Art nouveau

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Art nouveau
Image illustrative de l'article Art nouveau
Composition représentant les divers aspects de l'Art nouveau.
Période 1890 - 1910 environ
Vase Daum, Nancy (vers 1900).
Vase Rosenthal, Art nouveau (vers 1900).

L'Art nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui s'appuie sur l'esthétique des lignes courbes.

Né en réaction contre les dérives de l’industrialisation à outrance et la reproduction sclérosante des anciens styles, c'est un mouvement soudain, rapide, qui connaît un développement international : Tiffany (d'après Louis Comfort Tiffany aux États-Unis), Jugendstil[Note 1] (en Allemagne), Sezessionstil (en Autriche), Nieuwe Kunst (aux Pays-Bas), Stile Liberty (en Italie[1]), Modernismo (en Espagne), style sapin (en Suisse), Modern (en Russie). Le terme français « Art nouveau » s’est imposé au Royaume-Uni, en même temps que l’anglomanie en France a répandu la forme Modern Style au début du XXe siècle[2].

S'il comporte des nuances selon les pays, ses critères sont communs : l'Art nouveau se caractérise par l'inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. C'est aussi un art total en ce sens qu'il occupe tout l'espace disponible pour mettre en place un univers personnel considéré comme favorable à l’épanouissement de l'homme moderne à l'aube du XXe siècle. En France, l'Art nouveau était appelé « style nouille » par ses détracteurs, en raison de ses formes caractéristiques en arabesques, ou encore « style Guimard », à cause des bouches de métro parisiennes réalisées en 1900 par Hector Guimard.

Apparu au début des années 1890, on peut considérer qu’à partir de 1905, l'Art nouveau avait déjà donné le meilleur de lui-même et que son apogée est atteint[3]. Avant la Première Guerre mondiale, ce mouvement évolua vers un style plus géométrique, caractéristique du mouvement artistique qui prendra la relève : l'Art déco (1910-1940).

Aux origines de l'Art nouveau[modifier | modifier le code]

Un long cheminement pour se libérer du classicisme[modifier | modifier le code]

Les planches dessinées par Ernst Haeckel, comme ces coquillages, seront source d'inspiration pour les artistes de l'Art nouveau.

Au XIXe siècle, presque toutes les formes d'art s'inspirent du passé. L'imitation du gréco-romain cohabite avec celle des styles nationaux. Cependant, certains artistes ont espéré que le XIXe siècle trouverait enfin un style qui lui soit propre. La prédominance des formes inspirées du passé est la raison fondamentale de l'apparition d’un Art nouveau.

La source est très ancienne et la thématique de l'Art nouveau se trouve déjà dans les textes des théoriciens révolutionnaires. Ainsi, Claude Nicolas Ledoux est l'un des premiers à poser cette question d’un art qui ne soit pas l’imitation de quelque chose, mais qui aille plus loin en créant quelque chose de totalement original pour une civilisation nouvelle. On l'aperçoit aussi dans les formes les plus inattendues comme avec le retour à l’historicisme qui n'est autre qu'un moyen d’évasion[4].

En étant l’un des premiers à dessiner une multitude de coquillages, fleurs, méduses, dans un but scientifique, Ernst Haeckel peut être considéré comme un autre précurseur de l’Art nouveau. Son travail a inspiré les grands lustres en forme de méduse de Constant Roux, pour le musée océanographique de Monaco. Les acteurs de l’Art nouveau feront souvent référence à cette réalisation, tant ce fut un choc pour eux, même si pour Haeckel il ne s'agissait que de copies du réel[5]. De même, la porte monumentale de l'architecte français René Binet, à l'Exposition universelle de 1900, s'inspire du travail de Haeckel.

Les précurseurs[modifier | modifier le code]

Royaume-Uni[modifier | modifier le code]

La Séduction de Merlin, Edward Burne-Jones (1874), Lady Lever Art Gallery, Liverpool.

Les prémices de cet art sont perceptibles dans la dimension onirique perceptible chez les peintres préromantiques. Augustus Pugin, classé parmi les artistes de style néogothique, et qui vit en Angleterre vers 1830-1850, possède une invention qui préfigure l’extraordinaire saturation décorative de l’Art nouveau, la liberté des formes, la puissance de la couleur, la lutte entre architecture et décor qui est l’un des grands combats artistiques de la seconde moitié du XIXe siècle[4]. Par ailleurs, le préraphaélisme s'éveille dès 1850 aux courbes et aux couleurs, inspirées des maîtres italiens du XVe siècle ou de la Renaissance florentine (Botticelli) par réaction à la révolution industrielle.

Les fondements théoriques du mouvement Arts & Crafts, comme les thèses de William Morris, de John Ruskin, lequel influence Arthur Heygate Mackmurdo, ou de Charles Rennie Mackintosh qui réalise la Glasgow School of Art à Glasgow de 1897 à 1899, définissent un nouvel art décoratif au Royaume-Uni. Ils se prononcent contre les dérives de l'industrialisation et de l'assèchement créatif qu'elle entraîne, ils prônent un retour à l'esprit des guildes médiévales, à l'étude du motif naturel, à l'emploi de formes épurées : la régénération de la société ne se fera que par la vérité des formes qui l'entourent et dont elle use. Dans la foulée se développe un courant assez proche appelé esthétisme et qui marquera des artistes comme Oscar Wilde, Edward Burne-Jones à partir de 1874 ou Aubrey Beardsley en 1893.

Espagne[modifier | modifier le code]

En Espagne, et plus précisément en Catalogne, le mouvement porte le nom de modernisme catalan à la suite de l'exposition universelle de 1888 de Barcelone. Il se construit durant les années 1870 sur la conjonction de plusieurs facteurs : la rénovation artistique, en parallèle d’autres arts contemporains, la recherche de nouvelles expressions formelles et la volonté de se situer dans une modernité d’envergure européenne. Selon les mots de l’écrivain Joan Fuster, il a vocation à transformer « une culture régionale traditionaliste en une culture nationale moderne ».

Les prémices de l'Art nouveau se retrouvent dès 1871 dans les cours de la nouvelle École provinciale d'architecture de Barcelone, qui était alors dirigée par Elies Rogent i Amat (1821-1897) et dans les œuvres de Josep Domènech i Estapà — malgré lui, puisqu’il refusa explicitement ce mouvement. Cependant, il est classique de considérer qu'en Catalogne l'Art nouveau commence en 1888, lors de la première exposition universelle de Barcelone, occasion pour laquelle un grand nombre d'édifices modernistes furent construits. De cet évènement subsistent encore l'arc de Triomphe de Barcelone et le Château des trois dragons[6].

Ce mouvement présentait des similitudes conceptuelles et stylistiques avec diverses variantes de l’Art nouveau qui se développait en Europe à la même époque. Par contre, il se singularisait selon trois aspects : il se développait dans la continuité de la renaissance catalane (1833-1880) ; il apparait au moment où existait un pressant besoin d’évolution et de rénovation politique et sociale et, alors qu’au même moment, la plupart des villes de Catalogne s’agrandissaient à un rythme hors de toutes comparaisons depuis la Renaissance — Girone, Tarragone, Reus, Sabadell, Terrassa, Mataro et surtout Barcelone avec son plan Cerdà (lancé en 1859), qui offrait 1 100 hectares de terrains nus à l'imagination des architectes[6]. En outre, et contrairement à d'autres pays d'Europe, il cherchait à créer un art national là où d'autres pays cherchaient à dépasser leurs frontières[7]. Antoni Gaudí est le principal représentant des nouvelles tendances de ce mouvement, dès 1886 avec notamment le Palais Güell (1886-1890) orné de ferronneries et pinacles ouvragés, qui succède à sa période orientalisante initiée en 1883 (El Capricho, Casa Vicens) et précède le Collège Sainte-Thérèse de Barcelone (1888-1889) aux accents déjà modernes, puis le plein épanouissement de sa période naturaliste à la fin du siècle.

