Chanson italienne

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L'histoire de la chanson italienne débute pour les historiens vers le milieu du XIXe siècle, avec la publication de Santa Lucia par Teodoro Cottrau et Enrico Cossovich. Bien qu'elle soit l'adaptation d'une barcarola écrite en dialecte napolitain, cette chanson apparaît comme la première tentative concrète pour harmoniser, tant du point de vue de la mélodie que des paroles, la tradition musicale et celle d'une matrice populaire.

Contrairement à d'autres pays, comme la France, où les racines du vaudeville viennent de la chanson du XVIe siècle ou l'Allemagne, avec son mariage particulier de musique et de poésie, le Lied, l'Italie a maintenu pendant de nombreuses années une séparation nette entre les compositions dérivées de musiques dites culturelles (romances ou opérettes) et les chansons populaires en dialectes. En particulier, les traditions musicales locales ont eu beaucoup de mal à dépasser leurs frontières territoriales, à l'exception du chant napolitain et, dans une moindre mesure, du chant romain et milanais. La séparation entre les deux styles ne s'estompe qu'au tournant des XIXe et XXe siècles, également sous l'influence du Café-concert français, et l'on ne peut dire qu'elle a disparu à la fin de la Première Guerre mondiale.

Histoire[modifier | modifier le code]

Traditions populaires[modifier | modifier le code]

La Tarentelle, par Léon Bazile Perrault.

La recherche historique sur la musique populaire a identifié plusieurs types de chants et de traditions le long de la péninsule italienne, que l'on peut diviser en deux grands groupes : la tradition « gallo-italienne » du Nord de l'Italie, qui a de fortes influences françaises et est principalement basée sur le chant syllabique et « les récits chantés d'événements individuels de caractère divers, tragique, amoureux, magiques », et la tradition de l'Italie centrale et méridionale, plus liée au chant mélique, avec des compositions de nature lyrique et descriptive, qui laissent une large place à la subjectivité de l'interprétation, bien que les thèmes et les textes varient selon les régions[1].

La plus ancienne chanson locale dont on trouve des traces est La donna lombarda, une composition que l'historien Costantino Nigra a écrite au Ve siècle et dont la genèse est attribuée à l'histoire de Rosemonde, Reine des Lombards qui a tué son mari Alboin pour se venger et pour aider son amant Elmichis à usurper le trône[2],[3]. Les premières traces de la tradition du centre et du Sud datent plutôt du XIIe – XIIIe siècle avec La ienti de Sion, une élégie judéo-italienne que l'on chantait habituellement pendant le jeûne de Tisha Beav, d'origine probable des Marches[4] et Turiddu, chi si' beddu, chi si' duci, une Ottava rima sicilienne, très probablement l'œuvre d'un conteur, et recueilli pour la première fois à Partinico[5].

Quant aux traditions individuelles, en Italie du Nord, elles vont du trallalero choral et d'accompagnement en Ligurie aux chants narratifs des régions frontalières occitane et valdôtaine, des chants liés à un personnage ou à un événement local au Piémont et en Lombardie aux villotte du Triveneto aux chants populaires d'Émilie, liés à la tradition de la plaine du Po. L'Italie centrale est la zone du stornello, qui se décline sous plusieurs formes en Toscane, où il est appelé rispetto, en Ombrie et dans les Abruzzes où il est appelé canzune ou canzune suspette, si elle prend la forme de taquinerie envers quelqu'un, mais aussi des chansons d'ottava rima de Toscane, du chant choral il bei typique de la région du mont Amiata semblable au trallalero ligure et le vatocco poly-vocal des Marches, Ombrie et Abruzzes. En descendant vers le Sud de l'Italie, on passe du saltarello dansé typique du bas Latium, qui se transforme en tarentelle en Campanie et dans les Pouilles et en pizzica au Salento, aux chants paysans de la Basilicate, pour finir avec les chants des charretiers de Sicile et la variété du son sarde, des « ténors » de Barbagia à la « tasgia » de Gallura, aux muttos, muttettos et battorina[5].

Chanson napolitaine[modifier | modifier le code]

Salvatore Di Giacomo l'un des créateurs de la chanson napolitaine à son apogée

Un des premiers témoignages de la chanson populaire napolitaine est le Canto delle lavandaie del Vomero, une première forme de villanella (ou chanson rurale) qui remonte au XIIIe siècle environ. Le genre représentait un exemple de musique polyphonique italienne pratiquée par des compositeurs comme Orlando di Lasso, Claudio Monteverdi et Giulio Caccini[6], par la suite adaptée à une façon plus populaire de chanter, absorbant certains aspects formels et stylistiques de l'opéra buffa du XVIIIe siècle accompagnée par les instruments à vent et à percussion[7]. Une autre grande tendance de la tradition musicale méridionale est la tarentelle, dont la naissance remonte au milieu du XVIIe siècle dans les Pouilles et qui a eu sa consécration définitive au XVIIIe siècle à Naples[8].

Le XIXe siècle marque le développement de la chanson napolitaine telle que nous la connaissons, grâce au travail de récupération de vieilles mélodies comme Michelemmà, Cicerenella,'O guarracino de Guglielmo Cottrau dans la première moitié du siècle[9]. Le passage définitif à la forme moderne a lieu entre 1835 et 1839 avec Te voglio bene assaje, écrit par Raffaele Sacco et dont la musique est attribuée à Gaetano Donizetti. Le morceau enregistre la vente de plus de 180 000 partitions. C'est aussi grâce à cette chanson qu'est née la tradition de présenter les nouvelles chansons de l'année au festival Festa di Piedigrotta, un concours musical qui après une suspension entre 1861 et 1876, permettra la consécration de succès tels que Funiculì funiculà,'E spingule francese, Core 'ngrato et 'O sole mio[10], mais aussi de leurs auteurs les plus célèbres tels que Francesco Paolo Tosti, Salvatore Di Giacomo, Mario Pasquale Costa, Salvatore Gambardella, Libero Bovio, Ernesto Murolo, Giovanni Capurro et Eduardo Di Capua[11],[12].

Chanson romaine[modifier | modifier le code]

Le « père » de la chanson romaine Giggi Zanazzo.

Les premières traces de « chanson romaine » remontent aux environs de XIIIe siècle avec une chanson appelée Sonetto, connue sous le nom de Bella quanno te fece mamma tua[13]. Le type de mélodie qui accompagne cette tradition au cours des siècles « a été maintenu sans changements essentiels et on peut dire qu'il est le seul qui représente l'expression incorruptible du peuple romain », selon le compositeur Alessandro Parisotti[14].

1890 est conventionnellement considérée comme l'année de naissance du chant romain moderne, avec la création de Feste di maggio écrit par Giggi Zanazzo, considéré comme le père du chant romain moderne[15] et mis en musique par Antonio Cosattini et rendu public à l'occasion du premier concours de beauté pour les jeunes Romaines, [16] créé pour célébrer le vingtième anniversaire de la Prise de Rome. Le succès de la chanson a suscité un intérêt pour l'environnement artistique romain, au point qu'en 1891, les éditeurs Pietro Cristiano et Edoardo Perino ont annoncé les deux premiers concours de chansons romaines. La tradition du concours s'est rapidement établie, liée à la Fête de la Saint-Jean et s'est poursuivie sans interruption jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale[17],[18].

