Emily Kame Kngwarreye

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Emily Kame Kngwarreye
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Papunya (en)Voir et modifier les données sur Wikidata
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Activité
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Victorian Honour Roll of Women (en)Voir et modifier les données sur Wikidata

Emily Kame Kngwarreye est une peintre aborigène, née en 1910 en Australie à Utopia community (en), Territoire du Nord, et morte le . Elle est l'une des artistes les plus célèbres et les plus réussies de l'histoire de l'art australien aborigène contemporain (en).

Biographie[modifier | modifier le code]

Née en 1910, Kngwarreye, son œuvre créatrice a réellement commencé lorsqu'elle était âgée de 80 ans. Elle est née et a vécu dans le groupe linguistique Anmatyerre (en) à Alhalkere dans la communauté Utopia, à environ 250 km au nord-est d'Alice Springs. Emily avait un frère et une soeur, et pas d'enfants à elle. Les enfants de son frère sont Gloria Pitjana Mills et Dolly Pitjana Mills[1]. Sa belle-soeur était Minnie Pwerle, la mère de Barbara Weir (en) que Kngwarreye a partiellement soulevée. Kngwarreye est mort à Alice Springs.

Art premier[modifier | modifier le code]

La formation artistique initiale de Kngwarreye était comme femme indigène traditionnelle, préparant et employant des conceptions pour des cérémonies de femmes. Sa formation aux techniques occidentales a commencé, avec celle du reste de la communauté Utopia, avec le batik. Ses premières toiles de batik ont été créées en 1980[2]. Plus tard, elle est passée du batik à la peinture sur toile.

J'ai fait du batik au début, puis après cela j'ai appris de plus en plus et puis j'ai changé pour la peinture en permanence ... Puis c'était de la toile. J'ai abandonné le tissu pour éviter de faire bouillir la cire. J'ai été un peu paresseux - j'ai abandonné parce que c'était trop dur. J'en ai fini par en avoir marre ... Je ne voulais pas continuer à faire le dur travail du batik - faire bouillir le tissu encore et encore, allumer les feux, et utiliser toute la poudre de savon, encore et encore. C'est pourquoi j'ai abandonné le batik et l'ai changé en toile - c'était plus facile. Ma vue s'est détériorée à mesure que je vieillissais, et à cause de cela, j'ai abandonné le batik sur la soie - c'était mieux pour moi de simplement peindre[3].

Rodney Gooch et d'autres membres de Central Australian Aboriginal Media Association (en) (CAAMA - l'Association des médias aborigène d'Australie centrale) ont présenté des peintures acryliques à Utopia en 1988-1989. Une exposition de quelques-unes des peintures de ces artistes organisée par le CAAMA a été organisée sous le nom de « A Summer Project » (un projet d'été), où le travail de Kngwarreye a immédiatement attiré l'attention des critiques. L'attention qu'elle a reçue a coïncidé avec le boom artistique mondial qui a eu lieu à cette époque.

Alors que le style aborigène prédominant était basé sur celui développé avec l'aide du professeur d'art Geoffrey Bardon de la communauté de Papunya en 1971 de nombreux points de taille similaire soigneusement placés l'un à côté de l'autre dans des motifs distincts, Kngwarreye a créé son propre style artistique original. Ce premier style, dans ses peintures entre 1989 et 1991, comportait de nombreux points, parfois superposés, de tailles et de couleurs variées, comme le montre Wild Potato Dreaming (1996).

Initialement, Kngwarreye a peint pour CAAMA et la famille Holt à Delmore Downs Station; en 1991, elle produisait de nombreuses œuvres pour la galerie aborigène des rêves à Melbourne ainsi que Fred Torres de Dacou situé à Adélaïde.

Ces peintures originales de styles différents ont rapidement été vendues à des prix élevés, avec un revenu de plus d'un million de dollars pour le groupe de peintres Utopia en 1989/90. La première exposition solo internationale de Kngwarreye a eu lieu au Oude Kerk, Amsterdam, en 1999 par l'Aboriginal Gallery of Dreamings. En 2013, le Emily Museum[4], le premier musée mettant en vedette un artiste aborigène unique a ouvert à Cheltenham, Victoria, Australie.

