Björk

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Björk
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Björk lors d'un concert à Paris en 2022.
Informations générales
Nom de naissance Björk Guðmundsdóttir
Naissance (58 ans)
Reykjavik (Islande)
Nationalité Drapeau de l'Islande Islandaise
Activité principale Auteure-compositrice-interprète, actrice, productrice
Genre musical Musique électronique, electronica, musique alternative, musique expérimentale, pop, art rock, avant-pop[1], rock alternatif, new wave, trip hop, musique folk, jazz
Années actives Depuis 1977
Labels One Little Indian
Elektra/Atlantic
Polydor
Mother
Smekkleysa
Influences Kate Bush
Karlheinz Stockhausen
Nina Hagen
Zeena Parkins[2][source insuffisante]
Site officiel www.bjork.com
Signature de Björk

Björk, de son nom complet Björk Guðmundsdóttir[N 1] (/ˈpjœk ˈkvʏðmʏntsˌtoʊhtɪr/[N 2] Écouter), est une musicienne, chanteuse, auteure-compositrice-interprète, productrice et actrice islandaise née le à Reykjavik. Remarquée pour sa voix couvrant trois octaves et sa personnalité excentrique, elle a développé un style musical éclectique au cours de ses quatre décennies de carrière, s'inspirant des musiques électronique, pop, punk, jazz, alternative, expérimentale, trip hop, classique, traditionelle et avant-gardiste.

Björk commence sa carrière musicale à l'âge de 11 ans et se fait d'abord connaître mondialement comme la chanteuse du groupe de rock alternatif The Sugarcubes à 21 ans. Après la séparation du groupe en 1992, la chanteuse commence sa carrière solo avec Debut en 1993. Il est suivi par Post (1995), Homogenic (1997), Vespertine (2001), Medúlla (2004), Volta (2007), Biophilia (2011), Vulnicura (2015), Utopia (2017) et Fossora (2022). Ses albums sont marqués par de nombreuses collaborations et des influences musicales variées.

Plusieurs albums de Björk ont atteint le top 20 de l'US Billboard 200. En 2015, son total de disques vendus à travers le monde est estimé à plus de 20 millions[3]. Trente-et-un de ses singles ont atteint le top 40 dans les différents pays, dont vingt-deux rien qu'en Angleterre[4], à l'instar de titres comme It's Oh So Quiet, Hyperballad, Venus as a Boy, Army Of Me ou encore Bachelorette. Ses différentes distinctions récoltées au cours de sa carrière incluent l'ordre du Faucon, l'ordre des Arts et des Lettres, cinq Brit Awards et seize nominations aux Grammy Awards. Par ailleurs, elle fait partie de la liste du Time 100 des cent personnalités les plus influentes au monde en 2015[5] et Rolling Stone la désigne comme étant la 60e plus grande chanteuse et la 81e plus grande compositrice.

Björk a joué dans quelques films dont Dancer in the Dark (2000) de Lars von Trier, pour lequel elle remporte le prix de la meilleure actrice au Festival de Cannes 2000 et est nommée pour l'Oscar de la meilleure chanson originale pour I've Seen It All. Biophilia est commercialisé comme un album interactif grâce à une application avec son propre programme éducatif. Björk défend également des causes environnementales en Islande. Une rétrospective consacrée à la chanteuse est organisée au Museum of Modern Art de New York en 2015.

Biographie[modifier | modifier le code]

Enfance et premiers groupes (1965-1984)[modifier | modifier le code]

Image d'une ville islandaise avec une grande église grise au bord de la mer
Reykjavik, ville de naissance de la chanteuse.

