisée par Tim Burton, mélangeant prises de vues réelles et images de synthèse, intitulée également Alice au pays des merveilles.

Atlantide, l'empire perdu

Lettre A dans l'écriture atlante crée pour le film par l'artiste John Emerson

Atlantide, l'empire perdu, ou Atlantis, l'empire perdu, au Québec (Atlantis, the Lost Empire), est le 71e long-métrage d’animation et le 41e « classique d’animation » des studios Disney, sorti en 2001. Écrit par Tab Murphy, réalisé par Gary Trousdale et Kirk Wise et produit par Don Hahn, le film présente l'histoire d'un jeune homme en 1914 qui obtient un livre rare, le Manuscrit du Berger, qui l'aidera avec une équipe d'aventuriers à découvrir la ville perdue de l'Atlantide. La distribution comporte des acteurs reconnus comme Michael J. Fox, Cree Summer, James Garner, Leonard Nimoy, Don Novello et Jim Varney dans son dernier rôle.

La production du film démarre après la sortie du Bossu de Notre-Dame en 1996 et, au lieu de faire une énième comédie musicale, l'équipe choisit de faire un film d'aventure en animation inspiré par les œuvres de Jules Verne. Le film comporte un style visuel distinctif issu de la coopération de l'auteur de comics Mike Mignola, ce qui donna au film un intérêt pour ses fans. À sa sortie, c'est la production de Disney utilisant le plus l'animation numérique (Pixar étant alors un studio indépendant) et l'un des rares utilisant le format anamorphosé. Le linguiste Marc Okrand, créateur du klingon, a créé pour le film une langue fictive, l'atlante, tandis que James Newton Howard a composé la bande-son du film.

Le film a été présenté à une époque où l'intérêt du public pour l'animation traditionnelle changeait pour le tout numérique, quelques semaines après la sortie du premier opus de Shrek. La première du film a eu lieu le 3 juin 2001 à l'El Capitan Theatre, salle détenue par Disney, mais la sortie du film aux États-Unis n'a pas apporté le succès escompté. Produit pour 100 millions de $ US, le film n'a rapporté que 84 millions aux États-Unis, mais totalise plus de 186 millions à l'international. Ce mauvais score a stoppé les idées d'adaptation du film telles qu'une série télévisée et une attraction. Les raisons évoquées sont principalement liées au public mal cerné, un film d'aventure pour un public plus adulte, mais une animation Disney traditionnellement associée à la musique et au jeune public. Les trois épisodes entamés de la série ont été groupés sous la forme d'une suite sortie directement en vidéo en 2003 : Les Énigmes de l'Atlantide.

Bambi (film, 1942)

Bambi est le 6e long-métrage d'animation et le 5e « Classique d'animation » des studios Disney, sorti en 1942. Ce film est l'adaptation du roman Bambi, Eine Lebensgeschichte aus dem Walde (Bambi, l'histoire d'une vie dans les bois) de Felix Salten, paru en 1923.

Walt Disney a entamé le projet d'adapter cette œuvre dès 1935, juste après le début de la production de son premier long métrage Blanche-Neige et les Sept Nains. Mais en raison de différents contre-temps, le film a été plusieurs fois retardé. Pinocchio, Fantasia et Dumbo sont ainsi sortis avant Bambi. Malgré ou grâce à cela, il propose une qualité graphique incontestable, présentant des décors et des personnages très réalistes.

Dans ce film, Bambi, un faon nouveau-né, apprend, au hasard de ses promenades, mille et une choses qui sont pour lui autant de sources d'émerveillement. De l'été à l'automne, il découvre ainsi les saisons une à une et affronte, pour la toute première fois, l'hiver. Une suite intitulée Bambi 2 est sortie en 2006.

Blanche-Neige et les Sept Nains

Simplet, l’un des sept nains de « Blanche-Neige et les Sept Nains », à côté d’un de ses compagnons.

Blanche-Neige et les Sept Nains est le premier long-métrage d’animation et « classique d’animation » des studios Disney, sorti le au Carthay Circle Theater de Hollywood. Le film est une adaptation du conte éponyme des frères Grimm paru en 1812, conte fortement ancré dans les traditions européennes.

S’il n’est pas, contrairement à ce qui est souvent affirmé, le premier long-métrage d’animation de l’histoire du cinéma, Blanche-Neige et les Sept Nains éclipse ses prédécesseurs en raison de l’impact qu’il a suscité sur le public aux États-Unis comme à l’international, grâce au travail des nombreux artistes des studios Disney. Considéré par beaucoup comme un chef-d’œuvre, le film marque aussi une étape dans l’animation et même le septième art par les innovations tant techniques qu’artistiques développées et utilisées pour ce film. Le budget de production, 1,5 millions de $US, marque un record pour l’époque. L’investissement réalisé par l’entreprise fondée par Walt Disney a été largement rentabilisé par les revenus engendrés à la sortie et toujours aujourd’hui, faisant du film un succès indéniable.

Cendrillon (film, 1950)

Le Château de Cendrillon au Magic Kingdom.

Cendrillon est le 16e long-métrage d'animation et le 12e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1950, il s'inspire du conte de Charles Perrault Cendrillon ou la Petite Pantoufle de verre, paru en 1697, et de la version des frères Grimm, Aschenputtel, publiée en 1812.

Le film Cendrillon partage de nombreux éléments avec Blanche-Neige et les Sept Nains, le premier long métrage du studio Disney, sorti en 1937, et est presque similaire : au niveau scénaristique, au niveau graphique, la personnalité et l'aspect des héroïnes, l'atmosphère, l'époque des événements et les éléments qui en font des contes de fées. Les deux films sont aussi des entreprises risquées pour le studio : Blanche-Neige parce qu'il était le premier long métrage, et Cendrillon parce qu'il devait renflouer le studio, qui était alors dans une position financière difficile. D'ailleurs, après huit années de compilations, le long métrage Cendrillon était très attendu. Heureusement pour la suite, les deux films ont été des succès tant commerciaux qu'artistiques, même si en comparaison des productions de la fin des années 1930 ou du début des années 1940, Cendrillon est pour de nombreux auteurs de qualité légèrement inférieure. On peut y voir à la fois les conséquences des années précédentes, difficiles pour le studio, mais aussi un certain désengagement de Walt Disney pour ce type de film.

Cendrillon, en partie grâce à son succès, marque le retour du studio Disney dans la production de longs métrages d'animation. Il fait aussi entrer l'entreprise Disney dans une nouvelle période faste, avec une diversification des productions, pour la plupart initiées ou ayant leurs racines à la fin des années 1940. Entre 1950 et 1955, le studio se lance dans la télévision, les longs métrages en prise de vue réelle et les parcs à thèmes. Un autre effet du film est un impact psychologique assez fort, car il conforte un imaginaire spécifique de Disney, établi dans les productions précédentes, et qui sera prolongé dans les suivantes. En analysant ce film, de nombreux auteurs évoquent une formule, une recette, des conventions définissant une notion de « classique Disney ». Ces éléments ont été assimilés par des générations d'enfants puis d'adultes, et, pour certains spécialistes, les effets de cet imaginaire imposé ne sont pas sans conséquence.

L'histoire de Cendrillon a été prolongée dans les années 2000 avec deux suites, sorties directement sur le marché vidéo : Cendrillon 2 : Une vie de princesse en 2002 et Le Sortilège de Cendrillon en 2007.

Dingo (Disney)

Dingo (en anglais Goofy Goof) est un personnage de fiction de l’univers de Mickey Mouse créé par la Walt Disney Company en 1932. Ce chien anthropomorphe est l’un des meilleurs amis de Mickey. Sa principale caractéristique est une grande maladresse ; Jack Hannah le qualifie de « Simplet » et l’archiviste Disney, Dave Smith parle de « stupidité associée à un bon fond ».

Après une carrière au côté de Mickey et Donald, il a été, dans les années 1940 à 1960, le héros de sa propre série ainsi que de la sous-série Comment faire… Le personnage est aussi connu pour ces rôles d’homme moyen ayant même un fils et ainsi pour les courts métrages où la population est constituée de déclinaisons du personnage. En 1979, on adjoint à Dingo un cousin, mis en avant par Disney dans des campagnes de promotions principalement liées au sport, et repris en bandes dessinées, Sport Goofy. En 1954, on lui a adjoint un neveu, Gilbert. Puis à partir des années 1990, Dingo devient (à nouveau) père dans une série télévisée, son fils se prénomme Max… Mais rien ne précise qui sont leurs mères respectives. Cette série des années 1990 a été prolongée par deux longs métrages.

Dumbo (film, 1941)

Manège de Dumbo à Tokyo Disneyland.

Dumbo est le 5e long-métrage d’animation et le 4e « Classique d’animation » des studios Disney, sorti aux États-Unis en . Il est basé sur une histoire éponyme écrite par Helen Aberson et illustrée par Harold Perl, parue en 1939.

La production de ce film avait pour but de compenser les faibles revenus de Pinocchio et Fantasia, tous deux sortis en 1940. Le scénario d’origine, proche d’une version du Vilain Petit Canard mais avec un pachyderme, a été développé par Joe Grant et Dick Huemer pour devenir un film de 64 minutes, soit l’un des longs métrages les plus courts des studios Disney. Malgré sa brièveté et les nombreuses économies réalisées durant sa production, le film est devenu l’un des films préférés du public grâce à son histoire simple mais émouvante.

Fantasia (film, 1940)

Fantasia est le troisième long-métrage d’animation et « Classique d'animation » des studios Disney, sorti à la fin de l'année 1940. Sa production a été lancée peu après Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), en parallèle de Pinocchio sorti au début de l'année 1940.

Ce film est une expérimentation sans dialogue dont le but est d'illustrer ou d’accompagner avec l'animation des thèmes de la musique classique. Huit extraits musicaux, joués pour la plupart par l'orchestre de Philadelphie sous la direction de Leopold Stokowski, composent les sept séquences de ce dessin animé. C'est aussi pour de nombreux auteurs et critiques une œuvre d’art d’un genre nouveau, un pont entre les arts et une « nouvelle forme de présenter l’art » (un nouveau média).

Les huit œuvres musicales choisies sont :

Fantasia, qui n'eut pas à sa sortie le succès habituel des productions Disney de l'époque, est le premier volet d'une série voulue par Walt Disney. Grâce à la volonté de Roy Edward Disney, neveu de Walt, un second volet Fantasia 2000 est sorti en 1999.

La Belle au bois dormant (film, 1959)

Le Château de la Belle au bois dormant de Disneyland.

La Belle au bois dormant (Sleeping Beauty), est le 20e long-métrage d'animation et le 16e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1959, il est adapté des versions du conte La Belle au bois dormant de Charles Perrault (1697) et des Frères Grimm (Dornröschen, 1812).

Avec La Belle au bois dormant, le studio Disney reprend des ingrédients de la recette lui ayant assuré le succès de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) et Cendrillon (1950) mais malgré une indéniable qualité technique, le succès n'est pas au rendez-vous. Le public de la fin des années 1950 préfère les films familiaux, les westerns et les productions télévisuelles comme Disneyland et The Mickey Mouse Club. Graphiquement, le film est remarqué pour ses décors évoquant le gothique et les enluminures des Très Riches Heures du duc de Berry. Le personnage de la sorcière, Maléfique, est pour de nombreux auteurs l'élément le plus marquant du film que ce soit sa tenue, sa personnalité ou sa métamorphose en dragon. Le Prince charmant sort aussi son épingle du jeu avec un rôle plus développé que les incarnations des précédents contes de fées adaptés par le studio.

La Belle et le Clochard

Photo d’un cocker.

La Belle et le Clochard (Lady and the Tramp) est le 19e long-métrage d’animation et le 15e « Classique d’animation » des studios Disney. Sorti en 1955, il est adapté d’une histoire de Ward Greene, Happy Dan, the Whistling Dog, parue en 1937.

La Belle et le Clochard marque une étape importante dans l’histoire des studios Disney à plusieurs titres : c’est le premier de leurs longs métrages d’animation à utiliser le format d’image CinemaScope (2,55:1), utilisé à partir de 1953, et à bénéficier du son stéréo (quatre voies), si l’on excepte la tentative de Fantasia (1940) en « Fantasound ». Cependant, peu de salles étant encore équipées à cette époque pour le CinemaScope, il fut entièrement retourné au format 1,37:1. C’est également le premier film distribué par Buena Vista Pictures Distribution, une société créée en 1954 par Walt Disney afin de ne plus être dépendant d’autres groupes cinématographiques (Disney était jusqu’alors distribué par RKO Radio Pictures).

L’histoire du film est aussi marquée par la présence de la chanteuse Peggy Lee, qui, à la fin des années 1980, assigna le studio en justice avec succès pour obtenir des dédommagements sur la vente de cassettes vidéo du film, support non prévu dans son contrat initial. La chanteuse fut suivie par d’autres professionnels, et les contrats ont, par la suite, été modifiés pour éviter ce type de procès.

Une suite intitulée La Belle et le Clochard 2 : L’Appel de la rue est sortie directement en vidéo en 2001.

Le Livre de la jungle (film, 1967)

Le Livre de la jungle (The Jungle Book) est le 24e long-métrage d'animation et le 19e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1967, il est inspiré du livre du même nom de Rudyard Kipling, paru en 1894. Le film présente le jeune Mowgli élevé par des loups et qui, accompagné de la panthère Bagheera, doit retourner dans un village auprès des hommes pour échapper au tigre mangeur d'hommes et terreur de la jungle, Shere Khan. Durant son voyage, Mowgli rencontre Kaa le serpent hypnotiseur, un groupe d'éléphants, Baloo l'ours bon-vivant et un groupe de singes mené par le Roi Louie qui cherche à devenir un homme.

Le film est marqué par une qualité graphique élevée, mais surtout par l'utilisation d'acteurs vocaux célèbres ayant fortement influencé voire inspiré les personnages comme Phil Harris (Baloo), Louis Prima (Roi Louie) et George Sanders (Shere Khan). Pour plusieurs auteurs, la présence de fortes personnalités vocales et un scénario assez simple sans vrais méchants font du Livre de la jungle une succession de scènes musicales divertissantes, mais où il manque un petit quelque chose. Le film est aussi marqué par la mort de Walt Disney quelques mois avant sa sortie. Pour le studio Disney, l'ensemble marque le début d'une période désignée à la fois comme une forme de déclin, de léthargie, mais aussi de perpétuelle réutilisation d'une même formule, justement utilisée pour Le Livre de la jungle.

Malgré les critiques, Le Livre de la jungle est un succès commercial et sert de base à de nombreux produits dérivés. Deux séries animées « spin-off » ont été créées : Le Livre de la jungle, souvenirs d'enfance (1996-1998), qui raconte l'enfance des personnages, et Super Baloo (1990-1994), où Baloo travaille comme pilote d'avion. Un remake en prise de vue réelle a été produit en 1994 avec le même titre Le Livre de la jungle‎ ainsi qu'une préquelle avec acteurs intitulée The Jungle Book: Mowgli's Story. Une suite au film d'animation est réalisée en 2003 avec Le Livre de la jungle 2.

Le Roi et l'Oiseau

Photo de deux hommes attablés dans un studio, entourés de planches à dessin et de figurines, concentrés sur une feuille qu'ils examinent tous deux.

Le Roi et l'Oiseau est un dessin animé français créé par Paul Grimault sur des textes de Jacques Prévert, d'après La Bergère et le Ramoneur de Hans Christian Andersen. Sorti en 1980, sa préparation a commencé dès 1946.

Au sortir de la Seconde Guerre mondiale, les ambitions sont grandes pour le studio d'animation des Gémeaux : il se veut le premier du genre en Europe grâce au projet confié à Grimault qui doit aboutir au premier long-métrage d'animation français. À la fin de la décennie, des désaccords financiers vont cependant mener l'équipe d'animation à sa perte : une partie est congédiée par les producteurs tandis que les membres restants se pressent d'achever ce qui est déjà accompli : Le Roi et l'Oiseau sort ainsi une première fois en mai 1953 dans une version intitulée La Bergère et le Ramoneur mais désavouée par Grimault et Prévert. Les « restes » de celle-ci sont néanmoins jugés impressionnants et le film remporte un prix au Festival de Venise ainsi que l'admiration de nombreux techniciens du monde de l'animation, dont les futurs fondateurs du Studio Ghibli.

Des années plus tard, les droits d'auteur du film sont rachetés par Grimault, qui se remet au travail malgré la disparition entretemps de l'équipe originale et le décès de Prévert survenu lors des derniers préparatifs pour la mise en chantier de la nouvelle version. Définitive et intitulée Le Roi et l'Oiseau, celle-ci sort finalement au cinéma en mars 1980 où elle reçoit un accueil critique très favorable et de nombreuses récompenses — c'est notamment la première fois que le Prix Louis-Delluc récompense un film d'animation.

Le Roi et l'Oiseau constitue un jalon dans l'histoire du dessin animé : premier long-métrage d'animation mis en chantier en France, il s'éloigne des canons du style de Walt Disney et veut proposer au-delà du public d'enfants et d'adolescents traditionnel des réflexions philosophiques grâce à une fable politique et sociale. Il est d'autre part une aventure humaine, le fruit de la collaboration étroite de très nombreux techniciens du monde de l'animation, formés en même temps que chaque version progresse. Le Roi et l'Oiseau est enfin le symbole d'une profonde complicité créative entre Grimault et Prévert, qui ne cessera qu'au décès du poète, alors que tous deux travaillent encore sur le film.