Styles[modifier | modifier le code]

Kngwarreye a traversé de nombreux styles différents dans sa courte carrière de peintre professionnel. En 1992, elle a commencé à relier les points en lignes avec des bandes horizontales et verticales parallèles, représentant les rivières et le terrain, dans de nombreuses couleurs différentes. Elle a commencé à utiliser des pinceaux plus gros qu'auparavant. Ses peintures ultérieures étaient basées sur des points beaucoup plus grands que son art premier qui était plus fin et plus complexe.

En 1993, elle a commencé à peindre des taches de couleur avec beaucoup de points, qui étaient comme des anneaux qui étaient clairs au milieu comme on le voit dans Alaqura Profusion (1993). Cela a été fait avec une brosse à raser qui a été appelé son style «dump dump», qui utilisait des couleurs très vives. Le même style de bagues de couleur est également vu dans My Mothers Country et Emu Country (1994).

En 1995, elle a terminé ce que les critiques ont appelé sa phase «coloriste» et a commencé à peindre avec des bandes simples qui ont traversé la toile. Les bandes épaisses à l'origine représentaient souvent les lignes des traces d'igname, comme dans Yam Dreaming (1994), Bush Yam (1995) et Big Yam (1996). Elle a exprimé les étranges modèles de croissance de l'igname, une plante essentielle à la survie humaine dans le désert, mais très difficile à trouver.

Plus tard en 1995 ses peintures ont commencé à ressembler à certains égards aux peintures expressionnistes abstraites américaines de Jackson Pollock, avec beaucoup de lignes plus minces qui ont sillonné la toile. Son thème principal continue à être l'igname, comme dans Yam Dreaming Awelye (1995) et aussi dans les peintures Yam Dreaming en noir et blanc. Plusieurs semaines avant sa mort, Kngwarreye a peint de nombreuses toiles sur une période de trois jours en 1996, en utilisant une brosse très épaisse, comme dans Body Paint (1996).

Yam Dreaming[modifier | modifier le code]

Kngwarreye a particulièrement présenté des pistes d'ignames dans ses œuvres. L'igname était une importante source de nourriture pour les peuples aborigénes du désert. Elle a peint de nombreuses œuvres sur ce thème; souvent ses premières actions au début d'une peinture étaient de mettre bas les lignes de traçage de l'igname. Cette plante était particulièrement significative pour elle: son deuxième prénom Kame signifie la fleur jaune de l'igname qui pousse au-dessus du sol. Elle a décrit ses peintures comme ayant un sens basé sur tous les aspects de la vie de la communauté, y compris les plantes d'igname.

Succès[modifier | modifier le code]

Le succès et la demande pour les peintures de Kngwarreye lui ont causé de nombreux problèmes au sein de la communauté alors qu'elle essayait de maintenir son identité individuelle. Le mythe de la femme d'une soixantaine d'années qui n'avait jamais quitté le désert central pour devenir un grand peintre était l'une des raisons de sa popularité. Elle avait en effet été à Perth, Adélaïde, Sydney et Canberra, bien que ce fût seulement après être devenue célèbre. Il y avait beaucoup de pression de la communauté blanche pour qu'elle peigne d'une certaine manière, quand ils croyaient que l'un de ses styles avait plus de succès que d'autres.

Huit peintures de Kngwarreye dans la vente aux enchères d'hiver de 2000 de Sotheby's ont été vendues 507 550 $, et Awelye[5] (1989) se sont vendues 156 500 $. Toujours en 2000, le travail de Kngwarreye faisait partie de huit groupes individuels et collaboratifs d'artistes indigènes australiens présentés dans le prestigieux Nicholas Hall du Musée de l'Ermitage en Russie. L'exposition a reçu un accueil positif des critiques russes, dont l'un a écrit:

C'est une exposition d'art contemporain, non pas dans le sens où elle a été faite récemment, mais en ce sens qu'elle s'inscrit dans la mentalité, la technologie et la philosophie de l'art radical des temps les plus récents. Personne, à part les Aborigènes d'Australie, n'a réussi à exposer un tel art à l'Hermitage[6].