Björk Guðmundsdóttir est née le à Reykjavík[6] où elle grandit aux côtés de sa mère, la militante Hildur Rúna Hauksdóttir (1946-2018) qui proteste contre le développement de la centrale hydroélectrique islandaise de Kárahnjúkar[7], et de son père Guðmundur Gunnarsson, un dirigeant syndical et électricien. Ses parents divorcent à sa naissance et la jeune Björk déménage avec sa mère dans une communauté intentionnelle hippie[8],[9],[10]. Son beau-père est Sævar Árnason, l'ancien guitariste du groupe Pops[10]. Björk déclare « Mon arbre généalogique remonte sur 1 200 ans et on n'y trouve que des Islandais »[8], mais sa mère évoque une lointaine ancêtre irlandaise[11]. À six ans, elle s'inscrit au Barnamúsíkskóli de Reykjavík, une école de musique où elle étudie le piano et la flûte et découvre de grands compositeurs comme Karlheinz Stockhausen, Gustav Mahler et Claude Debussy[6]. Après un récital scolaire au cours duquel elle chante I Love to Love de Tina Charles, ses professeurs décident d'envoyer un enregistrement de la chanson à la station de radio RÚV, alors seule station de radio islandaise. L'enregistrement est diffusé au niveau national et un représentant de la maison de disques Fálkinn, après l'avoir entendu, propose à Björk un contrat d'enregistrement. Elle enregistre à 11 ans son premier album Björk qui sort en Islande en [12]. Il est tiré à 5 000 exemplaires et devient disque d'or dans son pays. Il contient des reprises en islandais (dont une chanson des Beatles, Fool on the Hill, qui devient Alfur Út Úr Hól) et quelques compositions de la jeune chanteuse[13].

Son adolescence est marquée par la diffusion de la musique punk rock en Islande. À ce moment elle forme le groupe punk entièrement féminin Spit and Snot. En 1980, elle forme un groupe de jazz fusion, Exodus, en collaboration avec le group, JAM80, et obtient en même temps son diplôme de l'école de musique[6]. En 1982, elle forme avec le bassiste Jakob Magnússon un autre groupe, Tappi Tíkarrass (qui peut se traduire par « Bouche le cul de la salope » en français), et sortent l'EP Bitið fast í vitið en . Leur album Miranda sort en . Le groupe est présenté dans le cadre du documentaire Rokk í Reykjavík et Björk fait la couverture de la VHS[6],[14]. À peu près à la même époque, Björk rencontre le guitariste Eldon Jónsson et le groupe Medusa, qui comprend également le poète Sjón, avec qui elle entame une très longue collaboration et forme le groupe Rokka Rokka Drum[15]. Elle décrit son passage au sein de Medusa comme « une magnifique université organique D.I.Y. : fertilité extrême ! »[16].

Björk apparaît en tant qu'artiste sur Afi, un morceau du disque Örugglega de Björgvin Gíslason en 1983[10].

Image d'un homme blond avec une chemise à rayure noire et dorée chantant dans un micro
Einar Örn Benediktsson devient le principal collaborateur de Björk durant la période de Kukl et des Sugarcubes.

En raison de l'arrêt imminent de l'émission de radio Áfangar, deux présentateurs, Ásmundur Jónsson et Guðni Rúnar, demandent à des musiciens de jouer en direct pour la dernière radiodiffusion. Björk se joint à Einar Melax (du groupe Fan Houtens Kókó), Einar Örn Benediktsson (de Purrkur Pillnikk), Guðlaugur Kristinn Óttarsson et Sigtryggur Baldursson (de Þeyr), et Birgir Mogensen (de Spilafífl) pour participer au concert[17]. Au cours de cette expérience, le groupe étoffe une musique influencée par le rock gothique et Björk commence à développer sa façon de chanter — ponctuée de hurlements et de cris[6]. La nouvelle formation se produit durant le concert sous le nom de de Gott kvöld, puis décide de continuer sous le nom de Kukl (signifiant « sorcellerie » en islandais)[17]. Une connaissance de Björk leur donne accès à son studio pour enregistrer et sortir leur premier single en 1983[17]. Leur première grande performance a lieu lors d'un festival en Islande où ils sont présentés par le groupe punk anarchiste britannique Crass, dont la maison de disques, Crass Records, leur offre un contrat d'enregistrement. The Eye sort en 1984, suivi d'une tournée de deux mois en Europe, qui comprend une performance au festival Roskilde au Danemark ; faisant de Kukl le premier groupe islandais à jouer au festival[9],[17]. Pendant cette période, Björk publie en 1984 Um Úrnat frá Björk, un livre de poèmes coloriés à la main[6].