Du Risorgimento à la Première Guerre mondiale[modifier | modifier le code]

Un homme costaud et joufflu en costume, imposantes moustaches, qui joue du piano, entouré de quatre autres hommes en costume et moustachus qui le regardent.
Ruggero Leoncavallo en 1905

Fichiers audio
Francesco Paolo Tosti, Serenata
romance interprétée par Nellie Melba (1904)
Vincenzo Di Chiara, La spagnola
Version avec orchestre chantée par Beniamino Gigli
Quel mazzolin di fiori
Version chantée a cappella par le chœur ICAM

L'évolution de la chanson italienne s'est poursuivie tout au long du XIXe siècle, tant dans ses formes « les plus élevées » et les plus recherchées que dans ses formes les plus populaires et dialectales. Par exemple, la diffusion et le triomphe de l'opéra auprès de toutes les classes sociales ont porté les airs les plus célèbres écrits en italien à tel point qu'ils ont été fredonnés comme de véritables pièces musicales. De cette mode est né le développement de la romance, une forme d'opéra qui pouvait aussi être interprétée d'une seule voix et qui voyait chez des compositeurs comme Francesco Paolo Tosti, Ruggero Leoncavallo, Salvatore Gambardella, Luigi Denza et Michele Costa quelques-uns des meilleurs exemples de production italienne[19]. La romance était à sa façon un témoignage du rapport biunivoque entre la tradition populaire et la tradition « élevée »[20], sinon du « déclin progressif mais très rapide du patrimoine musical populaire ancien […] dans les codes du mélodrame et du romantisme pour le salon »[21]. Le succès de certaines de ces œuvres a également été favorisé par la naissance de techniques d'enregistrement, d'abord sur cylindres de cire puis sur disques de cire, qui ont permis la naissance d'un véritable marché du disque, dont Enrico Caruso a été l'une des premières « stars »[22],[23].

Parallèlement, l'exemple français des « cafés-concerts  » ou « cafés chantants » se répand dans les principaux centres de la péninsule Naples, Rome, Trieste, Turin et Milan. Alors que dans le Nord l'influence française et autrichienne est plus forte, dans le Sud les lieux musicaux permettent une meilleure diffusion de la chanson traditionnelle populaire et notamment de la chanson napolitaine. Cependant, contrairement à ce qui se passait de l'autre côté de la frontière, où un certain équilibre entre le divertissement et le goût était maintenu, en Italie, les spectacles étaient presque immédiatement centrés sur « une image pécheresse de la beauté féminine », sur le double sens et la provocation. C'est aussi dans ce contexte qu'est née à Naples, en 1875, 'A cammesella, réédition d'une comptine populaire napolitaine ancienne qui raconte la modestie et la résistance d'une épouse à la nuit de noces et qui, à sa manière, fut aussi le premier précurseur du spogliarello, tandis que Maria Borsa, à Rome quelques années après, invente le mossa, exacerbation de l'obscénité de gestes populaires[24],[25].

Les événements politiques du XIXe siècle ont contribué au développement et à la diffusion de la chanson italienne, des soulèvements du Risorgimento aux revendications socialistes, anarchistes et nationalistes. Là aussi s'est confirmé le dualisme entre un registre « élevé », composé de textes raffinés, avec des références littéraires et des formes rhétoriques mélodramatiques, et un registre « populaire », souvent avec des références aux petites amies et épouses au foyer. Les chants patriotiques, nationalistes et socialistes ont utilisé le registre « élevé », avec pour résultat de « jouer une rhétorique incompréhensible » à une grande partie de la population qui préfère les textes plus simples et directs, comme par exemple Garibaldi fu ferito ou La bella Gigogin pendant le Risorgimento, ou Bandiera rossa vers la fin du XIXe siècle.

Les années qui se sont écoulées entre la « Prise de Rome » et la première décennie du XXe siècle sont marquées par deux événements majeurs qui ont influencé la chanson populaire. L'exode de millions d'Italiens à l'étranger, en particulier du Triveneto au continent américain, raconté par Trenta giorni di nave a vapore et Mamma mia, dammi cento lire (che in America voglio andar), avec des textes qui expriment la douleur du sort du migrant[26],[27], et les guerres coloniales qui ont généré une série de chansons glorifiant l'effort militaire ou les soldats morts comme Canto dei soldati italiani in Africa, La partenza per l'Africa, Ai caduti di Saati e Dogali[28]. Ce sont surtout les chansons consacrées à la Guerre de Libye, dont la plus célèbre reste A Tripoli, qui devinrent le thème le plus populaire du « café chantant » italien[29],[30],[30].

Le déclenchement de la Première Guerre mondiale confirmé le dualisme entre « chanson élevée » et « chanson populaire ». Des chants patriotiques, tels que La canzone del Piave, présentent des textes liturgiques pleins d'expressions littéraires raffinées, la vie de la tranchée et la douleur de la distance de la maison des soldatsont racontées avec des paroles dialectales ou avec de fortes inflexions régionalistes, comme O surdato'nnammurato ouRegazzine, prego di ascoltare. Au fur et à mesure que le conflit se poursuit, l'italien populaire est adopté comme langue officielle pour les chansons, parfois encore polluées par des expressions argotiques ou régionalistes comme dans les chants alpins Quel mazzolin di fiori qui n'avait rien à voir avec la guerre, mais qui était le plus chanté par les soldats italiens et La tradotta che parti da Torino modifié plus tard comme La tradotta che parti da Novara ou des chansons de protestation contre l'effort de guerre et les ordres militaires, comme O Gorizia, tu sei maledetta[31],[32].

De la première période de l'après-guerre à la fin des années 1920[modifier | modifier le code]

Photographie en noir et blanc du buste, trois-quart face d'une personne, coiffée en arrière, portant chemise blanche et veste
Enrico Causo en 1910.

La passion pour la danse et les tabarins a commencé à s'installer, mais ce n'est qu'après la guerre que ces modes ont explosé, malgré les tentatives de l'Église catholique de rappeler « le mal et le danger de certains amusements tels que les danses et surtout ceux qui dépassent les limites de l'honnêteté et de la vérité les plus élémentaires dans les théâtres et dans les lieux publics et privés »[33]. De nouveaux sons véhiculés par le tango, le charleston, le foxtrot, la rumba, le ragtime et le jazz s'affirment grâce à la présence des troupes américaines alliées[34],[35], tandis que dans les zones rurales comme en Romagne, le liscio de Carlo Brighi et de Secondo Casadei se diffuse[36].

Tandis que les premiers chanteurs italiens apparaissent sur les scènes tabarines, comme Armando Gill, Anna Fougez et Gino Franzi[37],[38], la chanson napolitaine est transformée en « scénario », c'est-à-dire qu'une chanson sert à mettre en scène une pièce de théâtre. La chanson napolitaine retrouve une nouvelle période de splendeur (Reginella, 'O paese d'o sole, Core furastiero, E dduje paravise) qui durera, ainsi que celle de la chanson romaine (L'eco der core, Barcarolo romano), jusqu'au début de la Seconde Guerre mondiale[39].