Belgique et France[modifier | modifier le code]

Affiche de l'exposition de 1896 de la Libre esthétique. Théo Van Rysselberghe.

En France, le propos, plus ou moins moral, se veut plus rationnel, moins tourné vers le passé et moins fermé aux matériaux nouveaux : dans ses écrits théoriques marqués par le rationalisme (Entretiens sur l'architecture, 1863), Eugène Viollet-le-Duc ne rejette pas le matériau moderne (le fer notamment), mais veut au contraire l'afficher en lui donnant une fonction ornementale et esthétique, à la manière des structures gothiques du Moyen Âge. Paradoxalement connu comme le chef de file français du mouvement néo-gothique, Viollet-le-Duc sera l'inspirateur de nombreux architectes de l'Art nouveau. Par ailleurs, certaines de ses œuvres décoratives, notamment ses fresques peintes au château de Roquetaillade (1850), sont de parfaits exemples du lien de filiation entre le mouvement néogothique et l'Art nouveau. Mais c'est à partir de 1892 à Bruxelles avec Victor Horta, Henry Van de Velde et Paul Hankar, puis en France que sont définis les principes formels d'une architecture spécifiquement dénommée « Art nouveau ».

A Bruxelles, où il existe un milieu d'avant-garde à la recherche de nouveauté capable de faire pièce à l'historicisme triomphant, un ensemble de mécènes et d'artistes connu sous le nom de groupe des vingt. organise à partir de 1884 des expositions regroupant des artistes refusés par les salons officiels. La plupart sont des admirateurs des stylisations novatrices de Mackmurdo et ils invitent de nombreux progressisites dans le domaine de la peinture. Ce groupe est peut être le premier a intégrer au sein d'une exposition de peinture et sculpture des objets d'art d'écoratif. Ce mouvement est très infuencé par des penseurs et artistes anglais, tel Morris, Whistler ou Beardsley ; et par l'art japonais. Ce groupe poursuit la même activité après 1894 sous le nom de La Libre Esthétique[8].

Evolutions du mouvement[modifier | modifier le code]

Le mouvement identifié en tant que tel est divisé en trois périodes, notamment par Paul Greenhalgh, un période d'apparition au grand public, très courte entre 1893 et 1895 ; une période où le mouvement s'étend rapidement et prend place dans tous les milieux culturels, entre 1895 et 1900 et enfin un moment où le mouvement se stabilise, commence à faire des bilans sur lui-même et essuie de sévères critiques, avant de s'effacer durant la Première Guerre mondiale[9].

Les débuts de l'Art nouveau - 1893-1895[modifier | modifier le code]

Détail du frontispice du Palais de la Sécession, Vienne

« À chaque époque son art, à chaque art sa liberté ! »

— Devise de la Sécession Viennoise inscrite sur le Palais de la Sécession à Vienne, 1897.

Le mouvement en tant que tel nait et se développe dans toute l'Europe entre 1890 et 1895 avec une très grande rapidité. Il est ainsi très délicat d'identifier des initiateurs précis. Le fait que de très nombreuses disciplines s'emparent de ce nouveau catalogue de formes donne très rapidement l'impression aux contemporains qu'ils assistent à l'émergence d'un mouvement artistique à part entière englobant tous les aspects de la vie[10].

Paul Greenhalgh identifie la phase initiale du mouvment entre 1893 et 1895, autour de quatre évènements se déroulant surtout dans de grandes capitales, Londres, Bruxelles et Paris.

Le premier évènement est la publication dans le premier numéro de la revue The Studio des dessins de Aubrey Beardsley en 1893. Ce jeune illustrateur présente pour la première un style de dessin qui sera caractéristique de l'Art nouveau, et il devient instantannément le centre d'intérêt des avant-garde des deux côtés de l'Atlantique[11].

La même année, à Bruxelles, Victor Horta achève l'hôtel particulier de Emile Tassel, première réalisation architecturale Art nouveau aboutie[12]. Horta exploite le premier la ligne courbe, symbole entre tous de ce mouvement. La fluidité des espaces fait écho aux courbes végétales qui investissent ferronneries, mosaïques, fresques et vitraux, éléments tant structures qu'ornements, dans la plus parfaite ligne d'Eugène Viollet-le-Duc. Horta conçoit un édifice inédit avec des meubles qui correspondent au rythme des murs et de l’architecture ; il dessine les motifs des tapis, conçoit les meubles : c'est la naissance d'un « Art total ».

L'année suivante, toujours dans la capitale belge, Henry Van de Velde publie un pamphlet le Déblaiement d'Art qui prend du recul sur les évolutions artistiques contemporaines et fustige avec fougue le monde de l'art institutionnalisé. Cette réflexion est la première intellectualisation de deux idées fortes de l'Art nouveau : la valeur des arts décoratifs aux côtés des arts dits nobles et l'importance de l'harmonie générale dans tout travail de décoration[12].

Le dernier évènement, qui clôt la phase initiale du mouvement est l'ouverture à Paris en 1895 du magasin et centre d'exposition la Maison de l'Art nouveau par Siegfried Bing qui popularise le style dans la capitale et le fait connaître au grand public[13],[14].

À la fin du XIXe siècle, les échanges artistiques s’ étant intensifiés, le mouvement se diffuse rapidement. Des albums et revues d’art et d’architecture sont abondamment illustrées et propagent les idées nouvelles, comme L'Estampe originale (1888-1895), The Studio (1893), Jugend (1896), Art et décoration (1897), etc. Le développement des moyens de communication permet aux architectes de voyager ; ainsi des connexions s'établissent entre Bruxelles et Paris : Hector Guimard sera très influencé au cours d’un voyage qu’il a fait en 1895 pour voir les architectures de Victor Horta, ce qui l’amènera à intégrer certaines de ses formes dans sa propre architecture[3]. De même, des liens très étroits se tissent entre Vienne et Glasgow, et un architecte comme Otto Wagner recevra la visite de Charles Rennie Mackintosh.

Dénomination[modifier | modifier le code]

L'expression « Art nouveau » est employée pour la première fois par Edmond Picard, en 1894, dans la revue belge L'Art moderne, dans la lignée de La Jeune Belgique, pour qualifier la production artistique d'Henry van de Velde[15].

Cependant, le nom a été inventé par Van de Velde avec Victor Horta, Paul Hankar et Gustave Serrurier-Bovy[16]. Elle passe en France, lorsque, le , elle devient l'enseigne de la galerie d'art de Siegfried Bing, sise 22, rue de Provence à Paris, sous le nom maison de l'Art nouveau.

En Angleterre, ce mouvement est également connu sous le terme de Arts and Crafts movements, même si les personnes qui emploient cette expression l'utilisent pour désigner un mouvement plus large[13].

En France, on utilise quelquefois, surtout au début, le terme Modern Style pour faire référence au rôle initiateur joué par l'Angleterre[13]. Avec Art nouveau, il existe les expressions style 1900, style Guimard[Note 2], style de Glasgow[Note 3][17]. Les personnes critiquent envers ce courant artistiques emploient volontiers les termes style métro, style Maxim's, style ténia[18] ou Yachting style, comme le nomme Edmond de Goncourt en comparant les présenations de Bing à l'exposition universelle de 1900 à des cabines de bateau[17].