Le deuxième album de Kukl, Holidays in Europe (The Naughty Nought), sorti en 1986 mais le groupe se sépare peu de temps après en raison de conflits personnels. Björk continue de collaborer avec Guðlaugur dans une formation appelée Elgar Sisters, ou certaines des chansons enregistrées finissent en faces B des singles solos de la chanteuse[6],[18].

The Sugarcubes et projets parallèles (1985-1992)[modifier | modifier le code]

Björk en concert avec The Sugarcubes au Japon en 1992.

En 1986, Björk joue son premier rôle dans le film à petit budget Quand nous étions sorcières réalisé par Nietzchka Keene, dont l'histoire s'inspire du conte du genévrier des frères Grimm. Dans le film la chanteuse joue le personnage de Margit, une jeune fille dont la mère a été tuée car elle pratiquait la sorcellerie[6]. La première du film a lieu en 1991 au festival du film de Sundance et ne sort en France qu'en 2019[19],[20].

La même année, Einar Örn, ancien membre du groupe, et Eldon forment le collectif artistique Smekkleysa qui a pour but d'être à la fois un label et une maison d'édition de livres[6],[18]. Plusieurs amis, notamment Melax et Sigtryggur, de Kukl, ainsi que Bragi Ólafsson et Friðrik Erlingson, de Purrkur Pillnikk, se joignent au sein du collectif et forment un nouveau groupe dans le seul but de gagner de l'argent[18]. Ils s'appellent d'abord Þukl, mais la publicité les présente sous le nom de leur ancien groupe : Kukl. Lors d'un concert en soutien au groupe islandais Stuðmenn, ils se nomment Sykurmolarnir (« Sugarcubes » en anglais). Leur premier single, Einn mol'á mann, sort le et est accompagné par les chansons Ammæli (Birthday) et Köttur (Cat)[18].

À la fin de l'année, repéré par le label One Little Indian, le groupe se renomme The Sugarcubes et devient vite, à son époque, le groupe islandais le plus célèbre au monde[18]. Leur premier single en anglais, Birthday, sort au Royaume-Uni le  ; une semaine plus tard, il est déclaré single de la semaine par Melody Maker[18]. Les Sugarcubes signent également un contrat de distribution avec Elektra Records aux États-Unis et enregistrent leur premier album, Life's Too Good, qui sort en 1988[21]. Le mensuel rock le plus important de la fin des années 1980 Best met le groupe en couverture et publie un article de plusieurs pages sur eux: « À mi-chemin entre l'Europe et l'Amérique, leur rock sans renier Siouxsie [and the Banshees] et les B-52's, [fait] souffler une incomparable fraîcheur d'alcool de menthe sur nos sens blasés, par la monotonie d'une production techno-uniforme et sans surprise »[22]. Après la sortie de l'album, Eldon et Björk divorcent peu après la naissance de leur enfant, bien qu'ils continuent à jouer dans le groupe[23]. L'album se vend à plus d'un million d'exemplaires dans le monde[21]. Björk participe en tant que chanteuse de fond à l'album Loftmynd de Megas en 1987, et continue comme choriste sur ses albums suivants, Höfuðlausnir (1988) et Hættuleg hljómsveit & glæpakvendið Stella (1990)[10].

Au cours du dernier trimestre de 1988, les Sugarcubes effectuent une tournée en Amérique du Nord qui est bien accueillie[21]. Le , le groupe participe à l'émission Saturday Night Live. Björk interprète seule la chanson de Noël Jólakötturinn sur la compilation Hvít Er Borg Og Bær[10]. Le groupe interrompt sa carrière à la suite du manque d'accueil de Here Today, Tomorrow Next Week ! (1989) et de la longue tournée internationale le promouvant[23]. Lors de cette période, Björk commence à travailler sur ses projets solo. En 1990, elle fait les chœurs sur Gums de Bless[10]. La même année, elle enregistre Gling-Gló, un album de standard du jazz chanté en islandais, avec le groupe de jazz Tríó Guðmundar Ingólfssonar. Il est l'album de la chanteuse qui s'est le plus vendu dans son pays natal jusqu'en 2011[6],[21]. Björk fait également les chœurs sur l'album Ex:el de 808 State, avec qui elle cultive son intérêt pour la house music. Elle chante sur les chansons Qmart et Ooops, qui sort en single au Royaume-Uni en 1991[10]. Elle chante également sur la chanson Falling, sur l'album Island de Current 93 et d'Hilmar Örn Hilmarsson[10]. La même année, elle rencontre le harpiste Corky Hale, avec qui elle fait une session d'enregistrement qui aboutit à un titre sur son futur album Debut[6].