L'avènement du fascisme a coïncidé à peu près avec la naissance de la radiodiffusion en Italie. Depuis la première diffusion officielle de l'Ente Italiano per le Audizioni Radiofoniche du , le nouveau moyen de communication devient l'un des principaux moyens de transmission de la musique légère dans le pays, notamment parce que sa diffusion est soutenue par le régime. Cependant, le fascisme impose sa censure sur la programmation, et interdit l'utilisation de noms ou termes étrangers, remplacés par des « traductions improbables » comme Louis Armstrong traduit en « Luigi Braccioforte » ou Benny Goodman traduit en « Beniamino Buonuomo »[40], ainsi que la diffusion de certains morceaux de musique « nuisibles » à l'ordre national et à la dignité des autorités civiles, politiques et religieuses, après les accords du Latran[41].[42]

La musique lyrique ou légère est une part importante de la programmation radio[43]. Le régime saisit l'importance de la transmission radio des messages de masse, ainsi, outre les hymnes et les chants du régime (Giovinezza, Inno degli studenti, Canto delle donne fasciste), sont diffusées des chansons légères traditionnelles, avec des thèmes proches des sentiments du peuple (Mille lire al mese, I milioni della lotteria) ou propageant la politique fasciste d'accroissement démographique ( Signorine, sposatevi, C'è una casetta piccola), mais proches musicalement des chansons classiques[44],[45].

Années 1930 - 1940[modifier | modifier le code]

En 1930, Gennaro Righelli inaugure le cinéma sonore en Italie avec le film La canzone dell'amore. La chanson au centre de l'histoire d'amour entre les deux jeunes protagonistes, Solo per te Lucia, marque également le premier exemple d'inclusion de la musique dans un long métrage. De là naissent deux grands courants cinématographiques qui se développeront au cours des années 1930 et 1940, le « traditionnel », souvent interprété par des chanteurs d'opéra devenus acteurs, et le « moderne », où les stars du cinéma s'engagent dans le chant comme Vittorio De Sica dans Les Hommes, quels mufles ! de 1932 qui sanctionne à la fois son succès et celui de la chanson qu'il chante, Parlami d'amore Mariù[46],[47].

Les années 1930 marquent la naissance des grands orchestres, dont celui de l'EIAR (1933), et l'arrivée de swing à la radio et dans les clubs de danse, déclenchant ainsi pour la première fois en Italie le « choc » entre la chanson traditionnelle italienne et la « chanson moderne »[48]. Carlo Buti est le principal interprète de la chanson traditionnelle (Reginella campagnola, Se vuoi goder la vita)[49], la tendance swing étant représentée par Natalino Otto (Mamma... voglio anch'io la fidanzata, Ho un sassolino nella scarpa, Alberto Rabagliati (it) (Mattinata fiorentina, Ba-ba-baciami piccina), Luciana Dolliver (it) (Bambina innamorata, Sono tre parole, Un'ora sola ti vorrei) et Trio Lescano (Arriva Tazio, Maramao perché sei morto?, Ma le gambe, Pippo non lo sa)[50], ainsi que les auteurs Alfredo Bracchi (it) et Giovanni D'Anzi (it) (Non dimenticar le mie parole, No, l'amore no) et Vittorio Mascheroni (Bombolo, Fiorin fiorello)[51]. Le choc s'est également fait sentir du côté des grands orchestres, notamment avec le dualisme entre les cuivres syncopés de Pippo Barzizza (it) et les mélodies classiques de Cinico Angelini (it)[52].

Bien qu'ils soient considérés comme « fragiles et naïfs » ou de simples « tentatives d'échapper à la réalité »[53], les chants « légers » témoignent comment le chant politique n'a pas supplanté le chant sentimental et ludique et que finalement le régime fasciste est « esclave des goûts du public »[54] et reste incapable d'influencer autant la créativité des auteurs que leur style d'exécution[55]. Dans certains cas, ces chansons « fragiles et naïves » sont même utilisées contre les représentants du régime[56].

Vers la fin des années 1930, sortent les dernières chansons d'avant-guerre du chant dialectal napolitain (Signorinella , Napule ca se va ), romain (Quanto sei bella Roma, Chitarra romana ) et milanais (La Balilla, Porta Romana)[57], ainsi que des chansons consacrées à la Guerre d'Éthiopie et à la politique coloniale fasciste, dont la célèbre Faccetta nera[58], modifiée plusieurs fois par le Ministère de la Culture populaire, parce que trop « fraternisant avec les Abyssins »[59]. En 1938 et 1939, il y a deux concours nationaux pour les chanteurs confirmés. Ces concours avec plus de 2 500 participants la première année et près de 3 000 la deuxième ont permis aux 14 gagnants de chaque édition de se produire avec l'Orchestre Cetra di Pippo Barzizza à la radio nationale[60].

L'entrée en guerre de l'Italie entraîne un durcissement des interdictions et des restrictions sur les magazines de musique, danse, cinéma et théâtre, en particulier avec l'interdiction des auteurs juifs, en raison des lois raciales fascistes et l'interdiction totale de diffuser du jazz ou de la musique américaine[54],[61], sans interrompre néanmoins la production musicale. En effet, au cours des premières années de guerre, deux des plus grands succès sont Mamma, interprétée par Beniamino Gigli dans le film homonyme de 1941, et Voglio vivere così, chantée par Ferruccio Tagliavini dans le film homonyme de Mario Mattoli sorti en 1942[62]. En 1940, débute le Quartetto Cetra dont la popularité s'affirme après quelques changements de formation en 1947[63].

Avec la chute du fascisme, la racine populaire de la Résistance italienne fait émerger les chants partisans avec des chansons comme Bella ciao, La daré d' cola montagna, Il fiore di Teresina, ainsi que celles issues du Risorgimento et de la Grande guerre (Sul ponte di Perati), des organisations ouvrières et révolutionnaires (Fischia il vento) et celles issues des chansons en vogue et les parodies des chansons fascistes (Badoglieide)[64],[65].

Le jazz, le boogie-woogie, la rumba et la samba arrivent avec l'occupation alliée de la péninsule. Arrive l'influence de la musique française avec Yves Montand, Édith Piaf et Juliette Gréco. La matière première pour produire les disques se fait rare et provoque l'arrêt de la production musicale italienne[66],[67]. qui se limite désormais aux frontières régionales[68],[69]. Parmi les principaux succès de ces années figurent Dove sta Zazà?, Tammurriata nera, Munasterio 'e Santa Chiara et Vecchia Roma qui révèle le chanteur Claudio Villa[70],[71].

Années 1950[modifier | modifier le code]

Photographie en couleur avec au centre une dame souriante, bras ouverts, chantant devant un micro, avec en arrière-plan de nombreux musiciens
Nilla Pizzi en 1953.
Photographie mi-buste en noir et blanc d'un homme, veste et cravate au milieu de deux femmes souriantes, qu'il enlace autour du cou
Claudio Villa et le duo Fasano en 1954.