En Allemagne, On emploie soit Studio-stil en référence à la revue The Studio qui a popularisé le mouvement soit Jugendstil, du nom d'une autre revue défendant l'Art nouveau Jugend. Les Allemands emploient également les termes Belgischestil ou Veldeschstil en référence à la Belgique ou à Henry Van de Velde[13]. Apparraissent également outre-Rhin les expressions Lilienstil, style lys ou Wellenstil, style vague[17].

En Italie, en Espagne ou en Amérique latine, le terme de style Liberty est employé en référence aux magasins du même nom qui importent des produits de ce mouvements[13].

Déploiements - 1895-1900[modifier | modifier le code]

La phase d'extension et de maturité du mouvement se situe entre 1895 et 1900. Ce style se répend dans toute l'Europe, chaque ville ou pays adaptant le mouvement artistique à ses propres caractéristiques et considérations locales[19].

La Maison de l'Art nouveau de Bing est une des vitrines sur cette période de l'étendue de ce propose le mouvement. Il expose ainsi des vitraux de Tiffany[Note 4], des réalisationbs de Van de Velde, de Beardsley, Lalique, Colonna, Gaillard ou De Feure[20].

Ruptures et déclin - 1900-1914[modifier | modifier le code]

Entre 1900 et 1914, l'Art nouveau s'est imposé et il commence à faire l'objet de débats, de discussion de critiques[19]. Dès 1900, de nombreux critiques d'art s'attaquent à ce mouvement. Ils reprochent notamment de laisser obstinament de côté l'un des principes des arts décoratifs qui veut que l'ornementation d'un objet doit être subordonné à sa fonction. Dès l'exposition universelle de 1900, Charles Genuys, ciritque à La revue des arts décoratifs soulève ce point entre autre[21].

Par ailleurs, les créateurs authentiques sont vite rattrapés par le succès d'une mode dont ils sont (involontairement) les inspirateurs, et qui triomphe à l'exposition universelle en 1900, notamment dans une bimbeloterie envahissante (dénoncée par Bing et van de Velde) qui ternit pendant longtemps la mémoire de l'Art nouveau. A partir de 1910, les salons des arts décoratifs sont inondés d'objets quelconques, reprenant des styles anciens et ne laissant plus de place aux objets art nouveau, que le public délaisse[22].

Le déclin de l'art nouveau se voit en partie par le déplacement d'une partie de ces créateurs s'éloignent vers d'autres styles (dès 1905-1906) qui, eux, se maintiennent en vie. De plus, comme les représentants les plus influents de ce courant sont dispersés dans toute l'Europe, ils n'ont pas pu élaborer de système formel, ni s'inscrire au sein d'une institution officielle qui aurait légitimé et porté le mouvement[23].

L’Art nouveau a également été accusé d’être insupportable par le mouvement nationaliste, dans les années 1904-1905, où les associations d’extrême droite française condamnent Hector Guimard, on parle même de « style nouille ». C’est le rejet total et on n’hésite pas à employer la même rhétorique que pour les juifs : les artistes sont contre la nation et doivent être éliminés… [4].

Une nouvelle manière de s'exprimer[modifier | modifier le code]

C'est à partir d'idées et d'idéaux communs que naquit l'aspiration à un style homogène qui trouverait son expression non pas dans l'uniformité, mais dans la diversité[24]. L’Art nouveau contient l’acceptation des différences de genre et d’esprit entre les êtres, il procède d’une très grande générosité de pensée. Ainsi dans la même ville, Bruxelles, trois architectes de renom ont pu cohabiter : Paul Hankar, Henry van de Velde et Victor Horta. Plutôt que de s’enfermer dans un style, les artistes ont avant tout la volonté de trouver de nouvelles manières de s’exprimer[3].

Un art de la jeunesse[modifier | modifier le code]

Sgraffites sur la maison Cauchie, Bruxelles (1905).

L’Art nouveau apparaît un peu partout au même moment. L'historien Mario Praz parlera de « déflagration », « d'explosion de la jeunesse ». Ce courant est le fait d'une génération d'artistes, souvent jeunes (Hector Guimard a moins de trente ans lorsqu'il dessine le métro parisien), et qui sortent de leur tour d'ivoire pour prendre en main le décor de la vie. L'objectif est de rompre avec l'exploitation des styles du passé, afin de proposer une alternative à un historicisme officiel qui empêche le renouveau des formes. Le terme allemand Jugendstil signifie explicitement « style de la jeunesse ».

L’Art nouveau vient en réaction à l’obligation de faire ce qui est convenable, codifié. Ainsi, la lecture de la baronne Staffe, qui a écrit un traité des bonnes mœurs pour faire l’éducation des classes moyennes, permet de mieux comprendre la société de 1900 : tout y apparaît codifié, de la longueur du voile de deuil à la carte de visite en passant par le type de chapeau… Ces règles seront insupportables aux artistes de la mouvance Art nouveau, tout comme celui-ci paraîtra insupportable, en tant qu'art non convenu, dans lequel il est impossible de se repérer par rapport aux styles et aux conventions de l’époque[3]. Dans l’Art nouveau, il y a liberté de jouer, de s’amuser, d’être non conventionnel : c'est un art sonore, joyeux, musical, ce n’est pas un art du silence, de l’austère[5].

Plus encore, la sensualité et l’érotisme de l’Art nouveau font scandale. S'il porte une charge érotique manifeste, la sensualité des formes végétales comme la sur-utilisation de l’image de la femme dans le répertoire ornemental sont intimement liés à ce sentiment de vie que les artistes cherchent à restituer dans le décor quotidien[3].

Un art dans la vie[modifier | modifier le code]

Lampe Tiffany (vers 1890-1900).

Réaliser l'unité de l'art et de la vie, tel était l'objectif déclaré de l'Art nouveau[24], qui estime qu’il faut un cadre de vie qui correspond aux exigences de l’homme moderne du début du XXe siècle. Un autre objectif est de réagir contre une dérive liée à l’industrialisation à outrance et dépourvue de toute capacité d’invention. Prendre la nature comme référence, c’est alors réagir contre le rationalisme du début de l’ère industrielle, sa froide efficacité et sa morale puritaine. Les motifs habituellement représentés sont des fleurs, des plantes, des arbres, des insectes ou des animaux, ce qui permettait non seulement de faire entrer le beau dans les habitations, mais aussi de faire prendre conscience de l'esthétique dans la nature. Si la référence à la nature est une constante, la façon dont ces artistes vont aborder les modèles naturels varie.

Émile Gallé est un artiste naturaliste qui s'inspire de la nature en la stylisant très peu, il utilise ses formes dans les décors et dans les dessins de ses meubles. D’autres artistes vont plus loin et restituent dans les formes qu’ils inventent le sentiment de la sève qui circule dans le monde végétal. Naissent ainsi des formes qui suggèrent plus un organisme en croissance qu’un modèle précis. C'est par exemple le cas de Guimard, de Gaudí et de certains artistes allemands, comme August Endell, qui partent de la nature pour évoluer vers un phénomène d’abstraction[3].

Les artistes vont créer des formes originales, inédites, inventer un vocabulaire nouveau tout en tenant compte de la possibilité de les reproduire industriellement. C'est une réaction à la fois contre une industrialisation mal pensée, tout en intégrant cette volonté de modernité. Avec l'utilisation des matériaux nouveaux et des moyens de production modernes, l'un des buts poursuivis, pour lequel il a échoué, était de s’adresser au plus grand nombre.