Les 101 Dalmatiens (film, 1961)

Un dalmatien femelle.

Les 101 Dalmatiens (One Hundred and One Dalmatians) est le 21e long-métrage d'animation et le 17e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1961, il est adapté du roman de Dodie Smith The One Hundred and One Dalmatians (1956).

Ce film est le premier à avoir utilisé la technique de la xérographie dans le domaine de l'animation, procédé allongeant la liste des nombreuses innovations techniques des studios Disney et sans lequel le film n'aurait jamais vu le jour (étant donné le nombre de chiens à animer). Le film innove aussi en se déroulant à l'époque contemporaine (on y regarde la télévision) et en s'éloignant de la recherche du réalisme parfait pour les personnages humains. Le film est enfin marqué par son « méchant », caricatural et haut en couleur, Cruella d'Enfer, qui éclipse pour la première fois les autres personnages.

Un remake en prises de vue réelles a été réalisé en 1996, Les 101 Dalmatiens avec Glenn Close en Cruella, suivi des 102 Dalmatiens en 2000. Côté animation, une série TV, Les 101 Dalmatiens, la série (1997-1998), a été créée, ainsi qu'un second long-métrage, intitulé Les 101 Dalmatiens 2 : Sur la trace des héros, sorti en 2003.

Les Aristochats

Promotion du film à Amsterdam en 1971, avec des costumes représentant deux personnages dont Scat Cat.

Les Aristochats (The Aristocats) est le 25e long-métrage d'animation et le 20e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1970 et réalisé par Wolfgang Reitherman, ce film est inspiré d'une histoire de Tom McGowan et Tom Rowe, qui met en scène des chats, désignés comme héritiers par une vieille dame parisienne, aux prises avec un majordome qui souhaite bénéficier seul et plus rapidement de cet héritage.

Ce film est le dernier dont la production a été approuvée par Walt Disney, décédé fin 1966, avant que le film ne soit réalisé. L'élément le plus important du film est sa musique, avec la participation de Maurice Chevalier et des frères Sherman. Malgré un succès en salles, les critiques négatives sont nombreuses surtout à cause de la réutilisation d'une recette classique, tant dans le scénario que dans l'animation, dans les acteurs ou dans la musique. Cet usage est souvent vu comme une conséquence du décès de Walt Disney tandis que d'autres évoquent la mise à la retraite progressive de la plupart des artistes du studio. L'absence d'un méchant d'envergure est aussi un sujet de critiques.

Pour les studios Disney, après Le Livre de la jungle en 1967, le film s'inscrit dans les prémices de la période de déclin des années 1970 qui précède une forme de léthargie tout au long des années 1980, avant le Second âge d'or, débutant en 1989.

Les Aventures de Winnie l'ourson (film)

Ralph Wright devant l'affiche de Winnie l'ourson et l'Arbre à miel en 1968.

Les Aventures de Winnie l'ourson ou Les Merveilleuses Aventures de Winnie l'ourson au Québec (The Many Adventures of Winnie the Pooh) est le 28e long métrage d'animation et le 22e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1977 et basé sur les personnages d'Alan Alexander Milne créés en 1926, ce film est en fait la réunion de trois moyens métrages préexistants : Winnie l'ourson et l'Arbre à miel (1966), Winnie l'ourson dans le vent (1968) et Winnie l'ourson et le Tigre fou (1974), agrémentés de transitions inédites.

Les critiques sont peu nombreuses en raison de l'exploitation d'abord en moyen métrage puis en une compilation. Certains spécialistes de Disney font même l'impasse sur ce long métrage dans leur anthologie. Le principal intérêt du film est de regrouper les premiers moyens métrages consacrés à Winnie l'ourson avant que le studio ne se lance à partir des années 1980 dans une exploitation plus large de la franchise Winnie l'ourson, avec des séries d'animations et plusieurs longs métrages. À partir de 2002, les éditions DVD du film Les Aventures de Winnie l'ourson comportent, en bonus, un moyen métrage supplémentaire, Sacrée journée pour Bourriquet, produit en 1983.

Mary Poppins (film, 1964)

Mary Poppins6.jpg

Mary Poppins est un film musical américain de Robert Stevenson adapté du roman éponyme de Pamela L. Travers et sorti en 1964. Mêlant prises de vues réelles et animation, il est considéré comme le 23e long métrage d'animation des studios Disney.

Après une longue période de tractations entre Walt Disney et Pamela L. Travers pour obtenir les droits d'adaptation, la production du film commence en 1960 pour s'achever en 1964. Cette période fait l'objet d'un long métrage de fiction, Dans l'ombre de Mary (Saving Mr. Banks) réalisé par John Lee Hancock, sorti en 2013 avec Tom Hanks dans le rôle de Walt Disney. Révélant le talent de Julie Andrews et confirmant celui de Dick Van Dyke, Mary Poppins est l'une des productions Disney les plus chaleureusement accueillies par le public et la presse, remportant de nombreux prix (dont cinq Oscars), bien que certains spécialistes estiment que sa forme rappelle plus les années 1940 que le milieu des années 1960. Le film est remarquable sur plusieurs points, comme le traitement en « comédie musicale » ou le mélange entre prises de vue réelles et animation, même si cette dernière, qui constitue pourtant l'activité originelle des studios Disney, passe au second plan, phénomène qui s'amplifiera dans les décennies suivantes. Réalisé à une période qui voit l'institutionnalisation des critiques chez une élite intellectuelle devenue le fer de lance des détracteurs de Disney, Mary Poppins est aussi une œuvre-testament qui couronne la carrière de Walt Disney, mort deux ans plus tard.

Merlin l'Enchanteur (film, 1963)

The Sword in the Stone à Hong Kong Disneyland.

Merlin l'Enchanteur (The Sword in the Stone) est le 22e long-métrage d'animation et le 18e « classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1963, il est adapté du livre de Terence Hanbury White L'Épée dans la pierre (1938) et s'inspire librement du magicien Merlin, célèbre personnage de la légende arthurienne.

Le film reprend des thèmes habituels de Disney, le monde médiéval et la magie, mais pour de nombreux auteurs cette adaptation d'une légende ne possède pas les qualités d'un « classique de Disney ». La genèse du film doit essentiellement à l'obstination d'un homme, le scénariste Bill Peet qui développe seul la majeure partie de la trame du film, histoire et personnages compris. Mais la production de l'œuvre se fait à une période où le studio et la société Disney se consacrent à d'autres sujets, les films en prise de vue réelle, la télévision ou les parcs à thèmes. Les longs métrages d'animation sont relégués au second plan aussi pour des raisons budgétaires. Les critiques attribuent les raisons de l'échec de Merlin l'Enchanteur aussi bien au sujet du film en lui-même, au scénariste et à son adaptation de l'histoire de White, au réalisateur Wolfgang Reitherman ayant un style inapproprié, ainsi qu'aux acteurs ayant prêté leur voix. Mais la plupart reconnaissent la qualité artistique du film avec par exemple un duel final de magiciens qui voit s'opposer Merlin et Madame Mim dans une succession de métamorphoses. En résumé, Merlin l'Enchanteur possède une animation de qualité mais n'a pas marqué le public.

Mickey Mouse

Mickey Mouse, symbole de la Walt Disney Company, est l’un des plus importants personnages de l’univers Disney. Ambassadeur de la marque, il est présent dans la plupart des secteurs d’activité de la société, que ce soit l’animation, la télévision, les parcs d’attractions ou les produits de consommation. Mickey est utilisé comme un vecteur de communication et ses qualités doivent respecter la morale prônée par « Disney », que ce soit par Walt et l’entreprise elle-même. Mickey Mouse est connu et reconnu dans le monde entier, son célèbre profil formé de trois cercles étant devenu indissociable de la marque Disney. Mickey Mouse est à l’origine un personnage de dessin animé, créé en 1928, après que Walt Disney ait dû laisser son premier personnage, Oswald le lapin chanceux, à son producteur.

Peter Pan (film, 1953)

Peter Pan est le 18e long-métrage d'animation et le 14e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1953 sous le titre Les Aventures de Peter Pan, il est l'adaptation de la pièce homonyme de J. M. Barrie créée en 1904.

Le film tente, comme Alice au pays des merveilles (1951), d'adapter une œuvre récente de la littérature jeunesse britannique. Plusieurs auteurs s'accordent pour dire que Disney a réussi cette adaptation, Peter Pan devenant l'un des chefs-d'œuvre des studios. Toutefois, le film Peter Pan est régulièrement utilisé par d'autres auteurs pour critiquer le studio. Parmi les points les plus souvent relevés comme sources de critiques sont l'aspect (trop) séduisant de la Fée Clochette, les métaphores homosexuelles autour de plusieurs personnages (Peter Pan en tête), et l'usage de stéréotypes sur les Amérindiens. La production du film, assez difficile au niveau de l'adaptation, souffre aussi de la diversification, à l'époque, des activités de la société Disney et des nombreux projets de Walt Disney.

En 2002, le film a fait l'objet d'une suite : Peter Pan 2 : Retour au Pays imaginaire.

Pinocchio (film, 1940)

Pinocchio au Magic Kingdom.

Pinocchio est le deuxième long-métrage d’animation et « Classique d’animation » des studios Disney, sorti en 1940 et inspiré du conte de Carlo Collodi, Avventure di Pinocchio, storia di un burattino (1881).

Avec ce nouveau long-métrage d’animation, Disney espérait renouveler le succès de Blanche-Neige et les Sept Nains (1937) mais la Seconde Guerre mondiale ne permit pas d’atteindre le résultat escompté à l’époque. De plus, Walt Disney était à la même époque sur un projet plus ambitieux, Fantasia (1940). Le film constitue une prouesse significative dans les techniques d’animation, et il est souvent considéré comme le chef d’œuvre ultime de Disney. Il comporte malgré tout une part beaucoup plus sombre que les autres classiques de Disney.

Robin des Bois (film, 1973)

Robin des Bois (Robin Hood) est le 27e long-métrage d'animation et le 21e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1973, il s'inspire à la fois de la légende de Robin des Bois et du Roman de Renart, un recueil de récits médiévaux français des XIIe et XIIIe siècles.

Le studio Disney envisage d’adapter le Roman de Renart dès les années 1930. De nombreuses idées remontant à ce projet sont reprises pour adapter la légende du voleur justicier anglais, notamment l'utilisation d'animaux anthropomorphes comme personnages. Le projet porté par Ken Anderson est validé par Walt Disney peu avant sa mort en 1966, ce qui lance la production de Robin des Bois.

La réalisation de Robin des Bois est marquée par la réutilisation d'éléments d'animation des précédentes productions Disney, tandis que des acteurs reproduisent peu ou prou des prestations antérieures : ainsi Phil Harris, qui interprétait l'ours Baloo dans Le Livre de la jungle (1967), joue à nouveau un ours, Petit Jean.

Du côté du scénario, offrir le rôle de héros à un voleur entre en conflit avec la morale établie et diffusée par le studio. Le scénario du film et les personnalités des personnages sont vivement critiqués, et malgré un succès relatif en salle, le film ne se hisse pas à la hauteur des précédentes productions du studio. De nombreux critiques attribuent les problèmes du film à l'atmosphère qui règne à l'époque au sein des studios Disney, toujours affectés par la mort de leur fondateur.

Silly Symphonies

Les Silly Symphonies sont une série de courts-métrages d'animation produits entre 1929 et 1939 par les studios Disney. Chacun des courts métrages est une Silly Symphony. Contrairement aux dessins animés mettant en scène Mickey Mouse, Donald Duck, Dingo ou encore Pluto, les Silly Symphonies n'ont pas de personnages récurrents. Les histoires prennent principalement leurs sources dans les contes populaires européens et américains. Cela a permis un monde plus diversifié et plus proche de la fantaisie.

La plupart des studios concurrents de Disney ont été influencés par la série des Silly Symphonies, bien plus que par les séries de Mickey Mouse ou Donald Duck. Plusieurs studios ont créé des dessins animés plus aux moins musicaux : Leon Schlesinger au sein de Warner Bros. lance les Looney Tunes dont le premier court métrage sort en avril 1930 est réalisé par Hugh Harman et Rudolf Ising, des anciens de Disney. En 1931, Harman et Ising créent une autre série pour Warner, les Merrie Melodies. En 1934, insatisfaits chez Warner, Harman et Ising fondent leur propre studio, signent un contrat avec la Metro-Goldwyn-Mayer et lancent la série Happy Harmonies. On peut aussi citer Color Classics du Fleischer Studios lancée en 1934, après la nécessité de ce studio de réduire la production de Betty Boop.

Studios Disney de 1950 à 1973

L'histoire des Studios Disney de 1950 à 1973 est marquée par le retour de la production des longs métrages d'animation semblables à ceux du « Premier Âge d'Or » (1937-1941), avec en premier lieu Cendrillon (1950), et par une importante diversification des productions du studio. Celui-ci s'engage dans les films en prises de vues réelles, avec acteurs, mais aussi dans la production d'émissions et séries télévisuelles. En dehors de l'activité de studio, l'entreprise entame aussi la construction d'un premier parc à thèmes en Californie au début des années 1950, Disneyland, puis un second en Floride à la fin des années 1960, le complexe de Walt Disney World Resort.

La période pourrait s'achever brutalement avec la mort de Walt Disney en 1966. Elle se prolonge toutefois jusqu'en 1973, date de sortie du dernier long métrage initié par le fondateur du studio. Du côté des courts métrages, la plupart des séries phares du studio sont stoppées officiellement en 1956, mais quelques-unes continuent au plus tard jusqu'en 1961, sauf les productions de division éducative Walt Disney Educational Productions. Le film d'animation Les Aventures de Winnie l'ourson, sorti en 1977, est souvent associé à cette période en raison de son succès mais, comme c'est en réalité une compilation de trois moyens métrages produits en 1966, 1967 et 1974, il est préférable de le dissocier de la période.

The Walt Disney Company

Entrée du siège social de Disney à Burbank.

The Walt Disney Company est une entreprise américaine créée en 1923 par Walt Disney, sous le nom Disney Brothers Studios. Elle est en 2012 le premier groupe de divertissement au monde, présent dans l'industrie des médias (journaux, radios, télévision, internet) avec des émissions et séries télévisées (Alias, Desperate Housewives etc.), du cinéma avec des courts métrages d'animation (Mickey Mouse, Donald Duck, Dingo, etc.), des longs métrages d'animation et des films en prises de vues réelles, dans l'industrie du tourisme (parcs d'attractions dont Disneyland et Walt Disney World Resort, hôtels, bateaux de croisière) et des loisirs (spectacles) ainsi que les produits dérivés de ses nombreuses productions (jeux et jouets, jeux vidéo, vêtements, etc.). Elle assure aussi la distribution de productions de tiers.

La société est rebaptisée Walt Disney Productions en 1929, puis The Walt Disney Company en 1986 et a été re-déclarée le 11 février 1987 dans l'État du Delaware, comme de nombreuses sociétés américaines. Son siège social est situé à Burbank en Californie. La société est à l'origine un studio d'animation fondé par Walt et son frère Roy Oliver Disney au début des années 1920, qui obtient un important succès avec une série lancée en 1928, Mickey Mouse. Les années 1940 amorcent plusieurs changements avec une introduction en bourse et des besoins financiers très tendus qui amènent à une diversification des productions dans les années 1950.

Le studio produit alors des films avec acteurs, des émissions pour la télévision et construit son premier parc à thème. Après la mort de Walt en 1966, puis celle de son frère en 1971, la société fait face à un certain marasme essentiellement dans ses productions. Au début des années 1980, lors une tentative d'OPA à son encontre, la société est contrainte de changer son actionnariat et d'élire un nouveau PDG, Michael Eisner. Ce dernier lance, à partir du milieu des années 1980, de nombreux projets qui permettent à l'entreprise de devenir rentable à la fin de la décennie en capitalisant sur ses productions telles que Disney Channel, Disney Store ou les développements des parcs à thèmes.

Le studio diversifie ses productions cinématographiques en créant ou achetant d'autres studios (Miramax, Touchstone, Hollywood). Au milieu des années 1990, l'entreprise se diversifie dans les nouvelles technologies liées à internet (Walt Disney Internet Group), les jeux vidéo (Disney Interactive) et devient un important groupe de média, avec l'achat d'ABC-ESPN (production et diffusion télévisuelle, radio). Le début des années 2000 est marqué par des problèmes financiers variés et la vente de certaines filiales mais, en parallèle, l'entreprise réalise de nombreux achats de sociétés dans des domaines variés (internet, télévision, jeux vidéo, etc.) La fin des années 2000 voit l'entreprise devenir gestionnaire et distributeur de licences avec, entre autres, les catalogues Disney, de Baby Einstein, des Muppets, Jetix, de Pixar (acheté en 2006), de Marvel (acheté fin 2009) et de Lucasfilm (acheté en octobre 2012).

Toy Story

Toy Story ou Histoire de jouets (au Québec) est le premier long-métrage d’animation entièrement en images de synthèse des studios Pixar. Sorti en 1995 aux États-Unis, il est coproduit par les studios Disney. Toy Story a été réalisé par John Lasseter, écrit par Lasseter, Joss Whedon, Andrew Stanton, Joel Cohen et Alec Sokolow, et mis en musique par Randy Newman. Toy Story suit l’histoire d’un groupe de jouets qui prennent vie lorsque les humains sont absents ; Woody, une poupée représentant un cow-boy, et Buzz l’Éclair, une figurine d’astronaute, en font partie.