Bien que les premiers concours pour la sélection de « nouvelles voix », créés pour relancer le marché du disque, datent de 1947[72], c'est le qui marque la naissance du Festival de Sanremo, diffusé en direct par radio depuis le casino de Sanremo et présenté par l'animateur radio Nunzio Filogamo (it), avec seulement trois artistes en compétition Nilla Pizzi, Achille Togliani et le Duo Fasano (it) qui se sont relayés dans l'exécution de vingt chansons non publiées. Le Festival a lancé Nilla Pizzi, qui après avoir remporté le premier festival avec Grazie dei fiori, gagne aussi l'année suivante avec Vola colomba, se classant aussi à la seconde et troisième place avec Papaveri e papere et Una donna prega[73],[74].

Le festival propose des thèmes fidèles à la rhétorique de la chanson traditionnelle italienne « Dio, Patria, Famiglia » (Dieu, Patrie, Famille)[75] (Vecchio scarpone, Sorrentinella, Berta filava, Il passerotto) et des chansons plus jeunes et plus légères, comme Canzone da due soldi interprété par Katyna Ranieri et qui est le premier succès record des années 1950 avec environ 120 000 exemplaires vendus en quelques mois[76].

Le festival de Sanremo est l'un des inspirateurs du Concours Eurovision de la Chanson, dont 1e édition à Lugano a diffusé en 1956[77].

1952 est l'année de la première édition du Festival de la chanson napolitaine remporté par Franco Ricci (it) et Nilla Pizzi, relançant l'image de la chanson napolitaine grâce à des interprètes comme Roberto Murolo et Sergio Bruni (it) (Anema e core, Luna caprese, Na voce, na chitarra e o ppoco'e luna, Vieneme'n zuonno, Marechiaro marechiaro. En 1956, Renato Carosone sort Tu vuo' fa' l'americano (« Toi, tu veux faire l'Américain »), puis Torero, O sarracino et Chella llà d' Aurelio Fierro, qui inaugure la veine novatrice du chant humoristique et léger[78],[79],[80].

Au cours de ces années, Claudio Villa, le « reuccio della canzone italiana » (« le petit roi de la chanson italienne »), remporte « tout ce qu'il y avait à gagner », dont quatre festivals de San Remo, un festival de Naples et trois disques d'or. Il est acclamé sur les scènes du monde et est resté longtemps le « porte-parole » de la chanson mélodique italienne. Claudio Villa a également fait l'objet d'innombrables controverses pour son comportement faisant l'objet de deux « procès médiatiques » dans la presse, bénéficiant dans le second d'une « défense sincère » de Pier Paolo Pasolini[81],[82].

Les années 1950 marquent également l'affirmation de la comédie musicale qui prend son inspiration du théâtre de revue. Les principaux représentants de cette période sont les auteurs Pietro Garinei (it) et Sandro Giovannini (it) connus comme Garinei et Giovannini (it) et les compositeurs Gorni Kramer, Armando Trovajoli, qui ont lancé de nouveaux acteurs comme Delia Scala, Isa Barzizza, Gianni Agus, Tina De Mola, Elena Giusti, Carlo Dapporto et Renato Rascel (Arrivederci Roma)[83],[84],[85].

Parallèlement à la redécouverte de la scène, la passion du public pour les boîtes de nuit lance la carrière de nouveaux interprètes inspirés par les exemples américains, comme Peppino di Capri[86],[87], Fred Buscaglione[88],[89], Nicola Arigliano (it), Bruno Martino et Fred Bongusto[90],[91],[92].

En 1954, la télédiffusion s'installe et avec l'arrivée du disque microsillon et du jukebox, le champ musical évolue. En 1955, le festival de Sanremo est diffusé en direct à la radio et à la télévision. En 1957, la première émission musicale italienne est diffusée, Il Musichiere (it). Le succès de cette première expérience donne naissance à une longue série de programmes sur le thème de la nouvelle musique, comme Studio Uno et Canzonissima[93],[94].

La radio et télévision publique a le monopole de la diffusion, ceci permet à l'État de filtrer discrètement les publications, la censure demandait « de faire respecter la morale » sur les chansons. La radiophonie publique et la maison de disques Cetra, fondée en 1933 à l'époque du fascisme par l'EIAR font la loi et peu d'exemples de succès, hormis sur les labels Fonit (it) qui publiait encore le jazz de Natalino Otto, mais qui a dû fusionner avec Cetra en 1958, et Disco General Company fondé par Teddy Reno et qui produisait le jazzman « irrégulier » Lelio Luttazzi[95]. Même le Festival de Sanremo, à sa manière, est affecté : « la chanson mélodique et sentimentale (…) devient une sorte de cliché de l'événement et finit par marginaliser, au moins jusqu'en 1958, les chansons et motifs anticonformistes ».

Ce n'est qu'à la fin de la décennie que l'on aperçoit les premiers signes d'un changement : le premier Festival Italien du Rock and Roll se tient à Milan le . Il présentait pour la première fois le « roi des ignorants » Adriano Celentano et a vu la présence sur scène de rockers et de urlatori (« hurleurs ») comme Tony Renis, Little Tony, Betty Curtis, Tony Dallara, Clem Sacco et Ghigo Agosti[96],[97].

En 1958, Domenico Modugno remporte avec Johnny Dorelli le Festival de Sanremo avec Volare (22 millions de disques vendus dans le monde)[98],[99] ; Tony Dallara chante Come prima [100],[101]. La maison de disques Dischi Ricordi est fondée, le premier single publié est Ciao ti dirò de Giorgio Gaber. Elle devient avec RCA Italiana une des maisons de disques dominantes dans les décennies suivantes[102],[103]. Enfin, en 1959, dans l'émission Lascia o raddoppia? (« Quitte ou double? »), la chanteuse Mina se révèle, obtenant une série de succès avec Nessuno et Tintarella di luna[104].

Années 1960[modifier | modifier le code]

Photographie en noir et blanc, sur une scène, avec en premier plan, sur la droite partie dos tronqué sur la longueur d'une personne jouant de la guitare, au second plan, image féminine de dos, vêtue d'un costume blanc, jouant de la guitare, au fond, une foule de spectateurs
Patty Pravo au Piper (1969).
Photographie en noir et blanc, sur une scène, avec sur la gauche, une jeune fille en robe, chantant devant un micro, en bas, sur le coin droit, divers spectateurs
Gigliola Cinquetti au Festival de Sanremo (1964).
Photographie en noir et blanc d'un jeune homme debout, brandissant de la main droite un trophée : sur la droite, un homme ; au fond une foule de personnages ; devant, un grand bouquet de fleurs
Bobby Solo remporte le Festival de Sanremo 1965 avec Se piangi, se ridi.
Au centre, sur une scène, un personnage en noir et blanc, buste trois-quart, jouant de la guitare
Domenico Modugno en 1969.

Avec l'arrivée des « hurleurs » et des « rebelles » [105], le phénomène cinématographique des musicarelli, films issus de chansons à succès change la donne, passant de la version « mélodique », comme les films de Claudio Villa, Luciano Tajoli et même du Carrousel napolitain[106] à la célébration de la « révolution musicale » et de la « colère », attestée par la trilogie I ragazzi del juke-box (it), Urlatori alla sbarra et I Teddy boys della canzone (it), où ne manquent pas les critiques envers la Rai, la Démocrate chrétienne et le monde du disque[107],[108].