À ce moment, Björk décide de quitter le groupe pour poursuivre sa carrière solo après avoir réalisé le troisième album, qui sort en sous le nom de Stick Around for Joy, et la tournée promotionnelle que le contrat du groupe prévoyait[21]. Björk participe à deux morceaux de la bande originale du film Remote Control (connu sous le nom de Sódóma Reykjavík en Islande)[10]. Les Sugarcubes se séparent après avoir donné un dernier concert à Reykjavík en 1992[21] et le magazine Rolling Stone les qualifie de « plus grand groupe de rock à émerger d'Islande »[24].

Debut et Post (1993-1996)[modifier | modifier le code]

Image d'une femme brune habillée de blanc chantant dans un micro
Björk lance sa carrière avec deux premiers albums influencé par la musique pop et électronique.

En 1993, Björk part s'installer à Londres pour poursuivre sa carrière en solo[25]. Elle commence à travailler en collaboration avec Nellee Hooper[26], producteur de Massive Attack, et le joueur de tablas Talvin Singh[27]. Leur collaboration aboutit au premier succès international de la chanteuse en solo, Human Behaviour, un morceau dansant basé sur un rythme de guitare samplé à partir d'un morceau d'Antônio Carlos Jobim[27]. Dans la plupart des pays la chanson est peu diffusée à la radio mais finit par gagner en popularité à la suite de la diffusion de son clip, réalisé par Michel Gondry qui devient très vite un collaborateur fréquent de Björk[28], sur MTV. Son premier album solo, Debut, sort le et reçoit de nombreuses critiques positives ; il est nommé album de l'année par le magazine NME et est devient disque de platine aux États-Unis[29]. Debut représente un pas en avant dans la carrière de Björk, qui jusque-là était chanteuse dans de nombreux groupes lors de son adolescence et du début de sa vingtaine. Le nom de l'album signifie le début de quelque chose de nouveau[30]. Debut contient un mélange de chansons que Björk écrit depuis son adolescence, ainsi que des titres plus récents écrit avec Hooper. L'album s'oriente vers la dance music, la house music et varie dans son instrumentation[31]. Un des singles de l'album, Venus as a Boy, comporte un arrangement de cordes influencé par Bollywood[32]. Elle reprend le standard du jazz Like Someone in Love en s'accompagnant d'une harpe, et la dernière chanson, The Anchor Song, est chantée avec pour seul accompagnement un ensemble de saxophones[33],[34].

Lors de la cérémonie des Brit Awards de 1994 Björk performe une version minimaliste de la chanson (I Can't Get No) Satisfaction des Rolling Stones en compagnie de la chanteuse de rock alternatif britannique PJ Harvey[35],[36] et remporte les prix de la « meilleure artiste solo féminine internationale » et « révélation internationale »[37]. Le succès de Debut (comptant 350 000 exemplaires vendus en France et 3 millions dans le monde[38]) lui permet de commencer à collaborer avec de nombreux artistes. Elle travaille avec David Arnold sur Play Dead, le thème du film The Young Americans de 1993 (qui est présent en tant que titre bonus sur une réédition de Debut). Participe à deux chansons pour l'album Nearly God de Tricky, apparaît sur le titre Lilith de l'album Not for Threes de Plaid et coécrit la chanson Bedtime Story pour l'album du même nom de Madonna en 1994[39]. Björk joue également la même année un rôle non crédité de mannequin dans le film Prêt-à-Porter de 1994.