Le film a généré près de 362 millions de dollars de recettes à l’international ; les critiques qu’il a reçues ont été très positives, saluant à la fois l’innovation technique de l’animation et la qualité du scénario. En 2005, sa première année d’éligibilité, il a été sélectionné dans le National Film Registry pour son « importance culturelle, historique ou esthétique ».

En plus des sorties DVD, de nombreux produits dérivés de Toy Story sont apparus sur le marché : jouets, jeux vidéo, attractions, etc. Le film a fait l’objet de deux suites au cinéma : Toy Story 2 en 1999 et Toy Story 3 en 2010, ainsi que d’une série télévisée dérivée, Les Aventures de Buzz l’Éclair (2000-2001), dont Buzz l’Éclair, le film : Le Début des aventures, long-métrage directement sorti en vidéo en 2000, constitue le prologue.

Walt Disney

Walt Disney

Walt Disney est connu comme producteur, directeur, scénariste, doubleur et animateur américain de film d'animation. Il fonde dès 1923 la société Walt Disney Company et devient petit à petit l'un des producteurs de dessins animés les plus célèbres au monde. Il propulse l'animation au premier plan du cinéma en lançant le premier long métrage d'animation à la fois sonore et en couleurs : Blanche-Neige et les Sept Nains (1937). Entrepreneur de génie, il édifie le parc à thèmes Disneyland autour de ses productions cinématographiques. Walt Disney et sa société ont créé un bon nombre des personnages animés les plus connus au monde, dont l'un est considéré par beaucoup de biographes comme son alter ego, Mickey Mouse.

Énormément récompensé pour la diversité de son œuvre avec une Médaille d'or du Congrès, une Légion d'honneur, ou plusieurs Oscars dont l'Oscar d'honneur, on retrouve aussi son étoile sur la Walk of Fame à Hollywood.

78 Bons articles

Alice Comedies

Julius et Alice (Dawn Evelyn Paris) dans Alice’s Egg Plant, 1925

Les Alice Comedies sont une série de courts-métrages d’animation produits par Walt Disney au tout début de sa carrière à Hollywood, de 1923 à 1927. Dans cette série de films muets et en noir et blanc, une jeune fille prénommée Alice se retrouve régulièrement dans Cartoonland, un monde de dessins animés, avec entre autres personnages un chat nommé Julius. Elle comprend un pilote Alice’s Wonderland réalisé en 1923 à Kansas City puis 56 autres courts métrages muets en noir et blanc réalisés entre 1924 et 1927 à Hollywood.

La série est la première réalisée par Disney à Hollywood et marque le début du studio d’animation Disney, devenu la société The Walt Disney Company. La célèbre série Mickey Mouse, lancée en 1928, n’est que la troisième de Disney, précédée par Alice Comedies et Oswald le lapin chanceux.

Alpha et Oméga (film, 2010)

La Rivière Salmon et les montagnes Sawtooth, dans l'Idaho, où voyagent les héros du film.

Alpha et Oméga (Alpha and Omega ou Alpha and Omega in 3D) est un film d'animation indo-américain réalisé par Anthony Bell et Ben Gluck, sorti en aux États-Unis. C'est le sixième long métrage d'animation des studios de la Crest Animation Productions, six ans après leur précédente production, et c'est le premier film issu de la collaboration entre ces studios et Lionsgate, dans le cadre d'un contrat prévoyant trois longs métrages en images de synthèse. Le film a été entièrement produit dans les studios de la « Crest » en Inde et aux États-Unis sur une période d'un an et demi seulement.

Le film est surtout connu pour être la dernière apparition de l'acteur Dennis Hopper, qui prête sa voix à un des personnages, et qui décède le 29 mai 2010 d'un cancer de la prostate, plus de trois mois avant la sortie en salle aux États-Unis. Le film lui est dédié.

Malgré un accueil critique assez mauvais de la part de la presse, le film obtient un certain succès auprès du public, avec un chiffre d'affaires de plus de cinquante millions de dollars. C'est une victoire pour la Crest Animation Productions, qui remporte le premier succès de son histoire depuis le film Le Cygne et la Princesse (1994) ; il devient aussi le film d'animation le plus rentable qu'ait produit le studio Lionsgate.

Aventures au Brésil

L'épisode se déroule dans les favelas de Rio de Janeiro.

Aventures au Brésil (Lisa rêve à Rio en version québécoise, ou Blame It on Lisa en version originale) est le quinzième épisode de la treizième saison de la série télévisée d'animation Les Simpson. L'épisode est diffusé pour la première fois le sur la Fox aux États-Unis.

Dans l'épisode, Lisa parraine un orphelin brésilien nommé Ronaldo. Ne recevant plus de nouvelles de lui, elle contacte son orphelinat et apprend que l'enfant a disparu. Les Simpson partent alors au Brésil pour retrouver Ronaldo mais, alors qu'ils le recherchent à travers la ville de Rio de Janeiro, Homer se fait kidnapper. Tandis que la famille apprend qu'elle doit payer une rançon de 50 000 dollars pour libérer Homer, Lisa découvre que Ronaldo a quitté l'orphelinat parce qu'il travaille, habillé en flamant rose, dans l'émission pour enfants Télététons. Ronaldo rencontre finalement la famille Simpson et lui donne les 50 000 dollars nécessaires à la libération d'Homer.

Écrit par Bob Bendetson et réalisé par Steven Dean Moore, l'épisode contient plusieurs références à la culture populaire, parmi lesquelles une parodie de la présentatrice de télévision pour enfants Xuxa et une allusion au film Le Voyage dans la Lune de Georges Méliès. Lors de sa diffusion originale, l'épisode est vu par environ onze millions de foyers. En 2010, l'épisode est édité en DVD et Blu-ray avec les autres épisodes de la treizième saison de la série.

Assez bien reçu aux États-Unis, Aventures au Brésil est fortement critiqué au Brésil, en raison des clichés et des stéréotypes qu'il véhicule mais aussi parce que la culture brésilienne y est confondue avec celles d'autres pays d'Amérique latine. Le conseil du tourisme de Rio de Janeiro, qui souligne que la ville est décrite dans l'épisode comme abritant une forte criminalité, des enlèvements, des taudis et des infestations de rats et de singes, va même jusqu'à menacer la Fox d'une action en justice. James L. Brooks, le producteur exécutif de la série, présente alors ses excuses à la ville.

Balto (film)

La statue de Balto, située à Central Park, à New York. Le monument est la dernière image du film.

Balto, sous-titré Balto chien-loup, héros des neiges ou Balto, l'histoire d'une légende, est un film d'animation américain réalisé par Simon Wells, sorti en décembre 1995 aux États-Unis. C'est le quarante-et-unième long métrage des studios Amblin Entertainment et le troisième et dernier long métrage de sa filiale spécialisée dans les films d'animation Amblimation. La distribution du film a été assurée par Universal Pictures.

Ce film est le premier d'une trilogie basée sur le personnage de Balto et le seul de cette série à être basé sur une histoire vraie. En effet, le scénario du film est tiré de l'épidémie de diphtérie qui sévit en 1925 sur la ville de Nome, en Alaska, ainsi que sur la course au sérum, relais d'attelages de chiens pour transporter le vaccin antidiphtérique de la ville de Nenana jusqu'à Nome. Néanmoins, certaines parties du scénario sont fictives. Les deux suites qui suivront ne seront plus tirées de faits réels, même si l'épidémie servira encore de toile de fond. Le film est considéré par les critiques cinématographiques et le public comme le meilleur de la trilogie.

Lors de sa sortie en salle, le film n'arrive pas éveiller l'intérêt notamment à cause de la sortie du film Toy Story des studios Disney en collaboration avec Pixar et cela va peser dans l'avenir des studios Amblimation qui fermeront leurs portes deux ans plus tard. Kevin Bacon, qui double la voix du personnage de Balto, fera sa seule expérience de doublage pour un dessin animé et cassera, pour un court moment, son image d'acteur de film noir.

Barney Gumble

Bernard Gumble, surnommé Barney, est un personnage de fiction de la série télévisée américaine Les Simpson. Barney est doublé par Dan Castellaneta dans la version originale, par Patrick Guillemin (de la saison 1 à 9) puis Pierre Laurent (depuis la saison 10) dans la version française et par Yves Massicotte dans la version québécoise. Il est apparu pour la première fois dans le premier épisode de la série, Noël mortel. Il est l'ivrogne de la ville de Springfield et le meilleur ami d'Homer Simpson. Son alcoolisme est une raison fréquente de gags et de plaisanteries dans la série. Barney a arrêté de boire dans l'épisode Sobre Barney « Alcooliques Non Anonymes », co-écrit par Dan Castellaneta, et est resté sobre durant plusieurs épisodes. Barney a été inspiré du personnage de la série animée Les Pierrafeu Barney Laroche et de plusieurs autres piliers de bar d'autres séries télévisées. En 2004, Dan Castellaneta a remporté un Emmy Award dans la catégorie meilleur doublage pour sa performance pour plusieurs personnages, dont Barney.

Bart Simpson

Bart Simpson est un des personnages principaux de la série animée télévisée Les Simpson et fait partie de la famille éponyme. Il est doublé par Nancy Cartwright dans la version originale, par Joëlle Guigui dans la version française et par Johanne Léveillé en québécois. Bart est apparu pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrage Good Night, le . Il a été créé par le dessinateur Matt Groening, à qui il avait été fait appel pour lancer une série de courts métrages basée sur Life in Hell, mais celui-ci a décidé de créer un nouvel ensemble de personnages. Alors que les autres personnages de la famille Simpson sont nommés d'après la famille de Groening, le nom de Bart est une anagramme du mot anglais brat, signifiant « môme ». Après avoir fait l'objet de courts métrages durant trois ans, la famille Simpson a eu droit à sa propre série sur le réseau Fox dès le .

Âgé de dix ans, Bart est le seul garçon d'Homer et Marge et le frère aîné de Lisa et Maggie. Les traits de caractère les plus importants de Bart sont son espièglerie, son attitude rebelle et son manque de respect envers l'autorité. Il est apparu dans d'autres médias sur le thème des Simpson, dont des jeux vidéo, un film, The Simpsons Ride, des publicités et des bandes dessinées, et a inspiré toute une gamme de produits dérivés...

Bienvenue chez Joe

Jerry O'Connell, ici en 2008, joue son premier rôle comme personnage principal au cinéma dans Bienvenue chez Joe.

Bienvenue chez Joe, également connu sous les titres Joe's Apartment ou L'Appartement de Joe, est une comédie américaine réalisée par John Payson, sortie en 1996. Ce film est connu pour être la première production de MTV Films, filiale de la société MTV Networks, gérant la chaîne de télévision MTV. C'est aussi la première des deux productions commune entre MTV Films et Geffen Pictures.

Le film est tiré d'un court métrage, Joe's Apartment, également réalisé par John Payson, et diffusé pour la première fois sur MTV en 1992. L'histoire est celle de Joe, un jeune homme naïf, qui arrive de l'Iowa pour s'installer dans la ville de New York. Par un concours de circonstances, il s'installe dans un appartement insalubre, qui se révèle être habité par une colonie de cafards.

Le film est un échec à la fois critique et public ; il ne remporte qu'un peu plus de quatre millions de dollars, alors qu'il a coûté treize millions à la production. Le film est vu comme une analyse corrosive de la vie new-yorkaise ainsi qu'un désenchantement du rêve américain. Malgré cet accueil globalement décevant, le film reçoit quelques récompenses saluant notamment le travail d'animation des cafards effectué par les Blue Sky Studios de Chris Wedge.

Bob l'éponge (personnage)

Tom Kenny doubleur original de Bob l'éponge

Bob l'éponge, ou Bob l'éponge carrée (SpongeBob SquarePants), est un personnage de la série télévisée d'animation du même nom. Il apparaît pour la première fois dans l'épisode intitulé Bienvenue à bord ! diffusé aux États-Unis le . Il est doublé dans la version originale par Tom Kenny et par Sébastien Desjours en français. Bob l'éponge a été conçu et réalisé par le biologiste et animateur Stephen Hillenburg peu après l'annulation à l'antenne de sa série Rocko's Modern Life en 1996. À cette époque, Hillenburg tente de créer une série télévisée mettant en scène une éponge très optimiste agaçant son entourage tout en se focalisant sur les idées de Laurel et Hardy et de Pee-Wee Herman. Son nom est dérivé d'une bande dessinée, intitulée The Intertidal Zone, dessinée en 1989 par Hillenburg lorsqu'il étudie au California Institute of the Arts.

Bob l'éponge est une petite éponge de mer naïve et maladroite employée en tant que cuisinier au Crabe Croustillant, un restaurant localisé dans une ville fictive, Bikini Bottom et sous la responsabilité du capitaine Krabs. Depuis sa création, le personnage a grandement gagné en popularité auprès des enfants et des adultes, malgré les nombreuses controverses dont il est l'objet.

Cartman a une sonde anale

Cartman a une sonde anale (Cartman Gets an Anal Probe en version originale) est le premier épisode et le pilote de la série animée South Park. Il a été diffusé pour la première fois sur la chaîne de télévision Comedy Central aux États-Unis le 13 août 1997.

L'épisode met en scène des enfants, Eric Cartman, Kyle Broflovski, Stan Marsh, Wendy Testaburger, et Kenny McCormick, qui tentent de sauver Ike, le petit frère de Kyle, qui est enlevé par des visiteurs.

Lors de la réalisation de l'épisode, les créateurs de South Park, Trey Parker et Matt Stone, n'avaient pas signé de contrat avec Comedy Central ; n'ayant donc aucun budget, ils utilisèrent la technique du stop motion avec du papier découpé. Parker a expliqué par la suite que la chaîne avait cédé face à la « pression » d'Internet, où les courts métrages réalisés par les deux hommes ont rencontré un franc succès. Cartman a une sonde anale est ainsi le seul épisode de South Park n'ayant pas eu recours à l'utilisation de l'informatique.

En réaction au tournant conservateur que connurent les États-Unis dans les années 1980-1990, South Park est délibérément provocateur. Une grande partie de l'humour de Cartman a une sonde anale provient de la juxtaposition de l'innocence d'un enfant et du comportement brutal présenté par les personnages adultes. Cet épisode a aussi recours au registre carnavalesque : il fait appel à l'humour, aux réactions physiologiques excessives et à des jeux de mots qui remettent en question les discours officiels et renversent les structures sociales…

Coquin de printemps

Coquin de printemps (Fun and Fancy Free) est le 12e long-métrage d'animation et le 9e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1947 et comportant quelques prises de vues réelles, il est composé de deux moyens-métrages : Bongo, roi du Cirque et Mickey et le Haricot Magique, présentés par Jiminy Cricket.

La première séquence, Bongo, roi du cirque, est tirée d'une histoire de Sinclair Lewis et est narrée par Dinah Shore. Celle de Mickey et le Haricot magique est quant à elle une adaptation du conte traditionnel Jack et le Haricot magique. Jiminy Cricket puis Edgar Bergen servent à introduire les histoires et à conclure le film. Ce dernier se finit lorsque le toit de la maison de Bergen est arraché par le géant.

Danny, le petit mouton noir

Danny, le petit mouton noir est le 14e long-métrage d'animation des studios Disney. Sorti en 1948 et mêlant animation et prises de vues réelles comme Mélodie du Sud (1946), il est basé sur le livre Midnight and Jeremiah (1943) de Sterling North.

Le film possède une histoire assez simple basée sur la nostalgie du début du XXe siècle, mettant en vedette un jeune garçon prénommé Jeremiah qui cherche à démontrer qu'un mouton noir est un véritable champion de concours. Malgré d'intéressants points techniques, tant du côté animation que cinématographique, le film reste peu connu. Son principal intérêt réside dans le fait qu'après Mélodie du Sud, il confirme la diversification des studios Disney dans le cinéma en prises de vues réelles.

Détective Conan

Détective Conan (名探偵コナン, Meitantei Konan?) est une série japonaise de mangas créée par Gōshō Aoyama. La série débute en 1994 avec une première publication dans le magazine hebdomadaire Weekly Shōnen Sunday, et recense 85 volumes commercialisés au Japon au . Les éditions Kana proposent une version française de 78 volumes au .

Le manga est adapté en série télévisée d'animation par les studios TMS Entertainment, anciennement Tokyo Movie Shinsha, et Yomiuri Telecasting Corporation. Cette adaptation animée, qui recense actuellement plus de 760 épisodes, est pour la première fois diffusée le sur le réseau japonais Nippon TV. En France, sur les 214 premiers épisodes licenciés, seuls 170 épisodes ont été diffusés sur plusieurs chaînes de télévision incluant Cartoon Network du jusqu'à fin 2007, France 3 dans l'émission France Truc le , et sur NT1 jusqu'en 2008. Mangas a également diffusé les trente premiers épisodes en version intégrale non censurée à partir du mais a arrêté la diffusion début .

Depuis sa toute première publication, Détective Conan se popularise et s'étend en tant que franchise proposée sur une multitude de supports (incluant films d'animation, OAV, adaptations live, jeux vidéo) et produits dérivés. De 1994 à mai 2012, le manga s'est vendu à plus de 140 millions d'exemplaires au Japon. En 2001, il remporte la 46e place du prix Shōgakukan dans la catégorie shōnen. Les critiques sont globalement positives grâce à la tournure et la qualité des intrigues et investigations.