Au théâtre, le succès des comédies musicales se poursuit avec les triomphes de Rugantino de Garinei et Giovannini, avec la musique de Trovajoli et comme interprètes Aldo Fabrizi, Nino Manfredi, Toni Ucci, Bice Valori et Lea Massari, puis Ornella Vanoni), Rinaldo in campo (it) avec Domenico Modugno, animateur et auteur de la musique, et Aggiungi un posto a tavola (it) avec Johnny Dorelli[109],[110]. Les musicarelli atteignent leur apogée avec la production prolifique de Ettore Maria Fizzarotti qui les réalise en quelques semaines, avec un petit budget et des intrigues simples qui génèrent des revenus de plus d'un milliard de lires, exploitant la notoriété des interprètes comme Gianni Morandi, Bobby Solo, Caterina Caselli, Gigliola Cinquetti, Al Bano et Romina Power, Rocky Roberts et leurs chansons, souvent utilisées comme titre pour ces films[111].

Vers le milieu de la décennie, un nouveau contraste se fait jour entre la bande de très jeunes chanteurs comme Gianni Morandi et Rita Pavone ou plus mélodiques comme Gigliola Cinquetti, Al Bano, Orietta Berti et Massimo Ranieri[112] et la vague d'« anglais » beat music, représentée par les filles du Piper Club (it) de Rome, Caterina Caselli et Patty Pravo et les grands groupes de l'époque Equipe 84, The Rokes, Camaleonti, Nomadi, Dik Dik[113].

À côté des « hurleurs », les courants musicaux se multiplient : l'éventail va de l'expérimentation de nouveaux formats à la recherche du « réalisme » du Cantacronache et de son « successeur », le nouvel auteur-compositeur italien du filon de la « chanson intellectuelle » avec les expériences de Pier Paolo Pasolini, Giorgio Strehler, Paolo Poli, Laura Betti, Mario Soldati, Ennio Flaiano, Alberto Moravia, Alberto Arbasino[114], de l'École génoise des Auteurs-compositeurs-interprètes non-conformiste et existentialistes Umberto Bindi, Gino Paoli, Bruno Lauzi, Luigi Tenco et Fabrizio De André ainsi que l'istrien Sergio Endrigo, la chanson milanaise plus ironique et surréaliste de Dario Fo, Giorgio Gaber, Enzo Jannacci et Nanni Svampa[115], du « poète maudit » Piero Ciampi[116] aux interprètes féminines comme Ornella Vanoni, Milva, Iva Zanicchi[117] et aux « chanteurs de plage » comme Edoardo Vianello, Gianni Meccia (it), Nico Fidenco[118]. 1966 voit l'arrivée des Pooh avec leur premier succès, Piccola Katy[119], tandis que deux ans plus tard au Cantagiro un autre groupe, Ricchi e poveri, débute avec L'ultimo amore[120].

Les émissions de radio et de télévision et les concours musicaux changent les règles de la présentation musicale. En 1962 débute le Cantagiro, un tour d'Italie par étapes course où les chanteurs s'affrontent directement devant des jurys populaires, et que naît le Festival de Castrocaro, tremplin pendant des décennies pour de nombreux artistes. Deux ans plus tard, c'est au tour de Un disco per l'estate (« Un disque pour l'été ») [121] qui révèle des chanteurs comme Mino Reitano et Jimmy Fontana) et le Festivalbar, le premier événement musical itinérant dont le vote est confié au jugement direct du public[122],[123]. Enfin, entre 1965 et 1966 naissent les émissions de Renzo Arbore et Gianni Boncompagni Bandiera Gialla et Per voi giovani (it).

La diversité des styles et des sonorités contribuent à l'âge d'or du Festival de Sanremo, qui attire des invités étrangers célèbres et favorise la vente de millions de disques. Le courant «  mélodique  » prévaut sur le système rockettaro. Cela est confirmé par Gigliola Cinquetti au Festival de Sanremo de 1964 avec la chanson Non ho l'età avec laquelle elle remporte aussi le Concours Eurovision de la chanson 1964 de la même année et le Festival de Sanremo de 1966 avec Dio, come ti ti amo (it), chanté avec Domenico Modugno, entrecoupée par la victoire de Bobby Solo au Festival de Sanremo de 1965 avec Se piangi, se ridi.

Par contre, du côté du marché du disque, Il ragazzo della via Gluck de Adriano Celentano et Nessuno mi può giudicare (it) de Caterina Caselli vendent plus de disques que les chansons gagnantes.[124]

L'année 1967 marque le début du partenariat artistique entre Lucio Battisti et Mogol, sanctionné par le succès de 29 septembre, chanté initialement par Equipe 84[125]. Les intentions « révolutionnaires » des jeunes gagnent la scène du festival de Sanremo de 1967. Gianni Pettenati chante La rivoluzione, tandis que I Giganti avec Proposta disent « Mettez des fleurs dans vos canons ». Le festival voit le suicide de Luigi Tenco, dont la chanson Ciao amore, ciao chantée avec Dalida et qui dénonçait le malaise d'un pays qui, malgré le miracle économique, « avait encore de terribles poches de pauvreté et d'indigence », ne parvient pas à entrer en finale[126]. Francesco Guccini et les Nomadi sont conspués par le public lors d'un concert de protestation contre la Guerre du Vietnam, car ils sont désormais considérés comme « intégrés dans le système »[127].

La décennie se termine avec la fin du beat et de l'arrivée du boom, avec l'attentat de la piazza Fontana et la mort de Giuseppe Pinelli encensé par les chansons anarchiques La ballata del Pinelli et Ballata per un ferroviere, qui sont les signes précurseurs d'une période rock « beaucoup plus trouble et sombre et qui exprime les inquiétudes d'une génération qui ne cesse de s'interroger »[128].

Années 1970[modifier | modifier le code]

Les années 1970 marquent le passage à des formes musicales plus expérimentales[129]. La décennie est marquée par les effets de la contestation de 1968 et les « années de plomb ». les chanteurs les plus proches des mouvements étudiants et ouvriers comme Ivan Della Mea, Michele Straniero, Gualtiero Bertelli, Pino Masi, Giovanna Marini, Paolo Pietrangeli et Sergio Liberovici ont alimenté la manifestation « contre le système »[130],[131], alors que dans le Campi Hobbit est née la veine de musique alternative de droite, qui s'inspirait d'une part des thèmes de la mythologie nordique et celtique et d'autre part du révisionnisme néofasciste, représenté par Leo Valeriano, Massimo Morsello, les Amici del Vento et la Compagnia dell'anello[132].

Les tonalités extrêmes ont conduit à la contestation de nombreux auteurs-compositeurs-interprètes. Les membres de « l'école génoise », quelques années auparavant « salués comme les évêques d'une chanson différente, noble et révolutionnaire », sont désormais considérés « comme des chansonniers timides et bourgeois »[127]. Le pic des affrontements est atteint en 1975, lorsque les deux concerts de Rome et Milan de Lou Reed sont interrompus par le cri « La musica si prende e non si paga! » (« La musique se prend et ne se paye pas ! »). Le , lors d'un concert au PalaLido de Milan, Francesco De Gregori est entouré de manifestants de gauche qui l'accusent « de gagner un salaire trop élevé et de ne pas le donner pour la cause des ouvriers »[133].