Le 23 mai 2007, Tim Jennings, de la galerie et musée culturel Mbantua, achète sa peinture Earth's Creation (en) en 1994 pour 1 056 000 dollars australiens lors d'une vente aux enchères de Deutscher-Menzies à Sydney, établissant un nouveau record d'œuvre aborigène[7].

Exploitation[modifier | modifier le code]

Avec le succès est venu l'attention non désirée. Beaucoup d'autres marchands d'art inexpérimentés se rendaient dans sa communauté pour tenter d'obtenir une part de l'action, Kngwarreye décrivant une fois à une amie comment elle avait «échappé de cinq ou six wagons de marchands d'art« fantaisistes »à Utopia».

Selon Tim Klingender de Sotheby's, Kngwarreye était «un exemple d'artiste aborigène qui a été poursuivi sans relâche par des « carpetbaggers » vers la fin de sa carrière et qui a produit un corpus de travail important mais incohérent"[8].

Œuvres[modifier | modifier le code]

Création du monde, une peinture de 6 × 3 m réalisée en 1995, a été vendue 1 056 000 AUD[9] en mai 2007, ce qui en fait l'œuvre d'art aborigène la plus cotée.

Collections publique[modifier | modifier le code]

Collections privées[modifier | modifier le code]

Les grandes expositions[modifier | modifier le code]

Solo:

  • Coventry, Sydney, 1990
  • Gabrielle Pizzi, Melbourne, 1990, 91, 92
  • Hogarth Gallery, Sydney, 1991
  • Gallery Savah, Sydney, 1994, 1996, 1997.
  • Emily, Oude Kerk, Amsterdam (en), 1999
  • Mbantua Gallery and Cultural Museum, 2007–08
  • The National Art Center, Tokyo, 2008
  • National Museum of Australia, Canberra, 2008

Groupe:

  • 1990: "Contemporary Aboriginal Art", Carpenter Centre for the Visual Arts, Harvard Uni. Massachusetts, USA
  • 1992: "Aboriginal Paintings from the Desert", touring Russia; "Crossroads, Towards a New Reality, Aboriginal Art from Australia", National Museum of Modern Art, Kyoto and Tokyo
  • 1993: "Aratjara – Australian Aboriginal Art", touring Germany, London (Haywood Gallery) and Denmark (Louisiana regional gallery)
  • 1994: National Gallery of Victoria.
  • 1997: Venice Biennale (en)
  • 2010: 'Emily Kame Kngwarreye & Minnie Pwerle', Kate Owen Aboriginal Art Gallery, Sydney, Australia.

Prix[modifier | modifier le code]

Australian Artist's Creative Fellowship, Australia Council, 1992

Notes et références[modifier | modifier le code]

(en) Cet article est partiellement ou en totalité issu de la page de Wikipédia en anglais intitulée « Emily Kame Kngwarreye » (voir la liste des auteurs).

  1. (en) « Emily in Japan Part 1 », sur www.webcitation.org (consulté le 19 mars 2018)
  2. Ryan, Judith., National Gallery of Victoria. et National Gallery of Victoria. Ian Potter Centre., Across the desert : Aboriginal batik from central Australia, National Gallery of Victoria, [2009?] (ISBN 9780724102990, OCLC 271861651, lire en ligne)
  3. (en) Ryan, Judith, Across the Desert: Aboriginal Batik from Central Australia, Melbourne, National Gallery of Victoria, (ISBN 978-0-7241-0299-0), p. 16-17
  4. (en) « Emily Museum »
  5. Awelye
  6. (en) Grishin, Sasha, « Aboriginal art makes it to the top », The Canberra Times,‎
  7. (en) Bibby, Paul, « $1.05m painting of 'the lot' breaks record », The Sydney Morning Herald,‎ (lire en ligne).
  8. (en) Coslovich, Gabriella, « Aboriginal works and artful dodgers », The Age,‎ (lire en ligne)
  9. (en) Indigenous painting sets record price

Liens externes[modifier | modifier le code]