Digimon

Modèle de virtual pet, distribué dans les marchés japonais par Bandai, qui a permis la popularisation de Digimon au Japon, et vendu à 13 millions d'unités dans le monde entier en mars 2004.

Digimon (デジモン, Dejimon?, parfois présentée sous le nom de Digimon: Digital Monsters, et écrite DIGIMON) est une franchise médiatique japonaise créée par Akiyoshi Hongō et distribuée par la société Bandai. Elle met en avant ses créatures numériques homonymes, habitantes du digimonde, un monde intégralement composé de données informatiques, parallèle au monde réel, et relié à distance à ce dernier par le biais de réseaux ou portails immatériels et de connexions Internet.

La franchise est initialement lancée en 1997 dans les marchés japonais avec la parution d'un virtual pet, un petit gadget électronique et vidéoludique conçu pour l'élevage et les combats entre animaux de compagnie virtuels. Ces derniers se présentent l'année suivante, en 1998, sous la forme d'un premier jeu vidéo intitulé Digital Monster Ver. S: Digimon Tamers sur console Sega Saturn. Un premier court-métrage paraît dans les salles de cinéma japonaises, une journée avant la diffusion télévisée en 1999 de Digimon Adventure, la première saison de l'anime issue d'une collaboration entre Bandai et Toei Animation. Digimon est diffusée différemment en Occident, avec tout d'abord l'exportation et la diffusion de la première saison, lancée et distribuée la même année par la société américaine Saban Entertainment. Cette saison popularise paradoxalement le virtual pet et les autres produits considérés comme dérivés sur ces continents. En 2012, Saban en acquiert les droits internationaux, à l'exception du Japon, après un total de six saisons déjà diffusées dans plus d'une soixantaine de pays.

Digimon est généralement bien accueillie à l'échelle internationale, en particulier dans les points de vente, chez les jeunes enfants, adolescents et adultes, et dans une grande partie de la presse spécialisée. Cependant, elle est critiquée pour son incitation à la consommation, et est régulièrement perçue par le public comme une simple imitation de sa franchise rivale Pokémon. Avec la parution du virtual pet, la diffusion d'une première saison et la commercialisation de divers produits dérivés — jeux vidéo, mangas, films d'animation, compilations musicales, magazines, jouets et cartes à jouer, entres autres — la franchise se répand aux quatre coins du monde, devenant ainsi un phénomène culturel et sociétal durant les années 2000. Sa popularité lui permet de mieux s'établir en grande surface, avec un chiffre total de ventes dépassant les 25,1 milliards de yens en mars 2002.

Digimon Racing

Digimon Racing (デジモンレーシング, Dejimon Rēshingu?) est un jeu vidéo de course développé par Griptonite Games et distribué par Bandai (actuellement Namco Bandai Games), commercialisé en 2004 sur Game Boy Advance. Partie intégrante de la série des jeux vidéo Digimon, ce jeu met en avant les éléments et les personnages de la franchise japonaise éponyme. Son système de jeu ressemble au plus haut point à celui d'un jeu de course classique, qui utilise à la fois les éléments du karting et des jeux vidéo d'action. Au total, onze personnages et quarante digivolutions sont disponibles.

Digimon Racing utilise le mode 7 et le doublage durant les courses. Le jeu a, pour la première fois, été annoncé à l'Electronic Entertainment Expo (E3) en 2003 et, plus tard, exposé à l'E3 de 2004. Il a été commercialisé le au Japon ; le 13 septembre en Amérique du Nord et le 30 avril en Europe (le 23 avril en France). Le jeu a été principalement bien accueilli dès sa sortie concernant son système de jeu, malgré, selon certains critiques, sa ressemblance avec le système de jeu des séries Crash Nitro Kart et Mario Kart.

Digimon Rumble Arena 2

Digimon Rumble Arena 2 (デジモンバトルクロニクル, Dejimon Batoru Kuronikuru?, originellement intitulé Digimon Battle Chronicle) est un jeu vidéo de combat et d'action développé et distribué par la branche commerciale Bandai Games. Le jeu a été développé par Black Ship Games et distribué par Bandai Games en Amérique du Nord et par Atari en Europe. Il a initialement été commercialisé en 2004 sur les trois « consoles 128 bits » : PlayStation 2, GameCube et Xbox.

Suite de Digimon Rumble Arena, commercialisé deux ans auparavant sur PlayStation en 2002, le jeu reprend le même principe que son prédécesseur : le joueur incarne un digimon et combat un ou plusieurs autres de ses semblables dans différentes arènes destructibles.

Digimon Rumble Arena 2 a été moyennement accueilli par l'ensemble des critiques.

Digimon World

Digimon World (デジモンワールド, Dejimon Wārudo?) est un jeu vidéo d'action-aventure, développé, distribué et édité par la société Bandai, initialement commercialisé en 1999 au Japon sur console PlayStation. Le jeu est par la suite adapté, et commercialisé en juillet 2000 en Amérique du Nord, puis en juillet 2001 sur le continent européen.

Digimon World inclut près de 200 créatures numériques appartenant à la franchise médiatique Digimon, créée en 1997 par Akiyoshi Hongo. Il s'agit du second jeu vidéo dérivé de la franchise, succédant Digital Monster Ver. S: Digimon Tamers, commercialisé en 1998 sur Sega Saturn. Le jeu est moyennement bien accueilli par l'ensemble de la presse spécialisée, qui la compare bien souvent aux premiers jeux vidéo de la franchise Pokémon. En février 2000, le jeu compte un total de 250 000 exemplaires vendus rien qu'au Japon.

Digimon World 2003

Digimon World 2003 (デジモンワールド3, Dejimon Wārudo 3?, originellement intitulé Digimon World 3 ou Digimon World 3: Aratanaru Bouken no Tobira) est un jeu vidéo de rôle, d'action et d'aventure, basé sur la franchise médiatique japonaise Digimon, développé par Bandai et édité par Atari sur console PlayStation. Partie intégrante de la série des jeux vidéo Digimon et troisième opus initial du jeu Digimon World, il a été initialement commercialisé le en Amérique du Nord puis le 4 juillet au Japon et le 29 novembre en Europe.

Le joueur incarne un enfant nommé Junior, accompagné au début du jeu par ses deux amis, Teddy et Ivy, voyageant dans un MMORPG de réalité virtuelle en ligne nommé Digimon Online, comptant plus de 200 000 joueurs et contrôlé par la corporation MAGAMI. Cependant, tous les joueurs, dont Junior, se retrouvent piégés dans le système interne du jeu à la suite d'une attaque terroriste sur Internet et Junior doit tenter de rétablir l'ordre à l'aide de ses trois partenaires digimon.

Uniquement commercialisé en Europe et en Australie sous le titre de Digimon World 2003, aucun changement n'a été effectué durant l'importation du jeu et celui-ci reprend exactement la même version que celle en japonais ; le titre a été logiquement renommé car son précédent opus, intitulé Digimon World 2, n'a jamais été commercialisé dans les marchés européens et australiens. Le jeu a été en moyenne faiblement accueilli par les critiques.

Donald Duck

Étoile de Donald sur le Walk of Fame, à Hollywood.

Donald Duck est un personnage de fiction développé, entre autres, par l’animateur Dick Lundy en 1934 pour le compte des studios Disney. Sa première apparition au cinéma a lieu le sous la forme d’un canard en costume de marin, dans le film Une petite poule avisée (The Wise Little Hen).

Ce canard grincheux et colérique sert au début de sa carrière cinématographique de contrepoint au gentil Mickey Mouse. Il devient rapidement héros de sa propre série de dessins animés, avant de connaître une extension exponentielle de son univers grâce à la bande dessinée sous la plume de grands scénaristes-dessinateurs américains et italiens, tels que Carl Barks ou Don Rosa. L’importance du personnage lui-même s’efface un peu devant les nombreux autres personnages créés dans l’univers des canards de Disney, qu’ils soient proches comme son oncle Balthazar Picsou ou plus éloignés comme Myster Mask.

Granpa

Peter Ustinov, interprète de Granpa.

Granpa est un film d'animation britannique sorti en 1989, adapté d'un livre de contes écrit en 1984 par John Burningham. Le film est d'abord diffusé sur Channel 4 puis il est distribué au format VHS par Universal Pictures.

Granpa est réalisé par Dianne Jackson, qui avait déjà adapté le Bonhomme de neige de Raymond Briggs en film d'animation. Il est illustré à la main et au crayon de couleur, afin d'imiter le style du livre de Burningham. Howard Blake compose la musique du film et écrit son script. Les voix de Granpa et d'Emily sont respectivement celles de Peter Ustinov et Emily Osborne.

Coûteux à produire, Granpa remporte le Prix Jeunesse International pour l'excellence de la programmation télévisuelle pour enfants en 1990.

Homer contre New York

La Statue de la Liberté est représentée dans cet épisode

Homer contre New York (en version québécoise et française, ou The City of New York vs. Homer Simpson en version originale) est le premier épisode de la neuvième saison de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il est diffusé pour la première fois aux États-Unis le sur le réseau de la Fox. Dans cet épisode, la famille Simpson part pour Manhattan afin de récupérer la voiture familiale, abandonnée par Barney Gumble aux abords du complexe du World Trade Center. Arrivée à New York, la famille visite la ville pendant que Homer attend à proximité de sa voiture l'arrivée d'un agent qui lui enlèvera le sabot immobilisant le véhicule. Ratant l'agent chargé de débloquer sa voiture, il décide de rouler avec le sabot et, réussissant finalement à l'ôter de la roue, roulera dans Central Park afin d'y retrouver sa famille et quitter la ville.

Le scénariste Ian Maxtone-Graham est intéressé par l'idée de faire un épisode dans lequel la famille Simpson voyagerait dans la ville de New York afin d'y récupérer sa voiture. Les producteurs Bill Oakley et Josh Weinstein suggèrent à l'auteur que l'histoire se déroule aux alentours du World Trade Center, symbole mondialement connu de la ville. Du fait de la volonté de réaliser une réplique fidèle de la ville, la réalisation de l'épisode a pris beaucoup plus de temps que celle d'un épisode classique. Après sa diffusion, l'épisode reçoit des critiques globalement positives, et est classé par certains médias parmi les meilleurs épisodes des Simpson. Après les attentats du 11 septembre 2001, l'épisode a été temporairement retiré du circuit de distribution et de diffusion.

Homer Simpson

Homer Simpson est le principal personnage fictif de la série animée télévisée Les Simpson et le père de la famille éponyme. Il est apparu pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrage Good Night, le 19 avril 1987. Homer a été créé par le dessinateur Matt Groening, qui l'a nommé d'après son père, Homer Groening.

Homer est le père de la famille Simpson. Avec sa femme, Marge, ils ont trois enfants : Bart, Lisa et Maggie. Il travaille à la centrale nucléaire de Springfield et incarne le stéréotype américain de la classe ouvrière ; il est vulgaire, en surpoids, incompétent, maladroit, paresseux, ignorant mais est cependant dévoué à sa famille.

Homer va à la fac

Homer va à la fac (Homer Goes to College) est le 3e épisode de la saison 5 de la série télévisée d’animation Les Simpson. Il a été pour la première fois diffusé aux États-Unis sur la Fox le et en France sur France 3 le . Dans cet épisode, il est révélé qu’Homer n’a pas de diplôme, et il est envoyé à l’Université de Springfield pour obtenir un diplôme de physique nucléaire. Homer, qui ne connaît l’université que par le biais de mauvaises comédies, fait le pitre et est mis sous le tutorat d’un groupe de garçons. Ces garçons, qui sont le stéréotype même du nerd, tentent d’aider Homer, mais celui-ci préfère leur apprendre à faire la fête et décide de faire une blague à une université concurrente. Ils volent la mascotte de Springfield A&M, mais ses amis sont pris sur le fait et expulsés. Homer les invite à vivre chez lui, mais sa famille ne supporte rapidement plus ces nouveaux colocataires.

Homer va à la fac a été réalisé par Jim Reardon et est le dernier épisode écrit par Conan O’Brien seul. O’Brien a quitté la série au cours de la production de la saison pour animer sa propre émission, Late Night with Conan O’Brien. Il travaillait sur cet épisode quand il a été informé qu’il avait reçu ce poste et a été forcé de rompre son contrat. Le concept de l’épisode est que Homer tente d’obtenir son diplôme universitaire, mais fonde toute sa connaissance de l’université sur de « mauvais films dérivés d’American College »…

Jungle Jack

Vue sur une rivière dans la forêt amazonienne. Le film raconte l'histoire d'un animal rare et inconnu jusqu'alors, Jungle Jack, qui est enlevé de sa foret et se retrouve au cœur de la ville.

Jungle Jack (Jungledyret ou Jungledyret Hugo) est un film d'animation danois réalisé par Stefan Fjeldmark et Flemming Quist Møller, sorti en décembre 1993 au Danemark. Ce film est surtout connu pour être le premier de la société de production A. Film A/S, fondé en partie par le réalisateur Stefan Fjeldmark et le producteur Anders Mastrup en 1988.

Tiré du livre pour enfants de Flemming Quist Møller, sorti en 1988, Jungle Jack a obtenu un grand succès dans son pays d'origine. Il est aussi le précurseur de l'arrivée du cinéma d'animation danois sur la scène internationale qui verra aussi des films comme Gloups ! je suis un poisson ou Astérix et les Vikings, eux aussi produits par A. Film A/S. D'autre part, le film est le premier volet d'une trilogie sur le personnage de Jungle Jack : le second volet sort trois ans plus tard, en 1996, et il faut attendre 2007 avant que le troisième volet ne sorte, ce dernier étant réalisé en image de synthèse contrairement aux deux premiers de la franchise. Le personnage a également connu une adaptation en série télévisée en 2003, qui a servi de transition entre les second et troisième volets.

Le film est aussi l'occasion à certains membres de l'équipe du film de se faire connaître. Stefan Fjeldmark réalise son premier long métrage avec Jungle Jack ; de même, la jeune chanteuse Kaya Brüel se faire connaître du grand public à travers son rôle de Rita.

Jungle Jack est considéré comme un film culte du paysage cinématographique danois.

Kang et Kodos

Harry Shearer, voix américaine de Kang.

Kang et Kodos sont deux personnages fictifs non-canoniques de la série télévisée d'animation Les Simpson. Ils sont respectivement doublés par Harry Shearer et Dan Castellaneta dans la version originale. En France, Xavier Fagnon prête sa voix à Kang depuis la vingt-troisième saison en remplacement de Gérard Rinaldi, lui-même remplaçant de Michel Modo depuis la dix-neuvième saison. Kodos est quant à elle doublée par Pierre Laurent depuis la dixième saison, en remplacement de Patrick Guillemin. Ce sont des extraterrestres frère et sœur provenant de la planète Rigel IV qui apparaissent plus particulièrement dans les épisodes Horror Show de la série. Le duo fait son entrée dans au moins un segment des vingt-trois Horror Shows. Ces apparitions sont soit au centre de l'intrigue de la partie de l'épisode, soit en un bref caméo. Kang et Kodos sont souvent déterminés à conquérir la Terre et sont généralement en train de travailler sur de sinistres stratégies afin d'envahir la planète et d'assujettir l'humanité.

Ils sont présentés pour la première fois dans l'épisode de la deuxième saison, Simpson's Horror Show. Les premiers dessins de Kang et Kodos proviennent des scénaristes Jay Kogen et Wallace Wolodarsky. Le design final est basé sur la couverture d'un numéro d'EC Comics. Les deux Rigéliens ont quelques caméos dans des épisodes normaux et sont des ennemis dans plusieurs jeux vidéo des Simpson.

Kirikou et la Sorcière

Youssou N'Dour (ici en 2010), compositeur de la musique du film.

Kirikou et la Sorcière est un long métrage d'animation franco-belgo-luxembourgeois réalisé par Michel Ocelot et sorti en 1998. Adapté d'un conte africain, le film raconte les aventures de Kirikou, un garçon minuscule mais à l'intelligence et à la générosité hors du commun, dans sa lutte contre la sorcière Karaba, qui tyrannise les habitants du village à l'aide de ses pouvoirs maléfiques et d'une armée de fétiches. Par son scénario, ses graphismes, sa musique et ses doublages, Kirikou s'inspire au plus près des cultures de l'Afrique de l'Ouest.

Premier long-métrage de Michel Ocelot, Kirikou et la Sorcière remporte un succès critique et commercial inattendu, avec près d'un million d'entrées au cours de sa première exploitation en France. Ce succès exerce une influence très positive sur le développement du marché de l'animation en France et sur le financement d'autres longs-métrages animés dans le pays au cours des années suivantes.

Kirikou et la Sorcière a été suivi d'un deuxième film, Kirikou et les Bêtes sauvages, sorti en 2005, qui raconte d'autres aventures de Kirikou prenant place pendant les événements du premier film ; un troisième film sur le même principe est en projet pour une sortie fin 2012. Le personnage de Kirikou a également été décliné sur d'autres supports (livres pour la jeunesse, jeu vidéo, documentaire).

Krusty le clown

L'entrée du Simpsons Ride à l'Universal Studios Florida à Orlando, à l'effigie de Krusty le clown.