C'est dans cette optique que les anciens matériaux, comme le bois ou la pierre, ont été élégamment mariés avec les nouveaux, comme l'acier ou le verre. Pour chacun d'eux, des artistes ont poussé leurs recherches à l'extrême pour en tirer le meilleur parti. C'est ainsi que les pâtes de verre multicouches, les rampes d'escalier à entrelacs de ferronneries, les meubles aux ondulations de bois ont permis de mettre l'art à disposition de tous, pour un coût abordable, tout en gardant une volonté d'innovation formelle, inspirée de la nature. Cet art est tout de même lié à de nombreux mécènes et se propage dans un premier temps dans un milieu élitiste bourgeois.

Les clients sont nombreux pour les vases Gallé, dans les milieux mondains parisiens, entre 1896 et 1899. Mais, très vite, le succès populaire notamment dans le domaine de l’affiche, en fait quelque chose qui manque de classe et l’Art nouveau sera assez vite assimilé à l’émergence des classes moyennes. Très vite dévalué, puis mis en cause par les nationalistes, il devient totalement inexistant dans les milieux supérieurs en quelques années. Au contraire, dans les classes moyennes françaises, l’Art nouveau a une très longue durée, et se prolonge jusque dans les années 1920, comme en témoigne l’Exposition des Arts Décoratifs de 1925, où son influence est encore sensible[4].

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Un art dans la ville[modifier | modifier le code]

La façade du Castel Béranger, d'Hector Guimard

Si le XXe siècle qui se profile se rêve nouveau et moderne, on se rend aussi compte que cette modernité risque de couper l'homme de la nature. Tout se passe comme si celle-ci risquait de s'échapper et que les artistes devaient essayer de la réintroduire le plus naturellement possible dans le cadre de vie. L’Art nouveau est un art essentiellement urbain, citadin qui trouve un écho dans des villes comme Barcelone, Glasgow, Vienne, Paris ou Bruxelles.

En France, l'Art nouveau se décline en deux écoles : Paris et Nancy.

À Paris, Samuel Bing, marchand d'art, ouvre en 1895 une galerie : la Maison de l'Art nouveau. Précurseur français du mouvement, qui sera baptisé, comme son magasin, l'Art nouveau, Bing expose des designers, tels Van de Velde, Colonna ou de Feure. À la même époque, la construction d'un immeuble, le Castel Béranger, rend célèbre, malgré les critiques, son architecte Hector Guimard ; le « style Guimard » est aujourd'hui indissociable des entrées du métro parisien, réalisées en fonte industrielle.

À Nancy, c'est autour d'Émile Gallé, verrier et ébéniste, qu'est créée en 1901 la fameuse École de Nancy. Par ce courant résolument novateur, Nancy s'affirme comme la capitale de l'Art nouveau en France. Des verriers, ébénistes, architectes ou ferronniers de renom en étaient membres. À titre d'illustration, un immeuble aujourd'hui monument historique, sis au 22, rue de la Commanderie, à Nancy, est le fruit de la collaboration entre l'ébéniste et ferronnier d'art Eugène Vallin, le verrier Jacques Grüber et l'architecte Georges Biet[25]. Parmi les architectes nancéiens, citons encore Émile André, membre du comité directeur de l'école de Nancy avec, à son actif, une douzaine d'immeubles Art nouveau dans cette ville. De même Reims, ville reconstruite après la Première Guerre mondiale, peut-être considérée comme une ville de l’Art nouveau tardif[4]. En Alsace-Moselle, on remarque la présence du Jugendstil (équivalent germanique de l'Art Nouveau) dans l'architecture, du fait de l'annexion allemande, notamment à Strasbourg et à Metz.

S'il existe des maisons de campagne d'inspiration Art nouveau, elles sont souvent commanditées par les mêmes personnes qui font construire leur hôtel particulier, ou hôtel de rapport, en plein cœur de la ville. L'Art nouveau inspire bien sûr l'architecture de nombreux immeubles parisiens, mais surtout celle, parfois très soignée, de nombreuses villas anciennes en meulière, construites pour la plupart au début du XXe siècle, et que l'on peut découvrir en banlieue parisienne, notamment dans les villes de banlieue du Val-de-Marne, de l'Essonne et de Seine-Saint-Denis. Celles-ci se caractérisent par leurs audaces en fer forgé, leurs décors de briques et de faïence, leurs pignons et parfois leurs petites tours. C'est dans ces banlieues que des architectes français expérimentent de nouveaux matériaux et de nouveaux styles inaugurant l'Art nouveau qui, par opposition à l'académisme, se veut total.

En Catalogne, après l'explosion de l'exposition universelle, l'Art nouveau est surtout un fait bourgeois. Il fleurit sur l'avenue du passeig de Gràcia, à Barcelone[Note 5], et dans les principales artères de l'Eixample, à la faveur de concours d'architectures organisés par la ville. Il conquiert rapidement tous les domaines et devient un art officiel avec les commandes publiques de bâtiments de grande dimensions (le palais de la musique catalane, l'hôpital de Sant Pau, le conservatoire de Barceloneetc.) et pour l'aménagement urbain (des luminaires, places ou bancs). Pensé pour accueillir un quartier de la ville entièrement moderniste, le parc Güell resta cependant un des rares jardins publics Art nouveau, avec la fin de la vogue de cet art comme avant-garde, et le retrait des investisseurs. Propulsé par de riches industriel, l'Art nouveau devient rapidement — contre ses idéaux d'origine — un style industriel. L'usine textile Casaramora ou le cellier Güell sont des exemples de ce modernisme appliqué à l'industrie et aux exploitations agricoles. Cette architecture est également appliquée à l'art religieux (Sagrada Família, crypte de la Colonie Güell, cimetières), aux bâtiments scientifiques (observatoire Fabra), voire scolaires (école de la Sagrada Família, collège Sainte-Thérèseetc.).

Plus récemment, à Bruxelles, l'artiste italien aimant pousser la chansonnette pour la réalisation de ses œuvres, Gola Hundun, qui n'est, d'ailleurs, pas forcément à placer dans la catégorie des artistes de l'art nouveau, réalise pour la ville de Bruxelles, une fresque sur le bâtiment H de l'Université libre de Bruxelles. Cette fresque empreinte de courbes, et de couleurs représentant des végétaux peut être rapprochée de l'art nouveau[26].

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Un art total[modifier | modifier le code]

S'il est relativement polymorphe, l'Art nouveau concerne avant tout l’architecture et les arts du décor. Les connexions entre le mouvement et les arts dits nobles tels la peinture ou la scultpure sont plus éloignés et si des influences croisées apparraissent de manière évidentes, elles ne permettent pas de parler d'un style Art nouveau en peinture et sculpture.

Architecture[modifier | modifier le code]

Intérieur de l'Hôtel Tassel construit par Victor Horta. 1893. Bruxelles.

Une partie des origines des réalisations Art nouveau en architecture vient des théories de Viollet-le-Duc qui, très tôt, utilise des formes nouvelles pour dépasser les styles anciens et surtout postule (sans le tester) la possibilité d'ériger des structures portantes en acier pour la recouvrir de maçonnerie. Cette nouvelle technique permet de penser différemment la construction des bâtiments par la suppression des ouvrages de renforcement obligatoire dans l'architecture traditionnelle tels les plafonds voûtés et les arcs-boutants. Cette idée est reprise lors de la période Art nouveau par tous les grand architectes du mouvement, Louis Sullivan, Victor Horta, Francis Jourdain ou Auguste Perret[27].