Les seuls a être en partie épargnés par le public sont Fabrizio De André et Lucio Battisti, deux artistes antagonistes, le premier poète, intellectuel de gauche, le second musicien et mythe de droite[134] au style musical et trajectoires artistiques différents[135] ainsi que Francesco Guccini fortement influencé par la chanson politique et Cantacronache comme en témoigne son manifeste musical La locomotiva ou Primavera di Praga, consacré au Printemps de Prague de 1968[136].

Ce n'est qu'au milieu de la décennie que les auteurs-compositeurs-interprètes rompent avec la politisation[137]. Giorgio Gaber, Roberto Vecchioni et Francesco Guccini entre autres qui ont flirté avec la politique et les mouvements, devenant fatalement emprisonnés, prennent leurs distances[136],[138].

Il existe parallèlement une autre catégorie d'auteurs-compositeurs-interprètes non politiques comme Lucio Dalla (4 marzo 1943), le pianiste de jazz Paolo Conte, Ivano Fossati, Franco Battiato qui partagent des traits communs, comme le fait d'être musiciens, d'avoir abordé l'écriture tardivement, d'avoir une passion pour le voyage et l'exotisme et surtout d'avoir la capacité d'identifier et d'aider de nouveaux artistes à émerger. Dalla est le découvreur de Ron, Luca Carboni et Samuele Bersani, Battiato découvre Alice et Giuni Russo, Fossati est l'auteur d'innombrables chansons pour Patty Pravo, Mia Martini, Loredana Bertè, Anna Oxa et Fiorella Mannoia[139][140].

La décennie voit également le développement du rock progressif. Les deux formations principales sont la Premiata Forneria Marconi et le Banco del Mutuo Soccorso, derrière lesquels émergent les « symphoniques » New Trolls, les « baroques  » Le Orme et I Califfi, les « auteurs » Formula 3, les  « sophistiqués  » Area et Stormy Six, le mélange entre électronique et mélodie de Matia Bazar et, vers la fin de la décennie, le punk rock de Gaznevada et le Comedy rock de Skiantos[141],[142]. Entre rock progressif et auteur-compositeur-interprète se situent Eugenio Finardi, Musica ribelle[143], Ivan Graziani (Agnese dolce Agnese)[144] et Gianna Nannini (America)[145].

A Rome, entre-temps, une nouvelle scène musicale s'est développée autour du « Folkstudio » du producteur Giancarlo Cesaroni et des « giovani del Folkstudio » Francesco De Gregori, Antonello Venditti, Ernesto Bassignano et Giorgio Lo Cascio rejoints par Mimmo Locasciulli et Rino Gaetano[146]. Venditti et De Gregori produisent ensemble un album, Theorius Campus, avant d'entamer leur propre chemin : le premier, avec ses chansons dédiées à Rome, contribue à la renaissance de la chanson romaine[147]. Parallèlement, apparaît une nouvelle tendance romantique avec Claudio Baglioni qui entre 1972 et 1975 publie divers succès tels que Questo piccolo grande amore, Amore bello, E tu... et Sabato pomeriggio[148], Riccardo Cocciante, Gianni Togni et Renato Zero[149]. Parmi les autres interprètes de relief figurent Roberto Vecchioni, Mia Martini (Piccolo uomo et Minuetto et sa sœur Loredana Bertè (E la luna bussò) et Nada qui remporte le Festival de Sanremo en 1971 (Che freddo fa)[150].

La chanson dialectale montre à son tour un certain dynamisme avec le « menestrel folk » Angelo Branduardi, la Nuova Compagnia di Canto Popolare, la Canzoniere del Lazio, Gabriella Ferri, Dino Sarti, Raoul Casadei et la Sarde Maria Carta[151]. À Naples émergent de nouveaux sons avec le jazz de James Senese, le rhythm & blues et le funk d'Enzo Avitabile, la batterie de Tullio De Piscopo, la fusion du blues et de la chanson napolitaine de Pino Daniele, celui entre folk, jazz et rock de Teresa De Sio, le rock non conventionnel d'Eugenio Bennato, le rock progressif d'Osanna et Napoli Centrale[152], mais aussi la récupération de la chanson napolitaine avec Pino Mauro, Mario Trevi et surtout Mario Merola[153].

Dans le sillage de la vague disco, le style est devenu populaire en Italie à la fin des années 1970. Le producteur allemand Bernhard Mikulski a inventé le nom Italo Disco pour des raisons de marketing. Des projets musicaux tels que Righeira et Baltimora ont connu un grand succès à l'étranger et des producteurs et chanteurs comme Giorgio Moroder et Raf ont également fait leur percée dans ce genre. Même si ses racines ne peuvent être considérées comme authentiques la danse dite Italo est devenue connue dans le monde.[154].

Années 1980[modifier | modifier le code]

Les années 1980 débutent avec la crise de la disco music et des auteurs-compositeurs-interprètes, qui a entraîné un bref effondrement du marché du disque, en partie surmonté par la redécouverte des festivals, principalement celui de Sanremo, comme moyen de diffusion[155] et en partie avec l'arrivée du walkman et des nouveaux médias portables ainsi que la cassette audio d'abord et le disque compact ensuite[156].

Photographie en couleur, mi-buste d'un homme, regard dirigé sur la gauche, avec bandeau sur le front, cheveux longs, bras gauche appuyé sur un micro sur pied, vêtu d'un poncho à motifs géométriques colorés.
Vasco Rossi en concert.
Photographie en couleur de trois personnes sur une scène distribués et équidistants sur une ligne horizontale, la personne au centre tient de sa main gauche un trophée ; en haut à gauche une écriture en lettres majuscules
Eros Ramazzotti au Festival de Sanremo en 1984
Photographie en couleurs ; sur la gauche une femme blonde, cheveux blonds longs tombant, tenant au niveau du buste un imposant trophée de couleur rouge avec au centre une lettre majuscule dorée en forme de L ; à droite un homme un portant veste, chemise rayée, coiffure cheveux noirs frisés, tenant de la main gauche un trophée de forme multi-tubulaire longiligne
Anna Oxa et Fausto Leali remportent le Festival de Sanremo 1989.

D'un point de vue musical, le retour de deux « vieilles gloires » comme Gino Paoli et Gianni Morandi[157] et une sorte une mutation du chanteur-compositeur, inauguré par Eugenio Finardi dans la décennie précédente, vers une clé plus rock, avec des paroles plus brutes et spontanées et un refus de parler d'amour en termes romantiques[158]. Ce courant comprend des interprètes comme Gianna Nannini qui a confirmé son succès avec les singles Fotoromanza et Bello e impossibile, où elle mélange krautrock, électronique et romance[159]. De là naissent Vasco Rossi, qui a atteint la célébrité avec Vita spericolata, présentée au Festival de Sanremo 1983[160], et Zucchero Fornaciari, qui est passé d'un simple imitateur de Joe Cocker à un bluesman à succès suite sa collaboration avec Gino Paoli dans Come il all'improvviso et Oro, incenso e birra[161],[162]. La tendance pop punk est représentée par Donatella Rettore (Splendido splendente, Kobra et Donatella, Ivan Cattaneo (Polisex), Alberto Camerini (Rock'n' roll robot), Enrico Ruggeri et Jo Squillo[163]. La Nouvelle vague italienne comprend entre autres Litfiba et CCCP Fedeli alla linea[164].