Krusty le clown, nom de scène de Herschel Schmoikel Pinchas Yerucham Krustofski, est un personnage fictif de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il est doublé en version originale par Dan Castellaneta et en français par Michel Modo jusqu'à la dix-neuvième saison, par Gérard Rinaldi jusqu'à la vingt-deuxième et par Xavier Fagnon depuis. Au Québec, Marc Labrèche lui prête sa voix jusqu'en 2008Gilbert Lachance lui succède. Il apparaît pour la première fois dans le court métrage diffusé pendant le Tracey Ullman Show, le , The Krusty the Clown Show. Ce clown est l'animateur de l'émission de télévision préférée de Bart et Lisa, une combinaison de pitreries pour enfants et de dessins animés, dont Itchy et Scratchy. Krusty est toujours dépeint comme un fumeur toxicomane, cynique et déprimé, épuisé par une industrie du spectacle qu'il n'abandonne pourtant pas. Il est l'un des personnages les plus réguliers de la série en-dehors de la famille Simpson et il est l'objet principal de plusieurs épisodes, dont la plupart concernent également Bart.

Krusty est créé par le dessinateur Matt Groening et partiellement inspiré par Rusty Nails, un clown de télévision de la ville natale de Groening, Portland dans l'Oregon. Il est dessiné de manière à ressembler à Homer Simpson avec un maquillage de clown, dans le but premier de faire que Bart adore un clown de télévision qui ressemble à son propre père. Sa voix originale s'inspire de Bob Bell, qui interprétait Bozo le clown sur WGN-TV.

Kwik-E-Mart

Magasin 7-Eleven transformé en Kwik-E-Mart à Seattle.

Kwik-E-Mart est une chaîne fictive d'épiceries dans la série télévisée d'animation Les Simpson. C'est une parodie des chaînes d'épiceries américaines, telles que 7-Eleven et Circle K, qui met en scène nombre de leurs stéréotypes. Kwik-E Mart est connu pour ses prix élevés et pour la faible qualité de ses produits. Le gérant de la succursale de Springfield, ville fictive où se déroule l'action des Simpson, est un Indien, Apu Nahasapeemapetilon. L'épicerie est apparue pour la première fois au cours de l'épisode Bart a perdu la tête (France) / Bart, Chasseur de tête (Québec) et fait, depuis, partie des lieux récurrents de la série.

En juillet 2007, onze magasins 7-Eleven situés aux États-Unis et au Canada ont été transformés en Kwik-E-Marts dans le cadre de la promotion du film centré sur la série. Pendant une durée limitée, 7-Eleven proposait également des produits sur le thème des Simpson dans de nombreux magasins, dont des Squishees, du Buzz Cola, des donuts ou des céréales Krusty-O's. Également en 2007, des boutiques de cadeaux façonnées d'après la chaîne Kwik-E-Mart ont ouvert à Universal Studios Florida et Universal Studios Hollywood, aux côtés de l'attraction The Simpsons Ride.

La Boîte à musique

La Boîte à musique est le 10e long-métrage d’animation et le 8e « Classique d’animation » des studios Disney. Sorti en 1946, ce film est une compilation de dix courts métrages musicaux, chantés par des artistes de l’époque. C’est la troisième compilation de courts métrages d’animation produite par le studio durant les années 1940, après Saludos Amigos en 1942 et Les Trois Caballeros en 1944.

Alors que les deux compilations précédents sont des mélanges d’animation et de prise de vue réelles basés sur le thème du voyage en Amérique du Sud, La Boîte à Musique reprend le principe de Fantasia (1940) : une exploration musicale et graphique à travers des séquences réalisées uniquement en animation. Cependant, à la différence de Fantasia, les compositions musicales sont plus variées, comprenant, outre de la musique classique, de la musique populaire avec notamment du jazz et du swing. Par ailleurs, les séquences mettent en scène des histoires plus fortement liées à la culture américaine que Fantasia, exception faite du conte russe Pierre et le Loup.

L’accueil du film est assez mitigé. Cette troisième compilation renforce la dissociation entre les premiers longs métrages, considérés par beaucoup comme des chefs-d’œuvre, et une période artistiquement moins glorieuse pour le studio, qui s’achèvera avec la sortie, en 1950, de Cendrillon.

La Reine des neiges (film, 2013)

Cosplays d'Elsa et d'Anna à Disneyland.

La Reine des neiges (Frozen en anglais) est le 127e long-métrage d'animation et le 53e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 2013, il est librement inspiré du conte éponyme de Hans Christian Andersen publié en 1844. Il raconte l'histoire de l'optimiste et intrépide princesse Anna, partie en voyage aux côtés de Kristoff le montagnard, de Sven, son fidèle renne, et d'un drôle de bonhomme de neige nommé Olaf, afin de retrouver sa sœur, Elsa, exilée à cause de ses pouvoirs glacials, qui a accidentellement plongé le royaume d'Arendelle dans un hiver éternel.

Pendant plusieurs années de réflexion et de tentatives d'adaptation avortées, plusieurs intrigues différentes ont été imaginées pour mettre en scène La Reine des neiges. Le film est définitivement commandé en 2011 avec un scénario écrit par Jennifer Lee, également co-réalisatrice avec Chris Buck, et les voix d'Idina Menzel, Kristen Bell, Jonathan Groff, Josh Gad et Santino Fontana (respectivement doublés en français par Anaïs Delva, Emmylou Homs, Donald Reignoux, Dany Boon et Guillaume Beaujolais). Les chansons ont été composées et écrites par Kristen Anderson-Lopez et Robert Lopez ; la musique orchestrale par Christophe Beck (Paperman). Le film a reçu un accueil critique plutôt positif et connu un grand succès. Certaines critiques considèrent La Reine des neiges comme le meilleur film d'animation musical de Disney depuis l'ère de la Renaissance Disney. Il est devenu le plus grand succès de tous les temps pour un film d'animation en dépassant contre toute attente le milliard de dollars de recettes de Toy Story 3. Le film a été largement récompensé, notamment comme meilleur film d'animation aux Annie Awards 2014, aux Oscars du cinéma 2014 et aux Golden Globes 2014. Idina Menzel a également été saluée pour la chanson Let It Go (Libérée, délivrée).

Lac Terreur

Lac Terreur (France) ou Le Cap de la peur (Québec) – en anglais Cape Feare – est le 2e épisode de la saison 5 de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il a tout d'abord été diffusé sur la Fox aux États-Unis le 7 octobre 1993 puis en France le 18 septembre 1994, et a depuis été intégré à des DVD et VHS. Écrit par Jon Vitti et réalisé par Rich Moore, Lac Terreur met en scène le retour de Kelsey Grammer dans le rôle de Tahiti Bob (Sideshow Bob en version québécoise), qui tente de tuer Bart Simpson après être sorti de prison. Le titre original Cape Feare parodie le titre du film Les Nerfs à vif de 1962 (au titre original Cape Fear) et son remake de 1991, et l'épisode fait allusion à d'autres films d'épouvante comme Psychose.

L'idée de l'épisode vient de Wallace Wolodarsky, qui voulait parodier Les Nerfs à vif. À l'origine produit pour la saison 4, l'épisode a été conservé pour la cinquième et est de fait le dernier épisode produit par l'équipe d'auteurs originale, la plupart ayant quitté la série entre les deux saisons. L'équipe de production a eu du mal à faire atteindre à l'épisode la durée classique d'une demi-heure, et a de fait gonflé certaines scènes. Dans l'une de ces séquences, Tahiti Bob marche sans arrêt sur des râteaux dont les manches le tapent au visage ; la scène est devenue l'un des moments les plus mémorables de la série. L'épisode est souvent considéré comme l'un des meilleurs du programme et a été proposé aux Emmy Awards pour sa bande originale.

L'Apprentie sorcière

Angela Lansbury en 1957.

L'Apprentie sorcière (Bedknobs and Broomsticks) est un film de Robert Stevenson, et le 26e long-métrage d'animation produit par les studios Disney, distribué par Buena Vista Distribution Company et sorti le 13 décembre 1971 en Amérique du Nord. Mêlant animation et prises de vues réelles, comme Mary Poppins (1964), ce film est adapté des romans de l'écrivain anglaise Mary Norton The Magic Bed Knob or How to Become a Witch in Ten Easy Lessons (1943) et Bonfires and Broomsticks (1947). Les personnages principaux sont interprétés par Angela Lansbury et David Tomlinson.

Le film est souvent comparé à Mary Poppins de par leurs nombreuses ressemblances, mais L'Apprentie sorcière est loin d'égaler son prédécesseur. Parmi les raisons du faible succès tant critique que financier, beaucoup d'auteurs évoquent l'absence de Walt Disney, mort cinq ans avant la sortie du film. Le studio semble dans l'attente d'un nouveau souffle depuis le départ de son fondateur, tandis que les animateurs et équipes techniques reproduisent une même recette. Certains auteurs notent quelques changements principalement associés à l'évolution de la société américaine comme la morale du film ou la représentation de la femme. Le film est aussi notable pour être la dernière participation des frères Sherman à une production Disney, après dix ans de collaboration.

Laugh-O-Gram

Les studios avant des rénovations en 2004

Le Laugh-O-Gram Studio, ou la société Laugh-O-Gram Films Inc, est le nom du premier studio d’animation fondé par Walt Disney, en 1922 à Kansas City dans le Missouri, alors qu’il avait 21 ans.

Le studio et ses productions nommées Laugh-O-Grams marquent la première tentative de Disney de se lancer à son compte dans le monde du cinéma et de l’animation en particulier. Il fonde son studio dans la ville de Kansas City, loin de New York, alors capitale de l’animation, ou d’Hollywood, capitale du film en pleine croissance. Débordant d’enthousiasme mais inexpérimenté dans la gestion d’entreprise, il s’entoure de futurs grands noms de l’animation. Parmi ses employés, on retrouve Iwerks, Hugh Harman, Rudolf Ising, Carman Maxwell et Friz Freleng.

Le studio fait faillite un an après sa création mais contient déjà les racines des futurs succès de Disney.

Le Crapaud et le Maître d'école

Le Crapaud et le Maître d'école ou Contes d'automne et de printemps au Québec est le 15e long-métrage d'animation et le 11e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1949, il est composé de deux moyens-métrages : La Mare aux grenouilles et La Légende de la Vallée endormie (Le Fantôme du cavalier au Québec), inspirés respectivement du roman Le Vent dans les saules (1908) de Kenneth Grahame et de Sleepy Hollow, la légende du cavalier sans tête (1919) de Washington Irving.

Le film présente les histoires de deux personnages fabuleux de la littérature anglo-saxonne. Le film est surtout connu comme étant la dernière des compilations du studio Disney produites durant les années 1940 avant la sortie en 1950 de Cendrillon. Malgré son manque de reconnaissance, la première séquence de ce film sert de base à une attraction d'un parc Disney et plusieurs des personnages ont été réutilisés dans d'autres productions.

Le Dragon récalcitrant

Le Dragon récalcitrant (The Reluctant Dragon) est le 4e long-métrage d’animation des studios Disney. Sorti en 1941, il est inspiré en partie du roman pour enfants homonyme de Kenneth Grahame, publié en 1898. C’est le premier long-métrage Disney comportant un mélange d’animation et de prises de vues réelles, si l’on excepte les séquences intermédiaires de Fantasia (1940). De ce fait, il n’est pas considéré comme un « Classique Disney ».

Malgré ce mélange, ce film est d’une grande importance car il présente l’envers du décor du studio Disney et, à la manière d’un documentaire, explique aux spectateurs le processus de création dans l’animation. À ce titre, il est un témoignage inestimable sur le studio Disney.

Le Laboratoire de Dexter

Homme caucasien brun portant des lunettes devant un micro.

Le Laboratoire de Dexter (en version originale : Dexter's Laboratory, abrégé en Dexter's Lab) est une série d'animation américaine créée par Genndy Tartakovsky, produite par Cartoon Network Studios et initialement diffusée aux États-Unis sur la chaîne de télévision Cartoon Network entre le et le . La série met en scène un jeune garçon surdoué nommé Dexter, créateur et détenteur d'un laboratoire secret composé d'un très grand nombre d'inventions. Il est constamment harcelé par sa grande sœur Dee Dee qui arrive toujours à accéder à son laboratoire, ainsi que par son voisin et ennemi juré Mandark. Les deux premières saisons de la série se constituent de trois segments épisodiques : le premier étant Le Laboratoire de Dexter, qui se base sur l'univers du jeune prodige et scientifique Dexter, le second Momo le singe, mettant en scène les exploits du singe superhéros et cobaye de Dexter, et le troisième Les Frères Justice, se basant sur un trio de superhéros locataires d'un même appartement.

Tartakovsky, créateur et concepteur de la série, réalise son tout premier court-métrage, inspiré d'un projet qu'il avait réalisé durant ses études à la CalArts, plus tard diffusé dans l'émission innovatrice des studios Hanna-Barbera originellement intitulée World Premiere Toons. Trois courts-métrages sont réalisés entre 1995 et 1996 puis, à la suite de leur franc succès et d'une audience de plus en plus grandissante, une première saison composée de treize épisodes est produite. Dès 1999, la série compte un total de 52 épisodes et un téléfilm d'animation. Par la suite, la chaîne relance l'émission en 2001, cette fois réalisée par une équipe de production différente ; la série s'achève en 2003.

La série d'animation devient rapidement l'une des séries originales les plus populaires de la chaîne Cartoon Network. Elle est positivement accueillie par l'ensemble des critiques, des rédactions, et de l'audience générale. Durant sa diffusion, la série est proposée pour quatre Primetime Emmy Awards, quatre Golden Reel Awards, et neuf Annie Awards, et récompensée de trois Annie Awards. La série est également notable pour avoir su lancer la carrière de cartoonistes tels que Craig McCracken (Les Supers Nanas, Foster, la maison des amis imaginaires et Wander Over Yonder), Seth MacFarlane (Les Griffin, American Dad! et The Cleveland Show), Butch Hartman (Mes parrains sont magiques, Danny Fantôme et TUFF Puppy), et Rob Renzetti (Jenny Robot). Plusieurs médias et produits ont été inspirés de la série, créant ainsi une franchise, incluant une série de comic books, des DVD et cassettes vidéo, des albums musicaux, des jouets, des figurines, et des jeux vidéo, entres autres.

Le Quatuor d'Homer

Le Quatuor d'Homer (Homer Chante en harmonie en version québécoise, Homer's Barbershop Quartet en version originale) est le premier épisode de la saison 5 des Simpson. Écrit par Jeff Martin et réalisé par Mark Kirkland, l'épisode met en scène les Bémols (Si Dièse en version québécoise, The Be Sharps dans la version originale), un quatuor barbershop fondé par Homer Simpson, dont l'histoire est très proche de celle des Beatles. George Harrison et David Crosby apparaissent dans leur propre rôle, et le quatuor barbershop américain des Dapper Dans joue le rôle des Bémols lorsqu'ils chantent.

L'épisode commence lorsque la famille Simpson se rend au marché aux puces. Bart et sa sœur Lisa découvrent une photo de leur père, Homer, sur la couverture d'un vieux disque LP. Homer explique à sa famille que le principal Skinner, Barney Gumble, Apu Nahasapeemapetilon et lui avaient enregistré un album de barbershop en 1985 qui avait rencontré un succès national. Il raconte la formation du groupe, son apogée et sa séparation. À la fin de l'épisode, les membres du groupe se réunissent pour un concert sur le toit de la Taverne de Moe et interprètent leur hit Baby on Board.

L'épisode contient de nombreuses références aux Beatles et à d'autres icônes de la culture populaire. Lors de sa première diffusion aux États-Unis, Le Quatuor d'Homer est arrivé trentième audience de la semaine, avec une note de 12,7 sur l'échelle de Nielsen. Le caméo des Beatles a été salué, même si l'épisode est une chute de la saison précédente. Les critiques qui ont reproché à l'épisode son humour inégal l'ont justifié par le changement de scénaristes avant la création de celui-ci.

Les Simpson, le film

Donut géant à Springfield, en Nouvelle-Zélande.

Les Simpson, le film (The Simpsons Movie) est un long métrage d'animation américain de David Silverman, adapté de la série télévisée animée Les Simpson, sorti le 27 juillet 2007 dans la majeure partie du monde, la date de sortie ayant été avancée au 25 juillet 2007 dans certains pays d'Europe.

Les tentatives précédentes de créer un film sur Les Simpson ont échoué en raison de l'absence d'un script d'une longueur appropriée et des membres de l'équipe de production. Finalement, les producteurs James L. Brooks, Matt Groening, Al Jean, Mike Scully, et Richard Sakai ont commencé le développement du film en 2001. Une équipe de rédaction, composée de Scully, Jean, Brooks, Groening, George Meyer, David Mirkin, Mike Reiss, John Swartzwelder, Jon Vitti, Ian Maxtone-Graham et Matt Selman, a été réunie. Ils ont imaginé de nombreux scénarios, celui de Groening étant celui retenu pour le film. Le scénario a été réécrit plus d'une centaine de fois, et cela a continué après que l'animation a débuté, en 2006. Des heures entières ont donc été coupées, dont les rôles de caméo d'Erin Brockovich, Minnie Driver, Isla Fisher, Kelsey Grammer, et Edward Norton. Tom Hanks et Green Day sont tout de même apparus dans la version finale du film en tant qu'eux-mêmes...

Les Simpson, le jeu

Matt Selman, le scénariste principal du jeu.