Le premier architecte véritablement Art nouveau est Victor Horta. Il emprunte résolument la voie de l'acier au sein de ces constructions ; mais contrairement à la norme adoptées par ces contemporains qui cachent cette matière pour laisser apparent les traditionnelles, il décide de montrer les structures en acier, de les intégrer hardiment à l'ensemble décoratif du bâti. Ce parti-pris à rebours des habitudes fait sensation et devient une marque de fabrique, qu'il porte au plus haut point avec la Maison du peuple commandée par le Parti ouvrier belge achevé en 1899[27]. Mais le programme de l'architecture Art nouveau est tout entier contenu dans la première contruction de Horta, l'Hôtel Tassel. Édifié en 1892, cette construction surprend l'ensemble de la profession, car il porte l'architecture bien au-delà des arts décoratifs pour toucher à un domaine bien plus large[28].

Quelques œuvres architecturales majeures[modifier | modifier le code]

Immeuble construit par Louis Perreau, à l'angle des rues du Château et du Temple, à Dijon.

L'Art nouveau a été décliné selon la sensibilité de chaque pays.

L'Art nouveau a également laissé de nombreuses œuvres dans les villes de Nancy et Bruxelles qui furent des centres de développement de ce mouvement. Également, Rīga contient la plus grande concentration d'Art nouveau en Europe.

Patrimoine mondial de l'Unesco[modifier | modifier le code]

Articles détaillés : modernisme catalan et Art nouveau à Bruxelles.

Les principaux bâtiments classés par l'Unesco comme patrimoine mondial se trouvent à Barcelone et Bruxelles.

La première ville abrite des monuments classés du modernisme catalan des architectes Antoni Gaudí et Lluís Domènech i Montaner. Pour le premier, il s'agit du parc Güell, du palais Güell, de la Casa Mila, de la Casa Vicens, du travail de Gaudí sur la façade de la Nativité et la crypte de la basilique de la Sagrada Familia, de la Casa Batlló et de la crypte de la Colonie Güell. Pour le second, il s'agit de l'hôpital de Sant Pau et du palais de la musique catalane.

À Bruxelles, ce sont des bâtiments de Victor Horta et Josef Hoffmann. Du premier, ce sont les quatre habitations majeures : l'hôtel Tassel, de l'hôtel Solvay, de l'hôtel van Eetvelde et de la maison Horta, maison-atelier de l'architecte, devenue musée Horta. Du second, c'est le palais Stoclet, réalisé entre 1905 et 1911 par l'architecte autrichien Josef Hoffmann, l'un des maîtres de la Sécession viennoise.

Mobilier[modifier | modifier le code]

Lit et psyché de Gustave Serrurier-Bovy (1899), exposé au musée d'Orsay.
Vase en étain Art nouveau, par Orivit (vers 1900).
Déclinaison industrielle de l'Art nouveau : une poignée de porte de magasin, dessin anonyme (Haute-Vienne).

La conception du meuble de l'Art nouveau fait revivre l'artisanat : il est le style du concepteur individuel, remettant en son centre le travail de l'artiste et éloignant celui de la machine. L'innovation majeure dans le domaine de la décoration intérieure se situe dans la recherche d’unité. Toutefois, le style n’échappe pas à certains parallèles avec la tradition, en particulier gothique, rococo et baroque ; le gothique servit ainsi de modèle théorique, le rococo d’exemple dans l’application de l’asymétrie, et le baroque de source d’inspiration en matière de conception plastique des formes. De son côté, l’art coloré du Japon, par son traitement hautement linéaire des volumes, contribua également massivement à l’émancipation de l’Art nouveau de l’asservissement à la symétrie des ordres grecs.

Le bois prenait des formes étranges et le métal, à l’imitation des entrelacements fluides de la nature, devint tortueux. En effet, le style est très largement basé sur l’observation de la nature, non seulement en ce qui concerne l’ornement, mais aussi d’un point de vue structurel. Des lignes vitales, sensuelles et ondoyantes, irriguent la structure et en prennent possession. Chaises et tables semblent modelées dans une matière à la mollesse caractéristique. Partout où cela est possible, la ligne droite est bannie et les divisions structurelles sont cachées au bénéfice de la ligne continue et du mouvement. Les plus belles réussites de l’Art nouveau, au rythme linéaire marqué, relèvent d’une harmonie qui les rapproche de l’ébénisterie du XVIIIe siècle.

C’est à Nancy que les affinités entre rococo et Art nouveau apparaissent de la manière la plus convaincante. Moins fascinant, mais faisant partie des personnalités artistiques les plus en vue de l’époque, Louis Majorelle (1859-1926) est le deuxième chef de file du courant Art nouveau à Nancy. Les travaux d’incrustation de Gallé étaient le point fort, en variant beaucoup les motifs, en allant du végétal aux inscriptions littéraires à contenu symbolique. Typique pour la production de ce maître est la transformation d’éléments structurels en tiges ou en branches se terminant en fleurs. Contrastant avec l’école de Nancy, l’Art nouveau parisien est plus léger, plus raffiné et austère. Les motifs d’inspiration naturelle présentent un degré de stylisation plus grand, parfois même une certaine abstraction, et apparaissent de manière marginale.

Bijouterie-joaillerie[modifier | modifier le code]

Long collier dit sautoir. La mode est au bijou fantaisie (laiton, verre, corail…).
Collier René Lalique (vers 1898-1900).

L’art de la joaillerie a été revitalisé par l’Art nouveau, la principale source d’inspiration étant la nature. Cette rénovation fut complétée par la virtuosité atteinte dans le travail de l’émail et des nouveaux matériaux, tels que l’opale et autres pierres semi-précieuses. L’intérêt généralisé porté à l’art japonais et l’enthousiasme grandissant pour les différentes techniques de la transformation du métal, jouèrent un rôle considérable dans les nouvelles approches artistiques et les thèmes d’ornementation.

Durant les deux siècles précédents, la joaillerie fine s’était centrée sur les pierres précieuses, particulièrement sur les diamants. La préoccupation du joaillier consistait principalement à former un cadre adapté, afin que la pierre resplendisse. Avec l’Art nouveau, un nouveau type de joaillerie voit le jour, motivé et dirigé par le concept du dessin artistique, ne donnant plus l’importance centrale du bijou à la pierre sertie.

Les joailliers de Paris et Bruxelles furent les principaux instigateurs de ce revirement, donnant un nouveau souffle qui se traduira rapidement par une large renommée du style Art nouveau. Les critiques français contemporains étaient unanimes : l’art de la joaillerie traversait une transformation radicale, et le joaillier et maître verrier René Lalique se trouvait en son centre. Lalique glorifia la nature dans ses créations, amplifiant son répertoire pour y intégrer des éléments peu conventionnels — citons les libellules et herbes — inspirés par les dessins de l’art japonais.

Les joailliers désiraient se démarquer tout en inscrivant ce nouveau style dans une tradition, puisant leur inspiration dans la Renaissance, pensons notamment aux bijoux en or émaillé et sculpté. Dans la majorité des créations émaillées, les pierres précieuses cédèrent leur place prédominante, les diamants étant relégués à un rôle subsidiaire en combinaison à des matériaux moins habituels comme le verre modelé, l’ivoire et la corne. La perception du métier de joaillier évolue, considéré par ses créations comme artiste et non plus comme artisan.

Peinture[modifier | modifier le code]

Mélancolie, Georges de Feure.