Les années 1980 marquent aussi le passage à la musique pop, d'abord avec le succès de Eros Ramazzotti qui remporte dans la section « nouvelles propositions » le festival de Sanremo 1984 avec Terra promessa et ensuite celui de 1986 avec Adesso tu[165], le retour de Mia Martini avec Almeno tu nell'universo[166], la voix des auteurs-compositeurs-interprètes Fiorella Mannoia[167], la carrière solo d'Enrico Ruggeri[168] et une longue série d'interprètes « plus légers » dont beaucoup ont été découverts vers la fin de la décennie précédente comme Amedeo Minghi, Mietta, Paola Turci, Toto Cutugno, Pupo, Anna Oxa, Alice, Marcella Bella, Mango, Fausto Leali, Eduardo De Crescenzo, Marco Ferradini, Fabio Concato, Viola Valentino, Luca Barbarossa et Mariella Nava[169],[170].

La place bolognaise, très active dans cette décennie, mérite une mention spéciale : la tournée Banana Republic, liée à à l'album du même nom de Lucio Dalla et Francesco De Gregori, lance la carrière de Ron (Una città per cantare), Stadio (Chiedi chi erano i Beatles) et Luca Carboni ([...]intanto Dustin Hoffman non sbaglia un film). L'Osteria delle Dame voit les premiers pas des chanteurs populaires « auteurs » Pierangelo Bertoli et Claudio Lolli, et les romantiques « bolognais d'adoption » Biagio Antonacci et Samuele Bersani sont remarqués[171].

Il y a eu aussi un retour du genre « balnéaire » mené par le Righeira avec Vamos a la playa et par le Gruppo italiano avec Tropicana[172], une présence timide du rap avec Jovanotti et son premier album Jovanotti for président[173][174] et l'évolution de la dance avec les 49ers et les Black Box[175].

Années 1990[modifier | modifier le code]

Photographie en couleur d'une personne sur scène, cheveux noirs, tenant une guitare et chantant, devant un haut micro sur pied
Luciano Ligabue en concert (1991).

La fin du XXe siècle voit l'adaptation de la musique italienne aux standards internationaux de la pop musique, déterminant la « dé-provincialisation de la réalité musicale » ainsi que « une annulation progressive des caractéristiques stylistiques de notre chanson », avec des effets également sur la chanson d'auteur « qui s'adapte de plus en plus aux formes pop au point de rendre difficile de distinguer les deux genres ».[176]. Cela est confirmé par les chansons Attenti al lupo de Lucio Dalla, Benvenuto in paradiso de Antonello Venditti et de Viva la mamma de Edoardo Bennato[177] ainsi que plus généralement le classement des singles les plus vendus de la première moitié des années 1990, « un réceptacle de chansons mélodiques-sentimentales [...] et de chansons joyeusement désengagées ».[178] Ce scénario est dominé par des interprètes tels que Riccardo Cocciante, Amedeo Minghi, Mietta, Francesca Alotta, Aleandro Baldi, Marco Masini, Paolo Vallesi, Luca Carboni, Biagio Antonacci, Francesco Baccini, Ladri di biciclette, Jovanotti et 883 qui a marqué « une mutation dans le sens pop de la mélodie écrite en Italie », bien que leurs chansons soient principalement appréciées dans le milieu de la jeunesse.[179]

Mais à cette époque, ce sont les voix féminines qui se sont distinguées, surtout celle de Laura Pausini, qui se fait remarquer avec son premier single La solitudine avec lequel elle remporte la « Section Jeunesse du festival de Sanremo 1993 et Strani amori, troisième au même festival en 1994 [180] et Giorgia, qui s'est fait connaître avec les singles E poi, Come saprei, gagnante du Festival de Sanremo 1995 et Strano il mio destino.[181] Les autres interprètes à succès des années 1990 sont Irene Grandi, Marina Rei, Ivana Spagna, Tosca, qui a partagé avec Ron la victoire au Festival de Sanremo 1996[182] et Elisa, qui a commencé sa carrière en chantant en anglais Pipes & Flowers puis a adopté l'italien pour la première fois avec Luce (Tramonti a nord est) remportant le Festival de Sanremo 2001.[183]

Depuis le milieu des années 1990, une nouvelle génération d'auteurs-compositeurs-interprètes est apparue avec Massimo Di Cataldo, Alex Britti, Niccolò Fabi, Max Gazzè, Carmen Consoli, Vinicio Capossela, Samuele Bersani et Daniele Silvestri,[184][185] auquel a été ajouté le Piccola Orchestra Avion Travel, prix de la critique au Festival de Sanremo 1998 avec Dormi e sogna et gagnants à Sanremo 2000 avec Sentimento.[186] D'autres artistes notables sont Alex Baroni qui s'est fait connaître avec les deux tubes à Sanremo Cambiare et Sei tu o lei (Quello che voglio) [187] Andrea Bocelli qui a remporté la catégorie «Nouvelles propositions » du Festival de Sanremo 1994 avec Il mare calmo della sera et qui a atteint le consécration finale l'année suivante avec Con te partirò et Davide Van De Sfroos avec un mélange de country music et « dialecte laghée ».[188]

Dans le domaine du rock, Luciano Ligabue s'est définitivement établi avec Buon compleanno Elvis,[189] tandis que les groupes les plus performants, outre Litfiba et le Consorzio Suonatori Indipendenti , né des cendres du CCCP, sont rejoints par Afterhours, Subsonica et Marlene Kuntz. L'expérimentation sur la scène rock a été importante, allant des alternatifs Negrita, Timoria et Üstmamò au punk du Prozac+ aux auteurs La Crus, Têtes de Bois, Bluvertigo, Marta sui Tubi, Tiromancino et au folk rock des Modena City Ramblers, Banda Bassotti, Bandabardò et Mau Mau.[190]

La décennie a également vu la naissance d'un véritable genre rap, d'abord avec Batti il tuo tempo` du groupe Onda Rossa Posse, puis avec Frankie Hi-NRG MC, Articolo 31, Sottotono, 99 Posse, Almamegretta, Neffa avec Aspettando il sole et Er Piotta, ainsi que d'un genre ska e reggae avec Bisca, Sud Sound System, 24 Grana, Pitura Freska et Africa Unite. [191]La scène de la Danse est également très active, notamment avec Robert Miles (Children) et Alexia, qui se fait connaître avec divers projets internationaux, dont celui avec Ice MC avec lequel elle enregistre Think About the Way, puis inaugure une carrière solo (Fan Club).[192]

Du côté de la Chanson napolitaine Gigi D'Alessio s'affirme comme « leader des néomélodiques napolitains » avec l'album Passo dopo passo et avec le film Annaré.[193] Enfin, la populaire rock démentiel continue son chemin avec Francesco Salvi, Giorgio Faletti, David Riondino, Marco Carena, Dario Vergassola et Elio e le Storie Tese qui en 1996 remporte le Prix de la Critique Mia-Martini avec La terra dei cachi.[194]

XXIe siècle[modifier | modifier le code]

Photographie en couleur d'un jeune homme profil trois-quart, veste sombre, chemise blanche et nœud papillon au cou, tenant le pied d'un micro, yeux fermés, coiffure houppette en arrière, arrière plan bleu sombre
Tiziano Ferro à Montichiari en 2015.