Les Simpson, le jeu est un jeu vidéo d'action et de plates-formes développé, édité et distribué par Electronic Arts, commercialisé sur consoles PlayStation 2, PlayStation 3, PlayStation Portable, Xbox 360, Nintendo DS et Wii. Basé sur l'univers de la série télévisée d'animation Les Simpson, ainsi que sur le film du même nom, le jeu est commercialisé en Amérique du Nord en octobre 2007 et dans le reste du monde le mois suivant. Le jeu présente une histoire inédite rédigée par trois des scénaristes de la série : Tim Long, Matt Selman et Matt Warburton. Dans cette histoire, la famille Simpson découvre sa participation à un nouveau jeu vidéo des Simpson. Le jeu, comme la série, parodie des éléments de la culture populaire, des autres jeux vidéo, ainsi que son éditeur, Electronic Arts.

Dans Les Simpson, le jeu, les cinq membres de la famille Simpson — Homer, Marge et Maggie, Bart et Lisa — apprennent qu'ils font partie d'un jeu vidéo et qu'ils sont dotés de super-pouvoirs les aidant à résoudre plusieurs problèmes. À la fin, ils doivent sauver leurs prédécesseurs 8-bits de Will Wright et de leur propre créateur, Matt Groening. La famille Simpson voyage à travers quatre scénarios et seize niveaux parodiant d'autres jeux afin de collectionner des cartes clés utilisées pour infiltrer le manoir de leur créateur et sauver leurs prédécesseurs de la destruction.

Les Simpson, le jeu est accueilli de manière mitigée à positive par l'ensemble des critiques et rédactions. Ces dernières louent la qualité des graphismes et du scénario, qui incluent de nombreuses parodies d'autres jeux vidéo, mais déplorent la courte durée du jeu et la pauvreté du système de caméras virtuelles, qui ne fonctionne pas toujours de manière optimale. Les Simpson, le jeu est récompensé dans la catégorie du meilleur jeu vidéo basé sur un film ou une série télévisée à la cérémonie des Spike Video Game Awards de 2007, et nommé pour le meilleur scénario vidéoludique à la cérémonie des Writers Guild of America Awards. Le 9 novembre 2013, 6,78 millions d'exemplaires du jeu, tous supports confondus, ont été vendus à travers le monde.

Les Supers Nanas (série télévisée d'animation, 1998)

Les Supers Nanas (The Powerpuff Girls) est une série d'animation américaine créée par Craig McCracken, produite par Cartoon Network Studios et initialement diffusée aux États-Unis sur Cartoon Network du au .

La série se centre sur les aventures de Belle, Bulle et Rebelle, trois super-héroïnes à l'apparence de petites filles, et de leur créateur, un éminent scientifique du nom de professeur Utonium, résidents dans la ville fictive de Townsville. Les filles sont généralement appelées par le maire de la ville pour combattre divers monstres et antagonistes.

McCracken, animateur et créateur de la série, développe le concept et l'origine des Supers Nanas en 1992 dans un court-métrage d'animation intitulé Whoopass Stew! The Whoopass Girls in: A Sticky Situation durant sa seconde année d'étude au CalArts. Après avoir effectué un changement mineur dans le titre, la chaîne Cartoon Network diffuse le tout premier épisode des Supers Nanas dans un programme nommé World Premiere Toons en 1995 et en 1996 sous le label de Cartoon Cartoon. Un total de 6 saisons et de 78 épisodes ont été diffusés, dont deux courts-métrages : un épisode spécial Noël et un épisode spécial fêtant les dix ans d'existence de la série. Cartoon Network a confirmé qu'une nouvelle version de la série est en cours de production et sera diffusée pour 2016.

La série est positivement accueillie par l'ensemble des critiques et rédactions. Elle a été nommée neuf fois aux Annie Awards, six fois aux Emmy Awards et une fois aux Kids' Choice Awards ; au total, la série originale a été récompensée quatre fois. Plusieurs médias et produits ont été inspirés de la série, créant ainsi une franchise, incluant un film, un anime, trois albums, une collection de cassettes vidéo et de DVD, et une série de jeux vidéo, parmi tant d'autres.

Les Trois Caballeros

Les Trois Caballeros est le 9e long-métrage d'animation et le 7e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1944 et mêlant animation et prises de vues réelles, le film reprend plusieurs personnages de Saludos Amigos (1942).

Dans ce film, l'anniversaire de Donald Duck sert de prétexte pour découvrir les pays d'Amérique latine non visités dans Saludos Amigos et pour retrouver José Carioca le perroquet brésilien puis de découvrir le Mexique avec le coq Panchito Pistoles. Plusieurs thèmes sont abordés dont les traditions et danses locales.

Comme son prédécesseur le film mêle animation et prise de vue réelle. Techniquement le film repousse les limites précédemment établies et fait usage du procédé Technicolor. Parmi les acteurs filmés aux côtés des personnages d'animation, on retrouve trois vedettes sud-américaines et mexicaines de l'époque. Cette présence et ce qui est à l'origine une volonté de divertissement lié à la personnalité supposée de Donald, a provoqué de nombreuses réactions sur le caractère sexuel du film.

Lisa la végétarienne

Lisa la végétarienne (en version québécoise et française, ou Lisa the Vegetarian en version originale) est le cinquième épisode de la saison 7 de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il est diffusé pour la première fois sur le réseau Fox aux États-Unis le . Dans l'épisode, Lisa décide d'arrêter de consommer de la viande après s'être prise d'affection pour un agneau dans un petit zoo. Ses camarades de classe et sa famille ne la prennent alors pas au sérieux mais, après avoir reçu le soutien d'Apu ainsi que de Paul et Linda McCartney, elle décide de devenir végétarienne.

Réalisé par Mark Kirkland, Lisa la végétarienne est le premier épisode de la série complètement écrit par David X. Cohen. David Mirkin, le show runner de l'époque, apporte son soutien à l'épisode, car il vient de devenir végétarien lui-même. L'ancien membre des Beatles Paul McCartney et sa femme d'alors, Linda, font office de guest stars dans l'épisode. La condition pour que Paul McCartney apparaisse dans Lisa la végétarienne est que Lisa reste végétarienne pour le reste de la série. L'épisode fait plusieurs références à sa carrière musicale, et son titre Maybe I'm Amazed est joué au cours du générique.

Lisa la végétarienne termine à la 47e place des audiences de la semaine du 9 au 15 octobre 1995, avec un score sur l'échelle de Nielsen de 9,03, l'équivalent d'environ 8,63 millions de ménages ayant vu l'épisode. L'épisode est le quatrième programme le mieux classé de la semaine sur le réseau Fox. Dans l'ensemble, l'épisode reçoit des critiques positives, et il remporte deux récompenses, un Environmental Media Award et un Genesis Award, pour avoir mis en lumière des causes environnementales et animales.

Lisa Simpson

Lisa Simpson est un personnage fictif de la série animée télévisée Les Simpson, enfant cadette de la famille du même nom. Elle est doublée par Yeardley Smith dans la version originale, Aurélia Bruno dans la version française et Lisette Dufour en québécois. Lisa est apparue pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrage Good Night, le 19 avril 1987. Elle a été créée par le dessinateur Matt Groening, à qui il avait été fait appel pour lancer une série de courts métrages basée sur Life in Hell, mais celui-ci a décidé de créer un nouvel ensemble de personnages. Il a nommé Lisa Simpson d'après sa petite sœur, Lisa Groening. Après avoir fait l'objet de courts métrages durant trois ans, la famille Simpson a eu droit à sa propre série sur le réseau Fox dès le 17 décembre 1989.

Âgée de huit ans, Lisa est l'enfant cadette de la famille Simpson, fille aînée de Marge et Homer, petite sœur de Bart et grande sœur de Maggie. Elle est extrêmement intelligente, joue du saxophone, est végétarienne depuis la saison sept, bouddhiste depuis la saison treize et soutient de nombreuses causes. Elle est apparue dans d'autres médias sur le thème des Simpson, dont les jeux vidéo, le film, The Simpsons Ride, les publicités et les bandes dessinées, et a inspiré toute une gamme de produits dérivés...

Maggie Simpson

Margaret Simpson, dite « Maggie », est un personnage fictif de la série animée télévisée Les Simpson et fait partie de la famille du même nom. Elle est apparue pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrage Good Night, le 19 avril 1987. Maggie a été créée par le dessinateur Matt Groening, qui l'a nommée d'après sa plus petite sœur. Après avoir fait l'objet de courts métrages durant trois ans, la famille Simpson a eu droit à sa propre série sur le réseau Fox dès le 17 décembre 1989, Maggie restant un personnage important de la série.

Maggie est la plus jeune enfant de Marge et Homer et la sœur de Bart et Lisa. Elle est souvent vue en suçant sa tétine et il lui arrive de trébucher sur ses vêtements alors qu'elle essaye de marcher.

Marge Simpson

Marge Simpson est un personnage fictif de la série animée télévisée Les Simpson et fait partie de la famille éponyme. Elle est apparue pour la première fois à la télévision avec le reste de la famille dans le court métrage Good Night, le 19 avril 1987. Marge a été créée par le dessinateur Matt Groening, qui l'a nommée d'après sa mère, Margaret Groening.

Marge est la mère bien intentionnée et très patiente de la famille Simpson. Avec son mari, Homer, elle a trois enfants : Bart, Lisa et Maggie. Marge est la force moralisatrice de sa famille et essaie souvent de maintenir l'ordre dans la maison des Simpson. Elle est présentée comme le stéréotype télévisé de la mère au foyer et est souvent présente dans les listes des meilleures mères de télévision.

Matt Groening

Portrait d'un homme avec des lunettes et aux cheveux gris mi-longs devant un micro

Matthew Abram Groening (né le à Portland, Oregon) est un dessinateur, scénariste et producteur de télévision américain. Il est le créateur du comic strip Life in Hell et des séries télévisées d'animation Les Simpson et Futurama.

Matt Groening débute dans le milieu professionnel avec Life in Hell, publié dans le magazine Wet dès 1978, et qui est toujours présent dans deux cent cinquante revues hebdomadaires. Life in Hell attire l'attention du cinéaste James L. Brooks, qui contacte Matt Groening en 1985 pour lui proposer de travailler pour l'émission The Tracey Ullman Show, diffusée sur la Fox. Initialement, Brooks voulait que Groening adapte l'univers de Life in Hell à la télévision. Cependant, craignant de perdre ses droits de publication, Groening décide de créer un nouvel ensemble de personnages, la famille Simpson, en nommant les membres d'après sa propre famille, mis à part pour Bart. La série de courts métrages qui met en vedette cette famille typiquement américaine est par la suite devenue une série à part entière, Les Simpson, toujours diffusée aujourd'hui après plus de quatre-cent-quatre-vingts épisodes.

En 1997, Matt Groening s'associe à David X. Cohen pour développer Futurama, une série d'animation se déroulant dans les années 3000, qui débute en 1999. Après quatre années de diffusion, la Fox décide d'arrêter la série en 2003, mais Comedy Central commande seize nouveaux épisodes pour une sortie directement en vidéo. En juin 2009, Comedy Central demande vingt-six nouveaux épisodes, pour qu'ils soient diffusés en deux nouvelles saisons.

Matt Groening a remporté onze Primetime Emmy Awards, dix pour Les Simpson et un pour Futurama, ainsi qu'un British Comedy Award pour sa contribution à la comédie en 2004. En 2006, il remporte le National Cartoonists Society Reuben Award pour Life in Hell.

Mélodie Cocktail

Mélodie Cocktail — ou Le Temps d'une mélodie au Québec — est le 13e long-métrage d'animation et le 10e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1948, il s'agit d'une anthologie de sept courts métrages dans la lignée de Fantasia (1940) et de La Boîte à Musique (1946), mais incluant des prises de vues réelles.

Les sept séquences, assez disparates, reprennent des traits caractéristiques des précédentes productions de Disney. Ainsi, on retrouve deux séquences sur le folklore américain, une séquence d'animation surréaliste, une autre dans un monde d'objets anthropomorphes et d'autres mêlant animation et acteurs en prise de vue réelle. Plusieurs auteurs notent que le film, malgré un certain niveau technique et quelques éléments agréables, manque d'unité. D'après ces mêmes critiques, le film conforte le public dans son attente d'un retour aux standards de Disney, les longs métrages d'un seul tenant. Mélodie cocktail est la dernière compilation de courts métrages de Disney hormis la compilation Le Crapaud et le Maître d'école (1949) avec deux moyens métrages. Le long métrage Cendrillon est alors en production et prévu pour 1950.

En 1955, deux séquences issues du film ont été éditées sous le titre Contrasts in Rhythm tandis que cinq autres ont été regroupées avec quatre tirées de La Boîte à musique sous le nom de Music Land.

Mélodie du Sud

Mélodie du Sud est le 11e long-métrage d'animation des studios Disney, mélangeant animation et prises de vues réelles. Sorti en 1946, il est adapté des Contes de l'Oncle Rémus (Tales of Uncle Remus) de Joel Chandler Harris, parus entre 1880 et 1905.

Le film met en scène trois contes de Harris inclus dans une histoire dramatique se déroulant dans le vieux Sud américain avec d'anciens esclaves et leurs anciens maîtres dans une plantation de coton. Bien que l'histoire soit située après la Guerre de Sécession, les éléments à caractère raciaux sont fortement présents, par les paroles et les attitudes des personnages réels ou d'animation. Tout au long de la conception du film, dans les années 1940, puis après sa sortie, le film a fait l'objet d'une importante controverse aux États-Unis autour des images et propos raciaux qu'il véhicule. Le film n'est plus ressorti au cinéma depuis les années 1980 et malgré quelques rares sorties sur supports vidéos il n'est plus disponible et ce de manière officiellement intentionnelle pour des raisons éthiques et morales.

Mélodie du Sud est l'une des rares productions Disney à n'avoir jamais connu de diffusion en DVD alors qu'un film jugé propagandiste tel que Victoire dans les airs (1943) est disponible dans la collection Walt Disney Treasures.

Minnie Mouse

Minnie Mouse est un personnage de fiction de l’univers de Mickey Mouse créé en 1928 par Walt Disney. Comme Mickey, elle se présente sous l’aspect d’une souris anthropomorphe.

Mickey et Minnie sont d’éternels amants. Ils ne se sont jamais mariés et n’ont jamais habité ensemble, que ce soit dans un dessin animé ou une bande dessinée. Minnie n’a jamais eu de série à son nom bien qu’elle apparaisse dans certaines histoires Mickey Mouse alors que Mickey, lui, n’y figure pas.

Comme Mickey, Minnie s’est de plus en plus assagie au fil de ses apparitions. Dans Plane Crazy (1928), elle utilise ses sous-vêtements comme parachute alors qu’elle a montré l’exemple aux femmes américaines durant la Seconde Guerre mondiale pour la réutilisation des graisses culinaires afin de confectionner de munitions destinées aux soldats sur le front.

Oswald le lapin chanceux

Oswald le lapin chanceux (Oswald the Lucky Rabbit) est une série de dessins animés tournant autour du personnage éponyme créé par Ub Iwerks et Walt Disney en 1927 et distribué par Universal Pictures, qui en détenait les droits. Le personnage d’Oswald le lapin a commencé sa carrière en 1927, juste après la fin des Alice Comedies.

Après quelques épisodes, Universal a confié la production à d’autres studios que celui de Disney, dont ceux de Charles B. Mintz et de Walter Lantz. C’est au moment de l’arrêt du contrat entre Disney et Universal qu’est né le personnage de Mickey Mouse.

Le personnage d’Oswald a été « récupéré » par la Walt Disney Company en à la faveur d’un échange.

Pixar Animation Studios

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Pixar Animation Studios est une société américaine de production de films en images de synthèse dont le siège social est situé à Emeryville, en Californie. À ce jour, le studio a remporté vingt-deux Oscars du cinéma, quatre Golden Globes et trois Grammy Awards ainsi que de nombreuses autres récompenses. Le studio est surtout connu pour ses longs métrages d'animation en images de synthèse créés avec PhotoRealistic RenderMan.

Pixar a été créé en 1979 sous le nom de Graphics Group, un service de la division informatique de Lucasfilm, avant d'être acheté par le co-fondateur d'Apple, Steve Jobs, en 1986. The Walt Disney Company a racheté Pixar en 2006.

Le studio a réalisé plus de dix longs-métrages, qui ont débuté avec Toy Story en 1995, et chacun d'eux a reçu un succès critique et commercial. Pixar a poursuivi l'expérience de Toy Story avec 1001 pattes en 1998, Toy Story 2 en 1999, Monstres et Cie en 2001, Le Monde de Nemo en 2003, Les Indestructibles en 2004, Cars en 2006, Ratatouille en 2007, WALL-E en 2008 et Là-haut en 2009. Le onzième film de Pixar, Toy Story 3, qui est sorti le 14 juillet 2010...

Professeur Frink

Hank Azaria, la voix américaine du professeur Frink.

Le professeur Jonathan « John » I.Q. Nerdelbaum Frink, Jr., est un personnage fictif de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il est doublé en version originale par Hank Azaria, en version française par Gilbert Levy et en version québécoise par Gilbert Lachance. Il apparaît pour la première fois dans le dix-septième épisode de la deuxième saison, Un amour de grand-père. Frink est un scientifique et professeur ringard résidant à Springfield. Il est extrêmement intelligent malgré la sorte de folie qui l'habite et ses inaptitudes sociales. Frink tente souvent d'utiliser ses étranges inventions pour aider la ville lors de périodes de crise, mais en général elles ne font qu'empirer les choses. Sa manière de parler, notamment ses cris impulsifs de mots inexistants, est devenue sa marque de fabrique, caractéristique de la maladie de Gilles de La Tourette.