Dès 1994, Björk retourne en studio pour composer et enregistrer Post en collaboration avec Nelle Hooper, Tricky, Graham Massey (du groupe 808 State) et le producteur de musique électronique Howie Bernstein[40]. Assuré par le succès de Debut, Björk continue à rechercher des sons différents, s'intéressant particulièrement à la danse et à la techno[41]. Les productions de Tricky et Howie B apporte également des sons de type trip hop/électronique sur des morceaux comme Possibly Maybe et Enjoy[41],[42]. C'est l'influence de ces producteurs et de son ami Graham Massey qui inspire Björk à créer des titres aux rythmes industriels comme sur Army of Me. La reprise du titre de Betty Hutton It's Oh So Quiet, devenant le plus grand succès de la chanteuse, a beaucoup participé à stimuler les ventes de l'album. Puis, en , paraît un album de remix des titres de Post, intitulé Telegram, contenant un titre inédit réalisé en collaboration avec Evelyn Glennie : My Spine[43].

Le disque sort le , et rencontre un succès considérable. Il est classé 7e place dans la liste des « 90 meilleurs albums des années 90 » et en 75e place dans la liste des « 100 meilleurs albums entre 1985 et 2005 » du magazine Spin[44],[45],[46]. Post et Homogenic, son successeur, sont placés à la suite dans la liste des « meilleurs albums des années 90 » de Pitchfork Media, respectivement en 21e et 20e place[47],[48]. En 2003, le magazine Rolling Stone classe l'album en 376e place de sa la liste des « 500 plus grands albums de tous les temps »[49]. Pendant cette période, la presse exalte l'excentricité de Björk en créant autour d'elle un personnage de « lutin »[50], un qualificatif qu'elle affronte par la suite avec ses albums suivants[51]. Ses clips vidéos lui permettent de toucher un plus large public, ce qui permet à Post de classer plusieurs de ses singles au Royaume-Uni[52] et d'obtenir un disque de platine aux États-Unis[29]. Björk contribue à l'album collaboratif d'Hector Zazou, Chansons des mers froides (1995), en chantant la chanson traditionnelle islandaise Vísur Vatnsenda-Rósu[53].

Homogenic et Dancer in the Dark (1997-2000)[modifier | modifier le code]

Björk en concert au festival Ruisrock, en 1998 à Ruissalo.

Après une longue tournée en 1996, la chanteuse décide de rentrer chez elle à Maida Vale à Londres avec le besoin urgent d'écrire de nouvelles chansons[54]. Elle invite alors l'ingénieur du son Markus Dravs à travailler avec elle dans son studio. Le rythme du processus de création est freiné car Björk échappe à un attentat, la police londonienne ayant intercepté un colis piégé à l'acide qu'un fan lui avait destiné[55], ce qui génère chez les médias un vif intérêt pour la chanteuse qui décide de quitter Londres pour s'installer en Espagne afin d'enregistrer en toute intimité une grande partie d'Homogenic, qui voit le jour en [56],[57].

Björk travaille avec les producteurs Mark Bell de LFO et Howie B, ainsi qu'avec Eumir Deodato[58]. Homogenic est considéré comme l'une des œuvres les plus expérimentales et extraverties de Björk, avec des rythmes énormes qui reflètent le paysage de l'Islande, allant des poétiques paysages enneigés aux chaotiques paysages volcaniques, notamment dans la chanson Jóga qui fusionne un ensemble de cordes avec des beats électroniques rock[59]. Björk dit que pour Homogenic, elle n'a gardé que les trois bruits essentiels, les trois bruits qui existent depuis la nuit des temps - les plus forts : la respiration, le cœur qui bat et les nerfs qui frémissent[60]. Pour ses textes Björk commence à écrire de manière plus personnelle, déclarant : « J'ai réalisé que j'étais arrivée au bout de mon extraversion. Je devais rentrer chez moi et me chercher à nouveau »[56]. Avec cet album la chanteuse rompt avec l'image « elfique » qu'on lui a donné afin de montrer l'image d'une femme mature, que cela soit par le biais de ses textes, de ses compositions et de la pochette d'album la montrant comme une geisha futuriste[61].