Louis Guingot, peintre résolument Art nouveau, mais méconnu, était membre du mouvement de l'École de Nancy. Il utilisait une technique de peinture à la colle très originale. Citons également Henri Bellery-Desfontaines, Jules Chéret, Georges de Feure, Victor Prouvé et Théophile Alexandre Steinlen, tous artistes peintres qui se dédièrent tout autant à la peinture, à la lithographie et à l'affiche, refusant la séparation entre arts nobles et arts mineurs : la peinture devient un élément du décor.

En Suisse, on peut aussi citer le nom de André Evard.

Arts graphiques[modifier | modifier le code]

Article connexe : Collection JOB.

Des couvertures de livres aux illustrations de revues, des affiches publicitaires aux panneaux décoratifs, de la typographie de presse aux cartes postales, l’Art nouveau a laissé sa trace.

Dans le cadre du renouveau de l'estampe dans les années 1880, soutenu notamment par Auguste Lepère, l'un des précurseurs du nouveau graphisme a été Jules Chéret, le fils d'un typographe, qui avait suivi des cours à la Petite École, future École nationale des arts décoratifs. L'apprenti typographe a développé une nouvelle technique, plus économique, pour la reproduction de la lithographie en couleurs, plus adaptée à la reproduction de masse de l'affiche publicitaire. En outre, il a amélioré la nature esthétique du manifeste, en lui fournissant des motifs décoratifs, le transformant en un art décoratif de forme autonome. Il a été appelé « le père de l'affiche Belle Époque », et a inspiré et encouragé d'autres artistes à explorer le genre.

Des nombreux auteurs qui s’y adonnèrent, le plus influent étant sans conteste le Tchèque Alfons Mucha. Ses créations gagnèrent une renommée internationale, grâce à la délicatesse de ses dessins qui incluaient le plus souvent la figure féminine comme figure centrale, enveloppée par des arabesques d’éléments naturels. Son style, principalement utilisé dans les œuvres à caractère commercial, fut imité par les illustrateurs de son époque. Ce fut, par exemple, le cas de Gaspar Camps, surnommé le Mucha catalan.

Aubrey Beardsley fut un des plus originaux artistes Art nouveau ; ses illustrations en noir et blanc projetant un style très personnel, malgré l’irrévérence érotique et la polémique issue des thèmes qu’il choisit d’illustrer. D’autres affichistes célèbres sont Privat Livemont, Koloman Moser, Charles Rennie Mackintosh, Eugène Grasset, Franz von Stuck ou encore Ramon Casas qui est un artiste du modernisme catalan.

En typographie, de nombreuses créations de caractères se font dans l’esprit de l’Art nouveau, avec, entre autres, Eugène Grasset, Ernest Lessieux et George Auriol (polices Auriol, Française légère) en France, Otto Weisert (police Arnold Böcklin, 1904) en Suisse…

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Principales tendances[modifier | modifier le code]

Europe du Nord[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Jugendstil.

Europe centrale[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Sécession viennoise.

France[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Art nouveau en France.

Si Nancy et Paris concentrent à elles-deux la majorité de l'Art nouveau architectural en France, de nombreuses villes abritent plusieurs réalisations de cette époque et de ce style.

Paris[modifier | modifier le code]

Porche d'entrée de la station de métro Prote Dauphine, créée par Hector Guimard.
Article détaillé : Art nouveau à Paris.

A Paris, comme ailleurs en France, mais en plus foisonnant, l'Art nouveau se développe à la suite de deux mouvements majeurs de la société française : l'esprit fin de siècle, esthétisant et décadent et dont les initiateurs sont les poètes Rimbaud, Verlaine, Baudelaire ou Gautier et le triomphe du modèle social bourgeois sous l'Empire et surtout la Troisième République[29].

A Paris, le mouvement artistique Art nouveau s'exprime dans tous les arts et se déploie pleinement dans tous les aspects de la vie quotidienne, architecture, orfèvrerie, ébénisterie, arts visuels, ... De nombreux artistes tel Hector Guimard ne se limitent pas à tel ou tel aspects mais explorent leurs idées au travers des réalisations très variées[30].

Nancy[modifier | modifier le code]

Mais c'est Nancy qui va constituer le plus bel ensemble d'Art nouveau français. La ville a accueilli à partir de 1870 de nombreux Lorrains qui souhaitaient rester Français, après l'annexion de la Moselle par l'Allemagne. L'Art nouveau y devient le moyen d'expression d'un régionalisme revendiqué. Émile Gallé, Daum Frères, Jacques Grüber et bien d'autres, créent l'École de Nancy.

Belgique[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Art nouveau en Belgique.

Bruxelles[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Art nouveau à Bruxelles.

Les prémisses de l'Art nouveau se retrouvent dans les serres royales de Laeken, construites à la demande du roi Léopold II. Mais c'est le Parti ouvrier belge qui lança véritablement l'Art nouveau en Belgique, en confiant la construction de la Maison du Peuple à Victor Horta, en 1897. Parmi les influences de Victor Horta, on peut nommer Paul Hankar et Gustave Serrurier-Bovy, inventeurs du style à membrures.

Pour Klaus-Jürgen Sembach, la maison de l'ingénieur Tassel incarne toute la complexité de l'Art nouveau : « Les éléments rationnels et artistiques sont parvenus à une symbiose où ne prédomine aucun des deux éléments. » L'utilisation des structures d'acier permet d'assurer la transparence, concept central dans l'œuvre d'Horta, et donner une illusion d'espace dans une ville où les parcelles constructibles sont étroites[31].

L'artiste le plus célèbre de Bruxelles est Henry van de Velde, sans doute grâce à son talent dans le marketing personnel. Il commence sa carrière par la construction de sa propre maison, sans formation de design ou d'architecture.

Suisse[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Art nouveau en Suisse.

Catalogne et Hongrie[modifier | modifier le code]

Articles détaillés : modernisme catalan et Sécession hongroise.

À l'opposé des autres tendances de l'Art nouveau en Europe, les artistes, en Catalogne et en Hongrie, cherchent à créer ou à mettre en valeur une architecture nationale réelle ou supposée. Lorsque Domènech i Montaner déclarait, en 1878 : « Le mot de la fin sur toutes ces discussions sur l’architecture, la question centrale de toutes ces critiques tourne autour de l'idée d’une architecture moderne nationale. »

En Hongrie, Ödön Lechner (1845-1914), s'inspirait de l'architecture indienne et syrienne, récupérait et intégrait les éléments et techniques de construction et de design traditionnels hongrois. Suivant un style différent, le Groupe des Jeunes (Fiatalok), qui incluait Károly Kós et Dezső Zrumeczky, s’inspira de ses méthodes et créa un autre style trouvant ses racines dans l'architecture de Transylvanie. Cette démarche fait clairement écho à la réutilisation du néomudéjar, puis à la récupération des techniques traditionnelles par les architectes catalans pour créer un art national.

Si dans l'un et l'autre des cas, ces démarches aboutirent à des tendances originales, d'autres artistes s'inspirèrent des autres mouvements.

États-Unis[modifier | modifier le code]

Royaume-Uni[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Arts & Crafts.

Russie[modifier | modifier le code]

Article détaillé : Architecture Art nouveau en Russie.

Principaux représentants[modifier | modifier le code]

Maude Adams en Jeanne d'Arc, Alfons Mucha (1909).
Œuvre Art nouveau d'Élisabeth Sonrel (1900).

L'Art nouveau est surtout un mouvement répandu en Europe, mais il existe aussi quelques développements aux États-Unis et en Tunisie.