Initialement, Frink est dépeint comme un savant fou et diabolique. Lorsque Hank Azaria, le doubleur américain, improvise la voix du personnage, il s'inspire du personnage de Julius Kelp dans le film Docteur Jerry et Mister Love. L'équipe de la série aime cette voix et décide donc de changer Frink de manière à ce qu'il ressemble plus à Julius Kelp, à la fois en apparence et dans sa personnalité. Il devient ainsi plus ringard et passe de diabolique à « simplement » fou. En 2003, Jerry Lewis est invité à incarner le père de Frink dans l'épisode Simpson Horror Show XIV.

Le professeur reçoit de nombreuses critiques positives, notamment pour ses inventions bizarres. Il apparaît dans de nombreuses listes de personnages secondaires des Simpson préférés. Frink est utilisé dans d'autres médias liés à la série, comme les bandes dessinées, les jeux vidéo et même dans le cinéma dynamique du parc Universal Studios Florida. La popularité du personnage l'a même conduit à donner son nom au langage de programmation informatique créé en 2001 Frink.

Ratatouille (film)

Brad Bird, après la victoire de l'Oscar du meilleur film d'animation

Ratatouille [ra.ta.tuj] est le huitième film d’animation en images de synthèse de Pixar Animation Studios. Il a été distribué, comme les précédents, par Walt Disney Pictures et est sorti en salles à partir du .

Il raconte les aventures mouvementées d’un rat, baptisé Rémy, qui est séparé de sa famille lors d’une fuite en catastrophe de sa colonie, délogée de son lieu d’établissement. Rémy s’installe alors dans les cuisines d’un très grand restaurant parisien nommé Chez Gusteau !. Le film a été réalisé par Brad Bird, déjà réalisateur pour Pixar du long métrage oscarisé Les Indestructibles, d’après une idée originale de Jan Pinkava, également détenteur d’un Oscar reçu en 1998. Pinkava était le réalisateur originellement en charge au projet Ratatouille, mais il a été démis de cette fonction pour devenir simple coréalisateur.

Ratatouille a notamment été trois fois nommé aux Oscars 2008 : pour celui du meilleur film d’animation, celui de la meilleure chanson originale et celui du meilleur scénario. Au total, il obtiendra aussi treize nominations aux Annie Awards (dont 9 récompenses) et une victoire aux Golden Globes dans la catégorie « Meilleur film d’animation ». Le film a pour l’instant remporté près de dix-huit prix internationaux et a été nommé pour divers autres prix à vingt-sept reprises.

Romeo and Juliet: Sealed with a Kiss

Photo de Phil Nibbelinck, réalisateur du film, homme roux et portant des lunettes.

Romeo and Juliet: Sealed with a Kiss est un film d'animation américain réalisé par Phil Nibbelink, sorti en octobre 2005, directement en vidéo, puis en octobre 2006, à Los Angeles aux États-Unis, dans le cadre d'une sortie limitée. C'est le quatrième et dernier long métrage des studios Phil Nibbelink Productions, créés par Phil Nibbelink et sa femme Margit Friesacher. La distribution du film a été assurée par Indican Pictures.

Ce film est une adaptation de la célèbre pièce de théâtre Roméo et Juliette de William Shakespeare où les personnages sont représentés par des otaries ou d'autres animaux. L'action se déroule sur une île où Roméo, fils du chef des Montaigu, et Juliette, fille du chef des Capulet, tombent amoureux l'un de l'autre. Mais leur amour réciproque est menacé par la rivalité entre leurs familles ainsi que par le Prince, un éléphant de mer, qui souhaite se marier avec Juliette.

Produit sur une période de quatre ans et demi, le film est animé par une seule personne, Phil Nibbelink. Le casting des voix est par ailleurs composé d'amis et de membres de la famille du réalisateur. Le film reçoit un accueil majoritairement négatif de la part des critiques, l'adaptation de la pièce de Shakespeare étant mal acceptée. Malgré ces critiques, le long métrage remporte deux prix lors d'une édition du Best-in-the-SouthWest Film Festival, un festival de cinéma basé au Nouveau-Mexique.

Rosebud (Les Simpson)

Photo de David Mirkin, le producteur exécutif et show runner de cet épisode.

Rosebud (version originale et française, ou Bobo en version québécoise) est le quatrième épisode de la saison 5 de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il a été diffusé pour la première fois par la Fox aux États-Unis le . L'épisode débute en montrant comment, la veille de son anniversaire, M. Burns désire l'ours en peluche de son enfance, Bobo. L'ours arrive dans les mains de Maggie Simpson et Burns fait tout ce qu'il peut pour le récupérer.

Rosebud a été écrit par John Swartzwelder et est le premier épisode ayant pour producteur exécutif David Mirkin, qui est le show runner de la cinquième et la sixième saison de la série. L'épisode est réalisé par Wes Archer, et l'un de ses assistants, David Silverman, a décrit l'épisode comme « l'un des plus grands défis » à réaliser. Les Ramones (Joey Ramone, Johnny Ramone, C. J. Ramone et Marky Ramone) apparaissent dans leur propre rôle dans l'épisode. Celui-ci parodie fortement le film d'Orson Welles Citizen Kane et le titre fait référence au dernier mot de Charles Foster Kane, « Rosebud ». L'épisode contient également des références au Magicien d'Oz, à La Planète des singes, à l'acteur George Burns, à Charles Lindbergh et à Adolf Hitler. L'accueil critique de Rosebud a été très positif et en 2003, le magazine Entertainment Weekly a placé l'épisode en deuxième place de sa liste des 25 meilleurs épisodes des Simpson.

Saison 1 des Simpson

Matt Groening, le créateur des Simpson.

La première saison des Simpson a été diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle a été diffusée du au . Les show runners de cette saison sont Matt Groening, James L. Brooks et Sam Simon.

La série devait au départ commencer à la fin de l'année 1989 avec l'épisode Une soirée d'enfer, qui présente les personnages principaux. Cependant, lors du premier contrôle de l'épisode, les producteurs se rendent compte que l'animation est si mauvaise que 70 % de l'épisode doit être refait. Ils décident alors d'annuler la série si l'épisode suivant est aussi médiocre, mais il ne souffre alors que de problèmes facilement corrigibles. Le début de la saison est cependant déplacé au 17 décembre, avec la diffusion de l'épisode Noël mortel, le pilote de la série. Lors de la diffusion en France, l'ordre des épisodes est rétabli et Une soirée d'enfer en devient le premier.

La saison remporte un Emmy Award et est nommée pour quatre autres récompenses. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 25 septembre 2001, en régions 2 et 4 le 24 septembre 2001 et en région 5 le 21 août 2008. Elle est aussi sortie sur l'iTunes Store le 22 décembre 2010 en tant qu'« édition digitale ».

Saison 2 des Simpson

James L. Brooks est l'un des show runners de cette saison.

La deuxième saison des Simpson a été diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle a été diffusée du au . Les show runners de cette saison sont Matt Groening, James L. Brooks et Sam Simon.

La saison est proposée dans deux catégories des Emmy Awards et remporte celui du meilleur programme d'animation de moins d'une heure. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 6 août 2002, en région 2 le 8 juillet 2002, en région 4 le 23 et en région 5 le 18 septembre 2008.

Saison 3 des Simpson

Al Jean est un des show runners de cette saison.

La troisième saison des Simpson a été diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle a été diffusée du au . Les show runners de cette saison sont Al Jean et Mike Reiss.

La saison remporte six Emmy Awards dans la catégorie du meilleur doublage. Elle est aussi proposée dans la catégorie du meilleur programme d'animation de moins d'une heure. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 26 août 2003, en région 2, le 6 octobre 2003, en région 4, le 11 novembre 2003 et en région 5, le 3 décembre 2009.

Saison 4 des Simpson

Dan Castellaneta remporte l'Emmy Award du meilleur doublage pour le rôle de Homer Simpson durant cette saison.

La quatrième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au . Les show runners de cette saison sont Al Jean et Mike Reiss. Mis à part les deux premiers épisodes, Les Jolies Colonies de vacances et Un tramway nommé Marge, issus de la production de la saison précédente, cette saison est la première à être animée par la Film Roman.

Suite à de nombreuses disputes avec Matt Groening, le créateur de la série, et James L. Brooks, l'un des producteurs, Sam Simon quitte l'équipe des Simpson à la fin de cette saison. Dans le même temps, Al Jean et Mike Reiss créent Profession : critique, emmenant avec eux plusieurs des scénaristes de la série.

La saison est proposée pour deux Emmy Awards et Dan Castellaneta emporte celui du meilleur doublage pour le rôle de Homer dans l'épisode Monsieur Chasse-neige. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 15 juin 2004, en région 2 le 2 août de la même année, le 25 août en région 4 et en région 5 le 25 mars 2010.

Saison 5 des Simpson

David Mirkin est le show runner de cette saison.

La cinquième saison des Simpson a été diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le 30 septembre 1993 et le 19 mai 1994. En France, elle a été diffusée du 3 septembre 1994 au 4 février 1995. Le show runner de cette saison est David Mirkin qui a été le producteur exécutif de vingt épisodes. La saison contient également certains des épisodes les plus appréciés de la série par la critique, notamment Lac Terreur et Rosebud. Elle contient également le centième épisode de la série, Un ennemi très cher.

La 5e saison marque également un tournant pour la série puisque l'équipe de scénaristes originale a en grande partie quitté le programme à la fin de la 4e saison. Un autre scénariste, Conan O'Brien, a quitté la série en cours de saison pour animer sa propre émission.

La saison a été nommée pour deux Emmy Awards et a remporté un Annie Award pour le meilleur programme télévisé ainsi qu'un Environmental Media Award et un Genesis Award. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 21 décembre 2004, en région 2 le 21 mars 2005, et en région 4 le 23 mars 2005.

Saison 6 des Simpson

David Mirkin est le show runner de cette saison.

La sixième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au sur Canal+, mis à part les épisodes Burns fait son cinéma, Salut l'artiste et L'Amour à la Simpson, diffusés pour la première fois sur la chaîne W9 respectivement les 19, 20 et . Le show runner de cette saison est David Mirkin.

L'épisode Burns fait son cinéma est la cause de quelques tensions au sein de l'équipe de la série, si bien que le créateur de celle-ci, Matt Groening, décide de retirer son nom du générique, voyant cet épisode comme une publicité flagrante pour Profession : critique, une série diffusée à la même heure sur une autre chaîne. Après trois saisons de diffusion les mardis soirs, la Fox décide de reprogrammer Les Simpson le dimanche soir. Depuis la série est toujours diffusée à cette heure.

La saison est proposée pour quatre Emmy Awards et l'épisode Le Mariage de Lisa remporte celui du meilleur programme d'animation de moins d'une heure. Elle remporte également l'Annie Award de la meilleure production animée pour la télévision. Le coffret DVD de la saison est sorti en région 1 le 16 août 2005, en région 2 le 17 octobre de la même année, le 28 septembre en région 4, et en région 5 le 9 septembre 2010.

Saison 7 des Simpson

Josh Weinstein et Bill Oakley sont pour la première show-runners de la série.

La septième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle commence une semaine après le dernier épisode de la saison précédente sur Canal+ avec la diffusion des deux premiers épisodes, Radioactive Man le et Qui a tiré sur M. Burns ? - Partie 2 le . La suite est diffusée un an plus tard entre le et le . Les show runners de cette saison sont Bill Oakley et Josh Weinstein qui produisent vingt-et-un épisodes. Les quatre autres épisodes, dont les deux premiers produits lors de la saison précédente, le sont sous la direction de David Mirkin.

La saison remporte un Annie Award et est proposée pour deux Emmy Awards. L'épisode Lisa la végétarienne remporte un Environmental Media Award et un Genesis Award. Le coffret DVD de la saison sort en région 1 le 13 décembre 2005, en région 2 le 30 janvier 2006 et le 29 mars de la même année en région 4.

Saison 8 des Simpson

Photographie montrant Bill Oakley et Josh Weinstein

La huitième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au et rediffusée en 2003 sur Canal+, et depuis septembre 2006 sur W9. En Belgique, elle est diffusée du 30 septembre au 3 novembre 1998. Les show runners de cette saison sont Bill Oakley et Josh Weinstein, qui produisent vingt-trois épisodes sur vingt-cinq. Deux épisodes de cette saison font partie de la production de la saison précédente, et deux autres sont produits par Al Jean et Mike Reiss.

La saison est proposée pour quatre Emmy Awards, et en remporte deux. L'épisode La Phobie d'Homer remporte un Annie Award, un WAC Award et un prix GLAAD Media. Le coffret DVD de la saison sort en région 1 le 15 août 2006, en région 2 le 2 octobre et le 27 septembre de la même année en région 4.

Saison 9 des Simpson

Mike Scully, show runner de la saison.

La neuvième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au . Le show runner de cette saison est Mike Scully qui produit dix-huit épisodes. Cette saison contient trois épisodes de la production de la saison précédente, produits par Bill Oakley et Josh Weinstein, deux autres épisodes produits par David Mirkin et encore deux autres par Al Jean et Mike Reiss lors de la septième saison.

La saison est proposée pour cinq Emmy Awards et en remporte trois. Elle est aussi nommée dans la catégorie de la meilleure série aux Saturn Awards et pour un Golden Reel Award du meilleur montage son.

Le coffret DVD de la saison sort en région 1 le 19 décembre 2006, en région 2 le 29 janvier 2007 et le 21 mars de la même année en région 4.

Saison 10 des Simpson

Cette saison est la dernière participation de Phil Hartman comme invité de la série, avant son assassinat.

La dixième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au . Le show runner de cette saison est Mike Scully qui produit les vingt-trois épisodes. Avant le début de la production un différend entre les acteurs des Simpson et la Fox à propos de leur salaire se soulève. Cependant, il est rapidement réglé et le salaire des acteurs est monté jusqu'à 125 000 dollars par épisode. En plus de l'équipe habituelle de la série, de nombreuses célébrités sont invitées à participer au doublage de cette saison, dont Phil Hartman, qui y participe pour la dernière fois avant son assassinat.

La saison rencontre un avis plutôt positif et est proposée pour deux Annie Awards qu'elle remporte et pour deux Emmy Awards. Cependant pour beaucoup de critiques cette saison est souvent citée comme étant le début de la détérioration de la qualité de la série. Elle est classé vingt-cinquième des audiences de la saison aux États-Unis avec une moyenne de 13,5 millions de téléspectateurs par épisode. Le coffret DVD de la saison, disponible avec deux emballages différents mettant Bart en vedette, sort en région 1 le 7 août 2007, en région 2 le 10 septembre et le 26 septembre de la même année en région 4.

Saison 11 des Simpson

Cette saison est marquée par la démission de l'actrice Maggie Roswell qui entraîne la mort de Maude Flanders, un des personnages qu'elle doublait.

La onzième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée du au sur Canal+ et en Belgique du au sur Club RTL. Le show runner de cette saison est Mike Scully qui produit dix-huit épisodes, les quatre autres ayant été produits lors de la saison précédente.

À la fin de la production de la dixième saison l'actrice Maggie Roswell, voix entre autres de Hélène Lovejoy, Maude Flanders et Mlle Hoover, quitte la distribution de la série à la suite d'une dispute au sujet de son contrat. En conséquence elle est remplacée par Marcia Mitzman Gaven et les producteurs décident de tuer le personnage de Maude Flanders dans l'épisode Adieu Maude, ce qui provoquera de nombreuses critiques.

Au cours de la saison, la série reçoit une étoile sur le Walk of Fame de Hollywood Boulevard. La saison remporte également l'Emmy Award du meilleur programme d'animation, deux Annie Awards, un British Comedy Award, un CINE Golden Eagle Award, un Golden Reel Award et un Prism Award. Elle est classée quarante-et-unième des audiences de la saison aux États-Unis avec une moyenne de 13 millions de téléspectateurs par épisode. Le coffret DVD de la saison, disponible avec deux emballages différents à l'effigie de Krusty le clown, sort en région 1 le 7 octobre 2008, en région 2 le 6 octobre et le 6 novembre de la même année en région 4.

Saison 12 des Simpson

Mike Scully, show runner de la saison, est parfois tenu responsable de la baisse de qualité des Simpson pendant les saisons qu'il supervise.

La douzième saison des Simpson est diffusée pour la première fois aux États-Unis par la Fox entre le et le . En France, elle est diffusée entre le 28 août et le sur Canal+ et en Belgique entre le 24 septembre et le sur Club RTL. Le show runner de cette saison est pour la dernière fois Mike Scully qui produit dix-sept épisodes, les quatre autres ayant été produits lors de la saison précédente.

Le douzième épisode de la série, Tennis la malice, est entièrement réalisé et colorisé par ordinateur. Cela constitue un test de la part des équipes de production qui peinent à trouver des animateurs traditionnels. Le passage au numérique sera officialisé lors de la quatorzième saison. Pendant la production de la saison, deux jeux vidéo basés sur Les Simpson sont publiés. The Simpsons Wrestling, un jeu de catch, est jugé très laid, répétitif et raté, tandis que The Simpsons: Road Rage sera plus reconnu. Néanmoins, en raison des similitudes avec le jeu Crazy Taxi, l'éditeur porte plainte à l'égard de Fox Interactive et demande un dédommagement financier. L'issue du procès reste confidentielle.