L'album se certifie disque d'or dans six pays dont les États-Unis[29], le Canada[62], le Royaume-Uni[63] et le Japon[64], et devient disque de platine en Europe[65]. L'album est soutenu par plusieurs singles, Jóga, Bachelorette, Hunter, Alarm Call et All Is Full of Love , dont les vidéoclips sont diffusés sur MTV. Le clip de Bachelorette est réalisé par Michel Gondry, un de ses fréquents collaborateurs, tandis que All Is Full of Love est réalisé par Chris Cunningham. Cette dernière chanson devient le premier single DVD à sortir aux États-Unis, ce qui ouvre la voie à d'autres artistes dans l'inclusion des vidéos et d'autres éléments multimédia dans leurs singles.

Portrait d'une femme brune souriant parmi une foule
Björk lors de la présentation de Dancer in the Dark au Festival de Cannes 2000.

En 1999, le réalisateur Lars von Trier demande à Björk d'écrire et de produire la musique de son prochain film Dancer in the Dark, un drame musical sur une jeune émigrée tchèque et mère célibataire nommée Selma qui, sur le point de devenir aveugle, s'évertue à réunir les fonds nécessaires afin de payer l'opération qui permettra à son fils, atteint de la même infirmité, d'y échapper. Le réalisateur Lars von Trier lui demande finalement d'envisager de jouer le rôle de Selma, proposition que Björk refuse à plusieurs reprises[66]. Celle-ci finit par accepter car le réalisateur menace de laisser tomber le film et la bande originale déjà entièrement composée par la chanteuse[67],[68]. Le tournage commence début 1999 et le film est présenté en 2000 au 53e Festival de Cannes. Le film reçoit la Palme d'Or et Björk obtient celui de la meilleure actrice pour son rôle[69]. La chanteuse rapporte que le tournage et la vie de plateau lui ont été très désagréables ainsi que fatigant physiquement et émotionnellement au point qu'elle s'est juré de ne plus jamais jouer[70]. En effet, le tournage est marqué par de nombreux conflits entre elle et le réalisateur[71]. L'actrice française Catherine Deneuve, avec qui la chanteuse partage l'affiche, explique que « c'était une épreuve pour elle de se retrouver devant tout ce monde. Björk ne jouait pas, elle se contentait d'être. Parfois, elle ne supportait plus la pression que lui imposait de vivre ainsi son rôle et elle fuguait comme une écolière. Bien sûr, j'étais parfois déroutée, découragée. Je l'ai beaucoup protégée. Elle est unique et, je pense, extrêmement timide, elle est habituée à travailler dans un univers intime »[72]. Malgré les problèmes occasionnés par le tournage Björk déclare plus tard avoir toujours voulu faire une comédie musicale dans sa vie et que cela s'est réalisé avec Dancer in the Dark. La bande originale que Björk a créée pour le film est sortie sous le titre Selmasongs. L'album comprend un duo avec Thom Yorke de Radiohead intitulé I've Seen It All, qui est nommé pour l'Oscar de la meilleure chanson originale et est interprété aux Oscars 2001, sans Yorke, dans la « robe-cygne » conçue par Marjan Pejoski[73].

Vespertine et Greatest Hits (2001-2003)[modifier | modifier le code]

Image d'une femme brune habillée en blanc éclairé devant un chœur
La chanteuse s'entoure pour le Vespertine World Tour de Matmos, Zeena Parkins, un chœur inuit et un orchestre.