Voici les principaux pôles et intervenants de l'Art nouveau à travers le monde :

Principales villes Art nouveau dans le monde[modifier | modifier le code]

Les pays et villes faisant l'objet d'un article traitant de l'Art nouveau sont indiqués en gras.

Verrière et lustre[Note 6] de la galerie du palais Gresham, à Budapest.
Kůň, Lucerna passage, Prague.

Postérité de l'Art nouveau[modifier | modifier le code]

Le temps du déni des historiens - années 1920-1940[modifier | modifier le code]

Dans les grandes histoires de l’architecture européenne du XXe siècle, à partir des années 1930 et tout au long des années 1940-1950, les principaux historiens, à l'instar de Nikolaus Pevsner, Sigfried Giedion ou encore Henry Hitchcock (en), ne prennent pas en considération l’Art nouveau. Ainsi, les premières versions du Génie de l’architecture européenne, de Pevsner, ne mentionnent ni Guimard, ni Gaudí. En fait, ces auteurs peinent à situer l’Art nouveau dans une perspective historique et acceptent difficilement la remise en cause de l’affirmation d’une structure (acier, verre…) claire, franche et très affirmée.

Chaise Panton, exemple de design organique

Dans les années 1930, les surréalistes ont une part très active dans la réhabilitation de l’Art nouveau. Salvador Dalí publie un article dans la revue Minotaure, organisme de diffusion de la pensée surréaliste, qui s'intitule « De la beauté terrifiante et comestible du Modern style ». Cet article est illustré par les photographes les plus modernes, comme Brassaï, à qui Dalí commande un reportage sur les entrées du métropolitain nocturne de Guimard. Un autre reportage est commandé à Man Ray pour les architectures de Gaudí. André Breton partageait cette appréhension de l’Art nouveau à la manière de Dalí qui évoque les « formes libidineuses de l’Art nouveau ». Mais surtout Dalí y voit un formidable moyen de lutte contre Le Corbusier, car l’Art nouveau présente une architecture onirique, érotique et beaucoup plus proche du rythme de l’homme[3].

À la même époque, Dalí découvre l'œuvre du peintre Clovis Trouille — il se présentait comme un « rescapé de 1900 » —, qui l'enthousiasme par son absence d'autocensure et ses références récurrentes à l'Art nouveau. C'est aussi au cours de ces années 1930 que le designer finlandais, Alvar Aalto, conçoit des formes sinueuses, libres et expressives, évocatrices des créations les plus abstraites de l'Art nouveau[33].

La chaise Escargot, de Carlo Bugatti, préfigure la chaise Floris de Günter Beltzig, ou encore la célèbre Panton Chair, créée en 1959 par le Danois Verner Panton, et devenue depuis un grand classique de la décoration contemporaine. Quant aux créations de Carlo Mollino, dans les années 1950, elles rappellent les ossatures du mobilier de Gaudí[33].

La redécouverte et la compréhension 1950-2000[modifier | modifier le code]

Le billet de 200 euros, présentant une arche de style Art nouveau.

La parution des premiers grands ouvrages traitant de l’Art nouveau se fait à la fin des années 1950, avec Johnny Watser. Rétrospectivement, ce sont surtout les reproductions des affiches qui ont séduit et le matériel Art nouveau devient accessible aux gens qui font du design. Les motifs seront repris dans les années 1960 par les jeunes artistes graphistes designers. Deux dates expliquent cette connaissance : l'organisation en 1963, au Victoria and Albert Museum de Londres, d'une exposition Mucha et, en 1966, une exposition consacrée au dessinateur Aubrey Beardsley, deux évènements essentiels dans la redécouverte de l'Art nouveau.

En 1966, le sculpteur François-Xavier Lalanne renoue avec le projet de l'Art nouveau de saisir la nature pour améliorer le cadre de vie de l'homme moderne. Cette même année apparaissent à San Francisco les premières affiches psychédéliques dont les graphistes reprendront certains thèmes de l'Art nouveau tels que la chevelure, le paon ou les formes féminines[33].

Entre les années 1980 et 1990, le très nombreuses institutions muséales ont recherché et acquis des éléments art nouveau. Elles ont consacré à ce mouvement de nombreuses expositions et rétrospectives. Enfin, de nombreux ouvrages parus montrent l'intérêt que le public porte sur l'art nouveau sur cette période[34].

Les dessins choisis pour illustrer le billet de 200 euros représentent une arche et un pont d'esthétique Art nouveau.

Bibliographie[modifier | modifier le code]

Ouvrages généralistes[modifier | modifier le code]

  • Victor Arwas, Paul Greenhalgh, Dominique Morel et Marc Restellini, L'Art Nouveau. La révolution décorative, Éd. Pinacothèque de Paris/Skira, catalogue de l'exposition à la Pinacothèque de Paris, 2013.
  • Françoise Aubry, Jos Vandenbreeden et France Vanlaethem, Art nouveau, Art déco & modernisme, Éditions Racine, 2006, 408 p. (ISBN 978-2873864675).
  • Pierre du Bois de Dunilac, Les Mythologies de la Belle Époque. La Chaux-de-Fonds, André Evard et l'Art nouveau, Lausanne, 1975, W. Suter, 1975, 34 p.
  • Maurice Culot et Anne-Marie Pirlot, Art nouveau. Bruxelles, AAM, 2005, 94 p. (ISBN 978-2871431268), p. 16, 35, 90, 91.
  • Pierre Loze, L'Art nouveau, Paris, Flammarion, (ISBN 2-08-011368-2)
  • Alastair Duncan, Art nouveau, Thames & Hudson, (1re éd. 1984), 216 p. (ISBN 2-87811-182-6)
  • Paul Greenhalgh, Art nouveau : un défi, Herscher, (ISBN 2-7335-0302-2)
  • Klaus-Jürgen Sembach, L'Art nouveau : L'Utopie de la Réconciliation, Cologne, Taschen, (ISBN 3-8228-2139-X)
  • Gabriele Fahr-Becker (trad. Annie Berthold, France Varry, Danièle Hirsch, ISBN de l'édition originale allemande : 3-8331-1042-2), L'Art nouveau [« Jugendstil »], Potsdam, Ullmann, , 424 p. (ISBN 978-3-8480-0857-5).
  • Paul Greenhalgh (dir.), Art nouveau, 1890-1914, trad. Sophie Saurat, Delphine Pivoteau, Marie Beaumont, Karine Van Buttsele. Bruxelles, La Renaissance du livre, coll. « Références » ; nouv. éd. La Renaissance du Livre, coll. « Références », 2006, 460 p. (ISBN 978-2874156359).
  • Roger-Henri Guerrand, L'Art nouveau en Europe, Plon, 1965 ; nouv. éd. Tempus Perrin, coll. « Tempus », préface de Louis Aragon, 2005, 304 p. (ISBN 978-2262031992).
  • Jean-Michel Leniaud et Marie-Amélie Tharaud, L’Art nouveau, Paris, Citadelles et Mazenod, coll. « L'art et les grandes civilisations », 2009, 619 p. (ISBN 978-2850884436).* Klaus-Jürgen Sembach, L'Art Nouveau, Taschen, (ISBN 978-3-8228-3005-5).
  • Jeremy Howard, Art Nouveau : International and National Styles in Europe, Manchester University Press, coll. « Critical Introductions to Art », , 300 p. (ISBN 978-0719041617, lire en ligne).
  • François Loyer, Paul Hankar, La naissance de l'Art nouveau, Bruxelles, Archives d'architecture moderne, 1986, 478 p. ; édition espagnole : Paul Hankar. Diez anos de Art Nouveau, Madrid, Ministerio de Obras Publicas y Transportes, 1993.
  • Sylvie Mazaraky, L'art nouveau : Passerelle entre les siècles et les arts, Racine Lannoo, coll. « Articles sans C », , 191 p. (ISBN 978-2873864132, lire en ligne).
  • Klaus-Jürgen Sembach, L'Art Nouveau, Taschen, (ISBN 978-3-8228-3005-5).