La saison reçoit des critiques mitigées mais remporte l'Emmy Award du meilleur programme d'animation de moins d'une heure, un Annie Award, un Board of Directors Ongoing Commitment Award et un Kid's Choice Award. Elle est également nommée dans deux autres catégories des Emmy Awards. Elle est classée vingt-et-unième des audiences de la saison aux États-Unis avec une moyenne de 14,7 millions de téléspectateurs par épisode. Le coffret DVD de la saison, à l'effigie du vendeur de BD, sort en région 1, le 18 août 2009, en région 2 le 28 septembre et le 2 septembre de la même année en région 4.

Saludos Amigos

Saludos Amigos est le 7e long-métrage d'animation et le 6e « Classique d'animation » des studios Disney. Sorti en 1942, le film est un mélange de prises de vues réelles et de séquences d'animation se situant en Amérique latine.

Saludos Amigos, dont le titre signifie Bonjour les Amis en espagnol, est à la fois la première compilation de Disney et le premier film à être diffusé en Amérique latine avant de l'être aux États-Unis. Le terme compilation désigne ici le regroupement de courts métrages d'animation afin d'avoir une durée totale proche des longs métrages.

Une suite lui a été donnée deux ans plus tard : Les Trois Caballeros.

Simon Wells

Simon Wells, né en 1961 à Cambridge, est un réalisateur, scénariste et animateur britannique.

Attiré par le dessin, il désire devenir illustrateur. Toutefois, lors de ses études, ses professeurs lui conseillent de continuer dans l'animation. D'abord embauché par l'animateur Richard Williams, il a l'occasion de travailler sur le film Qui veut la peau de Roger Rabbit ?.

Remarqué, il intègre le studio Amblimation et réalise l'ensemble des films de cette branche d'Amblin Entertainment, dont une production tout seul. À la fermeture du studio, il est transféré à DreamWorks Animation, filiale de la nouvelle société DreamWorks SKG, et réalise, avec Brenda Chapman et Steve Hickner, Le Prince d'Égypte, qui est un succès. Il réalise également son unique film avec acteurs, La Machine à explorer le temps, adaptation du roman de son arrière-grand-père H. G. Wells.

Ensuite, Wells travaille dans l'ombre de diverses productions de DreamWorks au scénario, à l'animation ou encore comme consultant. Il retourne derrière la caméra, cette fois-ci pour Disney, avec Milo sur Mars, film dont il a écrit le scénario avec son épouse, Wendy. Toutefois, le film reçoit un accueil assez négatif de la critique ainsi que du public, et entraîne la perte de près de 110 millions de dollars ainsi que la fermeture d'Imagemovers Digital, la société de Robert Zemeckis, qui renaît néanmoins quelques mois plus tard.

Après cet échec, il revient à DreamWorks où il continue d'apporter son expérience à la production de longs métrages.

Simpson Horror Show IV

Le Simpson Horror Show IV (France) ou Spécial Halloween IV (Québec) (Treehouse of Horror IV) est le cinquième épisode de la saison 5 de la série télévisée Les Simpson. C'est aussi le quatrième épisode de type Horror Show. Il a été diffusé pour la première fois par la Fox aux États-Unis le , puis en France le . Il met en scène trois courtes histoires nommées Homer Simpson et le Diable, Terreur à cinq pieds et demi et Bart Simpson Dracula. L'épisode est réalisé par David Silverman et co-écrit par Conan O'Brien, Bill Oakley, Josh Weinstein, Greg Daniels, Dan McGrath, et Bill Canterbury.

Comme les autres épisodes de Halloween, l'épisode est considéré comme non canonique, et ne s'inscrit pas dans la continuité de la série. L'épisode fait référence à des séries télévisées telles que La Quatrième Dimension, Night Gallery et Peanuts. Il fait aussi référence à quelques films tels que Dracula et Génération perdue. Depuis sa diffusion, l'épisode a reçu des critiques majoritairement positives. Il a atteint un indice de 14,5 sur l'échelle de Nielsen, et a réalisé la plus forte audience sur le réseau Fox la semaine de sa diffusion…

Studios Disney de 1922 à 1937

L'histoire des Studios Disney de 1922 à 1937 est caractérisée par une production tournée uniquement vers les courts métrages d'animation. Elle donne les racines à la fois du studio Disney mais aussi de toute l'entreprise Walt Disney Company. La période commence en 1922 avec la création du premier studio de Walt Disney à Kansas City, Laugh-O-Gram, et se poursuit en 1923 avec la création du Disney Brothers Studios à Hollywood, où Disney lance plusieurs séries. La première est Alice Comedies, suivie en 1927 par Oswald le lapin chanceux. En raison de problèmes liés aux droits de productions d'Oswald, Disney est contraint de débuter une nouvelle série, Mickey Mouse. Fort du succès de celle-ci, Disney lance une seconde série dès 1929, les Silly Symphonies.

Les premières séries sont surtout un apprentissage pour les jeunes membres du studio, pour la plupart de futurs grands noms de l'animation. Avec Mickey Mouse, Disney révolutionne le secteur d'activité, innovant en synchronisant le son avec l'image. Les innovations se poursuivent avec la série Silly Symphonies, qui est la première à utiliser de manière régulière la couleur grâce au procédé Technicolor.

Cette période s'achève de manière informelle avec la sortie du premier long métrage d'animation du studio, Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), suivi par d'autres longs métrages, période qui sera appelée le « Premier Âge d'Or » du studio. Toutefois, la production de courts métrages d'animation traditionnelle, qui s'arrête officiellement en 1956, se poursuivra encore jusque dans les années 1970, avec entre autres des courts métrages éducatifs.

Studios Disney de 1937 à 1941

L'histoire des Studios Disney de 1937 à 1941, période surnommée le « Premier Âge d'Or », est essentiellement marquée par la sortie de leurs premiers longs métrages d'animation, à commencer par Blanche-Neige et les Sept Nains. Leur production s'étale principalement de 1934 à 1941, date à partir de laquelle le studio connaît des problèmes qui mettent un frein à son activité. Le dernier de ces longs métrages, Bambi, est édité l'année suivante.

À partir de 1934, Walt Disney envisage la création d'un long métrage en animation, projet qui aboutit en 1937 avec Blanche-Neige et les Sept Nains. Le studio devient alors très important, produisant trois séries de courts métrages et travaillant sur plusieurs projets de longs métrages. Ces projets sont ambitieux tant graphiquement que techniquement, en général artistiquement. Ils aboutissent pour la plupart entre 1940 et 1942 mais leurs racines remontent toutes à la période 1937-1941. Ces films sont parmi les plus connus et reconnus du studio : Pinocchio, Fantasia, Dumbo et Bambi. Ces productions ambitieuses ont nécessité de nombreuses innovations tant techniques qu'artistiques. Le studio a utilisé, développé ou amélioré en interne des techniques comme la couleur avec le procédé Technicolor, la caméra multiplane, les storyboards, l'usage de maquettes pour concevoir les personnages, le Fantasound ou de nombreux effets spéciaux. Pour beaucoup, l'animation est alors devenue un art...

Studios Disney de 1941 à 1950

L'histoire des Studios Disney de 1941 à 1950 est marquée par une grève des employés, par la Seconde Guerre mondiale et par leurs conséquences, notamment la production de films compilant plusieurs séquences plus ou moins longues d'animation et ce jusqu'en 1950. Les longs métrages du studio produits durant le « Premier Âge d'Or » ont été très coûteux et, en raison du deuxième conflit mondial, les bénéfices n'ont pas été ceux envisagés. Le climat international et l'absence d'un syndicat aidant, l'augmentation du nombre d'employés pour les différentes productions a causé des tensions amenant à la première grève des studios Disney.

Pour ces raisons, le studio modifie sa production. Les films deviennent alors des compilations de courts ou moyens métrages, appelés séquences. Ces compilations sont moins coûteuses et permettent quelques revenus pour relancer les projets suspendus ou en lancer de nouveaux. Une des conséquences est l'intégration de scènes en prise de vue réelle, rapprochant le studio de la production de films sans animation.

En parallèle, le studio poursuit sa production de courts métrages, avec les séries centrées sur d'anciens personnages secondaires : Donald Duck, Dingo, Pluto et Tic et Tac, commencée en 1943. La plupart de ces productions sont marquées par la guerre avec une forte implication militaire (soutien aux troupes), voire de la propagande.

Star Wars: The Clone Wars (série télévisée d'animation)

Logo de Star Wars: The Clone Wars.

Star Wars: The Clone Wars ou Star Wars : La Guerre des clones au Québec, est une série d'animation en 3D américaine en 121 épisodes de 22 minutes, créée par George Lucas et diffusée entre le et le sur Cartoon Network puis à partir du via le réseau de streaming Netflix.

Précédée d'un film du même nom sorti au cinéma en août 2008, la série décrit la guerre des clones, un conflit se déroulant entre l'épisode II et l'épisode III de la série de films Star Wars. Ce conflit oppose la République se battant pour la paix et la démocratie grâce aux Jedi et aux soldats clones, et les Séparatistes se battant pour la prise du pouvoir grâce aux Sith et aux droïdes de combat. Il s'agit de la seconde série à reprendre cette intrigue, la première étant Star Wars: Clone Wars.

En France, la série a été diffusée à partir du sur W9, depuis le sur Cartoon Network, dès le sur M6 dans l'émission M6 Kid et depuis le sur le réseau de streaming Canalplay. En Belgique, elle a été diffusée à partir du sur Club RTL. Au Québec, sa diffusion débute dès l'automne 2009 sur Télétoon.

Le , la série est annulée au bout de cinq saisons. Toutefois, une partie de la sixième sort et un projet connu sous le nom de The Clone Wars Legacy adapte dans d'autres formats les arcs narratifs alors non produits.

The Clone Wars est devenue l'une des séries les plus regardées de l'histoire de Cartoon Network et a généralement été bien reçue par les critiques. Elle a remporté de nombreuses récompenses et nominations, notamment plusieurs Annie Awards et Daytime Emmy Awards.

The Simpsons Wrestling

The Simpsons Wrestling est un jeu vidéo de catch (lutte professionnelle) basé sur l'univers de la série Les Simpson et sorti sur PlayStation. Il a été développé par Big Ape Productions et édité par Fox Interactive et Activision. Sa sortie a eu lieu le 22 mars 2001 en zone PAL — dont l'Europe fait partie — et le 12 avril 2001 en Amérique du Nord.

Dix-huit personnages sont présents dans le jeu, chacun étant doublé par les mêmes acteurs que ceux de la série. Chaque personnage dispose de ses propres mouvements qu'il peut exécuter sur le ring. Les matchs se tiennent dans différents endroits modélisés en 3D de la ville de Springfield ; ils se terminent lorsque l'un des personnages rive au sol les épaules de son adversaire pour un compte de trois par l'arbitre.

Le jeu a été mal accueilli par la presse spécialisée et a obtenu une moyenne de seulement 32 % sur Metacritic. Les critiques ont pointé du doigt les mauvais graphismes et le gameplay simpliste et déséquilibré mais ont apprécié la bande son du jeu.

Tim Burton

Tim Burton.

Tim Burton, né Timothy William Burton le à Burbank, Californie, est un réalisateur américain. Maître du fantastique et excellent conteur, fortement influencé par l’écrivain Edgar Allan Poe, on lui doit notamment Pee-Wee Big Adventure, Beetlejuice, Batman, Edward aux mains d’argent et Charlie et la chocolaterie. Il a également rédigé les scénarios de L’Étrange Noël de Monsieur Jack et Les Noces funèbres, deux films d’animation réalisés avec des marionnettes évoluant dans des décors réels. Son cinéma se caractérise par des histoires mettant en scène des personnages marginaux, et une grande influence du cinéma fantastique, du cinéma expressionniste allemand ainsi que des films de la Hammer Film Productions. Il fait partie des cinéastes qui parviennent à concilier succès critique et succès commercial.

On reconnaît ses films grâce à plusieurs marques qu’il dissémine dans le décor, comme les crédits présentés au début du film en travelling, ou avec son casting souvent composé de Johnny Depp, Danny DeVito ou encore de Helena Bonham Carter.

Troy McClure

Troy McClure est un personnage fictif de la série d'animation américaine Les Simpson. Il était doublé par Phil Hartman dans la version originale, Patrick Guillemin puis Pierre Laurent (qui ne l'a doublé que dans Lézards populaires) dans la version française et Benoît Rousseau en québécois. Il est apparu pour la première fois dans l'épisode de la deuxième saison Tu ne déroberas point. McClure est un acteur has-been, souvent vu dans des programmes de bas de gamme, comme des documentaires éducatifs. Il est le personnage central de l'épisode Un poisson nommé Selma, dans lequel il se marie avec Selma Bouvier pour relancer sa carrière et faire taire les rumeurs sur sa vie personnelle. Troy McClure a aussi « présenté » les épisodes 138e épisode, du jamais vu ! et Les Vrais-Faux Simpson.

McClure est partiellement basé sur les acteurs de séries B américains Troy Donahue et Doug McClure, ainsi que sur Phil Hartman lui-même. Après l'assassinat de Hartman en 1998, le personnage est retiré, faisant sa dernière apparition dans Lézards populaires. McClure est souvent cité comme l'un des personnages de séries télévisées les plus populaires ; en 2006, IGN l'a classé premier sur son « top 25 des personnages secondaires des Simpson ».

Victoire dans les airs (film)

Victoire dans les airs est le 8e long-métrage d'animation des studios Disney sorti en 1943, basé sur le livre Victoire dans les airs écrit par le major Alexander P. de Seversky en 1942 destiné à sensibiliser les Américains à la Seconde Guerre mondiale. Il n'est pas considéré comme un « classique » en raison du nombre important de prises de vues réelles qu'il contient.

Les deux œuvres mettent en avant la technique militaire du bombardement stratégique comme un moyen d'abréger le conflit mondial. Le film, après un historique de l'aviation en animation, laisse au major Alexander P. de Seversky le soin d'expliquer ses théories sur l'importance pour les Alliés d'avoir une armée aérienne forte afin de vaincre les puissances constituant l'Axe durant la Seconde Guerre mondiale.

Waylon Smithers

Waylon J. Smithers, Jr., est un personnage fictif de la série télévisée d'animation Les Simpson. Il est doublé par Harry Shearer dans la version originale. En France, Pierre Laurent lui prête sa voix depuis la dixième saison en remplacement de Patrick Guillemin. En version québécoise, Jean-Louis Millette le double jusqu'à la onzième saison, où Alain Zouvi lui succède. Il est apparu pour la première fois dans l'épisode de la première saison, Un atome de bon sens, bien qu'on puisse entendre sa voix dès le premier épisode, Noël mortel. Il est l'assistant personnel de M. Burns, le propriétaire de la centrale nucléaire de Springfield, envers lequel il se montre très flatteur.

La manière dont se comporte Waylon Smithers envers son supérieur est en partie inspirée de la façon dont de nombreux membres de l'équipe de la Fox considèrent le créateur de la chaîne, Barry Diller. L'idée de l'orientation sexuelle de Smithers vient de Sam Simon, producteur de la série, qui propose qu'il puisse être homosexuel. Il ajoute toutefois que les scénaristes ne devraient jamais y porter trop d'attention mais simplement garder cette idée comme toile de fond du personnage. Son prénom, Waylon, est utilisé pour la première fois dans l'épisode Vive les mariés, et provient du marionnettiste Wayland Flowers. Lors de sa première apparition dans Un atome de bon sens, Smithers apparaît, à cause d'une erreur du styliste, Gyorgi Peluci, sous les traits d'un Afro-Américain.

La relation entre Smithers et M. Burns est un long comique de répétition dans Les Simpson. Il est un assistant obéissant et flagorneur. À bien des égards, Smithers représente le stéréotype de l'homosexuel inavoué et de nombreuses allusions et doubles sens permettent de confirmer son attirance pour les hommes, même si plusieurs producteurs de la série le considèrent plutôt comme « Burns-sexuel ».

Articles non récompensés

Thomas Alva Edison

Thomas Edison en 1914

Thomas Alva Edison (11 février 1847 Ohio - 18 octobre 1931 New Jersey) surnommé « le magicien de Menlo Park », est un des inventeurs américain les plus importants des États-Unis. Fondateur de General Electric, un des premiers empires industriels mondiaux, inventeur pionnier de l'électricité, du téléphone, du cinéma et de l'enregistrement du son, dépositaire du nombre record de 1093 brevets. À sa naissance, les applications de l'électricité n'existaient pas, 84 ans plus tard, elles éclairent le monde entier. Lire la suite

Auguste et Louis Lumière

Auguste et Louis Lumière

Auguste Marie Louis Nicholas Lumière (19 octobre 1862 à Besançon - 10 avril 1954) et Louis Jean Lumière (5 octobre 1864 à Besançon - 6 juin 1948) sont deux ingénieurs qui ont joué un rôle primordial dans l'histoire du cinéma et de la photographie. Ils sont souvent désignés les frères Lumière.

Ils sont les fils de l'industriel et photographe Antoine Lumière.

Histoire de l'animation

L’histoire de l’animation débute, contrairement à ce que l’on pourrait croire, bien avant le début du cinéma.

Au XIXe siècle, une variété de différents jouets optiques font leur apparitions. Parmi ceux-ci notons le thaumatrope de l’Anglais John Ayrton Paris, le phénakistiscope du Belge Joseph Plateau, le zootrope de l’Anglais William George Horner et le praxinoscope du Français Émile Reynaud.

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