Le changement de siècle apporte avec lui diverses innovations. Du point de vue musical, après le folk et le rap, c'est au tour de la « redécouverte de l'électronique, du jazz et de la musique classique » ; du point de vue de la naissance de nouveaux artistes, c'est d'abord le festival de Sanremo avec sa section jeunesse qui joue le premier rôle devant les radio-crochets « à la découverte de jeunes talents »[195], comme Amici de Maria De Filippi et X Factor. Au niveau de la production musicale, « c'est le triomphe de l'interprète sur l'auteur. Les interprètes, et non pas les chansons, sortent comme dans une loterie où ceux qui tirent le bon ticket « gagnent » le succès »[196].

Au premier plan, quatre personnes en ligne horizontale, derrière eux, cinq panneaux rectangulaires avec des textes et des chiffres, au dessus, une fine corniche surmontée centralement d'un grand écran tronqué avec une image.
Le Vibrazioni au Festival de Sanremo 2018.

Tout au long des années 2000, Sanremo a servi de tremplin à des artistes comme Dolcenera, parmi les vainqueurs de Destination Sanremo en 2002 ; Povia, vainqueur de l'édition 2006 ; Francesco Renga, vainqueur de l'édition 2005 ; Giò Di Tonno et Lola Ponce, lauréats de l'édition 2008 ; Arisa, lauréate du « SanremoLab 2008 », de la section Propositions de Sanremo 2009 et du Festival de Sanremo 2014 ; Paolo Meneguzzi, Irene Fornaciari et Sonohra, lauréats du Sanremo 2008 section Jeunesse. Déjà avec le festival de Sanremo 2009, avec la victoire de Marco Carta, vainqueur de la septième édition de Amici en 2008, apparaît une « soudure » entre « les nouvelles scènes de la chanson virtuelle et la mère de toutes les scènes de la chanson italienne », confirmée par la victoire à Sanremo 2010 de Valerio Scanu, finaliste de la huitième édition des Amici 2009, mais aussi par la participation des chanteurs produits par les talk-show comme Karima, finaliste de la sixième édition des Amici en 2007 ; Giusy Ferreri, finaliste de la première édition de X Factor en 2008 ; Noemi, participante à la deuxième édition de X Factor en 2009 ; Marco Mengoni, gagnant de la troisième édition de X Factor en 2010 et du Festival di Sanremo 2013 ; Emma Marrone, gagnante de la neuvième édition de Amici en 2010 et du Festival di Sanremo 2012[197] ; Francesca Michielin, gagnante de la cinquième édition de X Factor en 2012 et seconde au Festival di Sanremo 2016[198].

La veine de l'auteur-compositeur-interprète conserve sa vitalité, comme en témoignent Sergio Cammariere (it) qui a remporté le succès avec l'album Dalla pace del mare lontano et la chanson Tutto quello che un uomo, avec laquelle il a atteint la troisième place à Sanremo 2003 ; Tricarico, devenu célèbre avec Io sono Francesco et ensuite récompensé à Sanremo 2008 avec Vita tranquillilla ; le parolier Pacifico, également connu pour Le mie parole, dont Samuele Bersani fera une reprise, et ses collaborations au cinéma et avec Adriano Celentano et Frankie Hi-NRG MC ; Simone Cristicchi, gagnant du Sanremo 2007 avec Ti regalerò una rosa ; Fabrizio Moro, gagnant du volet Jeunesse de Sanremo 2007 avec Pensa et L'Aura, devenue célèbre avec les singles Irraungibile et Basta[199].

La pop mélodique est présente avec Tiziano Ferro, qui s'est fait connaître avec le single Xdono et qui a connu le succès les albums 111 et Nessuno è solo, et qui a collaboré avec Robbie Williams, Mina, Franco Battiato, Ivano Fossati, Laura Pausini, et Anna Tatangelo, qui a remporté la section Jeunesse du Festival de Sanremo 2002 avec Doppiamente fragili et la catégorie Femmes de l'édition 2006 avec Essere una donna. Alexia, à mi-chemin entre la Danse-music et la mélodie, abandonne l'anglais pour l'italien terminant deuxième en 2002 avec Dimmi come... et remportant ensuite l'édition suivante avec la ballade soul Per dire di no[200]. On découvre deux nouvelles interprètes féminines : Malika Ayane, qui a eu du succès avec Come foglie, présenté dans la section « Jeunes » de Sanremo 2009 et la chanteuse soul Nina Zilli, prix des critiques dans la section « nouvelles propositions » pour L'uomo che amava le donne[201].

Parmi les groupes de pop rock, on note Le Vibrazioni, Quintorigo, Baustelle, Negramaro et parmi ceux pour adolescents, le pop punk Finley et pop Zero Assoluto[202]. La scène rap voit la consécration de Caparezza, actif depuis le début des années 2000[203] et Fabri Fibra[204]. Enfin, on assiste à la redécouverte du jazz, avec les pianistes Stefano Bollani et Danilo Rea (it), le saxophoniste Stefano Di Battista, les interprètes Nicky Nicolai (it), Chiara Civello et Amalia Gré (it), le chanteur soul Mario Biondi[205], Ludovico Einaudi et Giovanni Allevi[206].

Notes et références[modifier | modifier le code]

  1. Colombati, p. 12-17.
  2. Nigra, p. 3-34.
  3. Colombati, p. 64.
  4. Colombati, p. 75.
  5. a et b Colombati, p. 79.
  6. Borgna, p. 14.
  7. Ruggieri, p. 2-12.
  8. Borgna, p. 16-17.
  9. Liperi, p. 66.
  10. Borgna, p. 19-20.
  11. Liperi, p. 68-73.
  12. Colombati, p. 108-166.
  13. Borgna, p. 29-30.
  14. Micheli, p. 19.
  15. Liperi, p. 36.
  16. Micheli, p. 204-206.
  17. Borgna, p. 30-31.
  18. Micheli, p. 211 - 578.
  19. Borgna, p. 35.
  20. Liperi, p. 24.
  21. Colombati, p. 104.
  22. Borgna, p. 53-54.
  23. Liperi, p. 97.
  24. Borgna, p. 40-42.
  25. Colombati, p. 183-186.
  26. Borgna, p. 61-62.
  27. Colombati, p. 238-239, 279.
  28. Colombati, p. 238.
  29. Borgna, p. 45.
  30. a et b Liperi, p. 47-48.
  31. Borgna, p. 63-67.
  32. Colombati, p. 282-283.
  33. Borgna, p. 76.
  34. Borgna, p. 71-78.
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  36. Liperi, p. 100.
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  40. Liperi, p. 117.
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  55. Liperi, p. 125, 134-135.
  56. Borgna, p. 132,156-157.
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  69. Liperi, p. 155, 158.
  70. Borgna, p. 185-186, 190-194.
  71. Micheli, p. 611, 614-615.
  72. Borgna, p. 195-196.
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  77. (en) « Lugano 1956 », Concours Eurovision de la chanson (consulté le 7 octobre 2018).
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Bibliographie[modifier | modifier le code]

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