Belgique[modifier | modifier le code]

  • Alice Delvaille et Philippe Chavanne, L'Art nouveau dans le Namurois et en Brabant wallon, Alleur, 2006, 132 p, p. (ISBN 2-87114-208-4).
  • Françoise Dierkens et Jos Vandenbreeden, Art nouveau en Belgique. Architecture et intérieurs, Éditions Racine, coll. « Architecture en Belgique », 1991, 226 p. (ISBN 978-2873860141).
  • Éric Hennaut et Liliane Liesens, L'Avant-garde belge. Architecture, 1880-1900, Bruges, 1995, Stichting Sint-Jan et Archives d'architecture moderne, p. 36, 37.
  • Benoît Schoonbroodt, Artistes belges de l'Art nouveau (1890-1914), Éditions Racine, Bruxelles, 2008, 272 p. (ISBN 978-2873865603), p. 38–39, 80-85.

Bruxelles[modifier | modifier le code]

  • Paul Aron, Françoise Dierkens, Michel Draguet et Michel Stockhem, Bruxelles fin de siècle, Philippe Roberts-Jones (dir.), Flammarion, 1994.
  • Franco Borsi, Bruxelles, capitale de l'Art nouveau, Éditions Marc Vokar, 1971 ; nouv. éd., Marc Vokar éditeur, coll. « Collection Europe 1900 », 1993, 385 p. (ISBN 978-2870120088).
  • Éric Hennaut et Maurice Culot, La Façade Art nouveau à Bruxelles, Bruxelles, 2005, AAM, p. 42, 45, 47.
  • Éric Hennaut, Walter Schudel, Jos Vandenbreeden, Linda Van Santvoort, Liliane Liesens et Marie Demanet, Les Sgraffites à Bruxelles, Fondation Roi Baudouin, coll. « L'art dans la rue », Bruxelles, 1994, 141 p. (ISBN 9782872121335), p. 9, 57, 63, 64, 65, 66, 67, 69 et 4e de couverture.
  • Pierre et François Loze, Belgique Art Nouveau. De Victor Horta à Antoine Pompe, Eiffel Éditions, Bruxelles. 1991, 216 p. (ISBN 2-930010-05-3), D/1991/5298/5.
  • Louis Meers, Promenades Art nouveau à Bruxelles, Bruxelles, éditions Racine, 1995.

Artistes[modifier | modifier le code]

  • Franco Borsi, Victor Horta, Éditions Marc Vokar, 1970.
  • Franco Borsi et Paolo Portoghesi, Victor Horta, Éditions Marc Vokar, 1977.
  • Sylvain Mikus, Octave Gelin, un architecte entre Art nouveau et Art déco, Études marnaises, Société d'agriculture, commerce, sciences et arts de la Marne, 2009.
  • Anne Murray-Robertson-Bovard, Grasset, pionnier de l’Art nouveau, Bibliothèque des Arts, Lausanne, 1981 (ISBN 2-8265-0044-9) (OCLC 26238048).

Notes et références[modifier | modifier le code]

Notes[modifier | modifier le code]

  1. Littéralement « Style de la jeunesse ».
  2. en référence au concepteur des bouches de métro parisiennes.
  3. D'après Charles Mackintsh et son groupe.
  4. Conçus par des membres des Nabis - Pierre Bonnard, Paul Ranson, Félix Valloton, Edouard Vuillard et Henri Ibels - ainsi que par Toulouse-Lautrec
  5. L'avenue compte 24 bâtiments Art nouveau classés, dont 3 au patrimoine mondial de l'humanité.
  6. Le lustre, de création contemporaine, fait écho aux planches dessinées par Ernst Haeckel qui influenceront Constant Roux et les premiers acteurs de l'Art nouveau.

Références[modifier | modifier le code]

  1. D'après Arthur Lasenby Liberty, marchand londonien.
  2. L'art nouveau vu en 1900.
  3. a, b, c, d, e, f et g Philippe Thiébaut, « L'Art nouveau ou l'esthétique des courbes », France Culture.com Les jeudis de l'expo par Elizabeth Couturier (consulté le 23 novembre 2009).
  4. a, b, c, d et e François Loyer« L'art nouveau ou l'esthétique des courbes », France Culture.com Les jeudis de l'expo par Elizabeth Couturier (consulté le 23 novembre 2009).
  5. a et b Jean-Michel Othoniel, « L'Art nouveau ou l'esthétique des courbes », France Culture.com Les jeudis de l'expo par Elisabeth Couturier (consulté le 23 novembre 2009)
  6. a et b « Arquitectura modernista », Culturcat, (consulté le 14 octobre 2012).
  7. (ca) Joan Molet i Petit, Història de l'arquitectura: De la illustració a l'eclecticisme, Edicions Universitat Barcelona, (ISBN 978-84-8338-401-5, lire en ligne), p. 5–.
  8. Duncan 2000, p. 21-22.
  9. Greenhalgh 2000, p. 9-16.
  10. Duncan 2000, p. 7-8.
  11. Greenhalgh 2000, p. 9.
  12. a et b Greenhalgh 2000, p. 12.
  13. a, b, c, d et e Loze 1999, p. 5.
  14. Greenhalgh 2000, p. 15.
  15. Wall Street International - Art, 11 février 2015.
  16. « Le travail des quatre a été mis en place, examiné et étudié, évidemment, par la qualité unique commune à tous : la nouveauté ; d'où l'origine du nom : “Art Nouveau” », (de) Henry van de Velde, Die Renaissance im modern Kunstgewerbe, Leipzig, 1903.
  17. a, b et c Duncan 2000, p. 23.
  18. Loze 1999, p. 6.
  19. a et b Greenhalgh 2000, p. 16.
  20. Duncan 2000, p. 25.
  21. Duncan 2000, p. 33.
  22. Duncan 2000, p. 34-35.
  23. Duncan 2000, p. 34.
  24. a et b Gabriele Fahr-Becker, L'Art nouveau.
  25. site Internet sur l'Art nouveau : http://lartnouveau.com/artistes/biet.htm
  26. Karine Lalieux, « Le bâtiment H de l’ULB fera peau neuve à la rentrée ! », Karine Lalieux, de l'audace et des convictions, {{Article}} : paramètre « année » ou « date » manquant (lire en ligne)
  27. a et b Duncan 2000, p. 37.
  28. Duncan 2000, p. 38.
  29. Fahr-Becker 2015, p. 71-74.
  30. Fahr-Becker 2015, p. 74.
  31. Sembach 2013, p. 40-63.
  32. (lv) « Jūlijs Madernieks. », sur makslasvesture.lv (consulté le 2 novembre 2015).
  33. a, b et c Art Nouveau Revival. 1900. 1933. 1966. 1974, « Art Nouveau Revival », musee-orsay.fr (consulté le 28 novembre 2009).
  34. Duncan 2000, p. 36.

Voir aussi[modifier | modifier le code]

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Articles connexes[modifier | modifier le code]

Liens externes[modifier | modifier le code]