En 2001, Björk publie Vespertine, qui initialement devait s'appeler Domestica, un album intimiste et introverti fait de microbeats, réalisés avec des sons du foyer, d'un orchestre à cordes, d'un chœur et d'un chant très doux abordant des thèmes personnels, en particulier celui de la vulnérabilité. Pour cet album, Björk collabore avec le groupe expérimental Matmos, le DJ danois Thomas Knak et la harpiste Zeena Parkins[74],[75]. Les paroles trouvent diverses sources d'inspiration, notamment chez le poète américain E. E. Cummings pour la chanson Sun In My Mouth, du cinéaste indépendant américain Harmony Korine et l'avant-dernière pièce de la dramaturge anglaise Sarah Kane : Manque[76],[77],[78]. Pour la promotion de Vespertine, elle se rapproche de nouveaux collaborateurs comme les graphistes de M/M (Paris)[79] ou le duo de photographes Inez Van Lamsweerde et Vinhood Matadin[74]. Pour coïncider avec la sortie de l'album, un livre éponyme de prose et de photographies est publié[80]. Björk se lance dans le Vespertine World Tour. Les concerts ont lieu dans des théâtres et des opéras afin d'avoir « la meilleure acoustique possible »[81]. Elle s'accompagne de Matmos, Parkins et un chœur inuit[81], qu'elle avait rencontré lors d'un voyage au Groenland avant la tournée[82]. Vespertine devient à sa sortie l'album de Björk qui s'est vendu le plus rapidement à ce jour, avec deux millions d'exemplaires vendus à la fin de l'année 2001[83],[84].

Trois singles sont extraits de l'album : Hidden Place, Pagan Poetry et Cocoon[85]. Le clip vidéo de Pagan Poetry, réalisé par Nick Knight, connaît à sa sortie un niveau de controverse élevé avec la chaîne MTV à la suite d'images montrant des piercings graphiques, des scènes de rapport sexuel, tirés de séquences personnelles de la chanteuse, et Björk exposant seins nus[86],[87],[88]. À la suite de son contenu le clip est banni d'MTV. En 2002, il est diffusé de manière non censuré dans le cadre d'une émission spéciale de fin de soirée sur MTV2 intitulée « Les 20 vidéos musicales les plus controversées »[89]. Le clip de Cocoon met en scène Björk dans un body moulant, lui donnant l'impression d'être nue, et ses tétons sécréte un fil rouge qui finit par l'envelopper dans un cocon. La vidéo est réalisée par l'artiste japonaise Eiko Ishioka et est également bannie par MTV[89]. La même année elle est invitée à enregistrer Gollum's Song pour le film Le Seigneur des Anneaux : Les Deux Tours, mais celle-ci décline l'invitation en raison de sa grossesse ; la chanson est alors enregistrée par une autre Islandaise, Emilíana Torrini.

Björk au Fuji Rock Festival, au Japon, en 2003.

En 2002 sort le coffret Family Tree proposant une sélection de nombreux titres restés inédits (comme Mother Heroïc) ainsi que des versions inédites de ses morceaux (comme une version de Birthday des Sugarcubes, chantée en islandais, ce qui donne Ammæli, ou encore Fulgar, un titre chanté avec Kukl), y compris son travail avec le Brodsky Quartet. En parallèle à ce coffret, est édité Greatest Hits, une rétrospective de ses dix années de carrière solo, à laquelle s'ajoute le titre inédit It's In Our Hands qui se classe en 37e place des charts britanniques[52]. Les morceaux sont choisis par les fans eux-mêmes, par le biais d'un vote organisé sur le site Internet de la chanteuse[90]. Greatest Hits sort aussi en version DVD, sous le titre de Greatest Hits, Volumen 1993-2003, et regroupe l'ensemble de sa vidéographie. Sur ce DVD figure le clip réalisé par Lynn Fox pour Nature Is Ancient, ainsi que le clip de Spike Jonze pour It's In Our Hands, où elle apparaît enceinte[91]. Elle donne naissance à sa fille Isadora Bjarkardottir Barney le [92]. Björk et le Brodsky Quartet enregistrent en 2001 Prayer of the Heart, une composition écrite pour elle par le compositeur John Tavener, qui est ensuite joué pour une exposition de la photographe américaine Nan Goldin en 2003[93]. En 2003, sort le coffret Live Box, composé de quatre CD contenant des enregistrements live de ses albums précédents et d'un DVD contenant une vidéo d'un titre de chaque CD. Chacun des quatre CD a ensuite été publié séparément à un prix réduit[94].

Medúlla et Drawing Restraint 9 (2004-2006)[modifier | modifier le code]

Björk en 2003 lors d'un concert en Allemagne.

En , Björk sort Medúlla (signifiant « moelle » en latin)[95]. Au moment de sa conception, Björk décide que l'album serait entièrement vocal (bien que parfois manipulé et déformé). Ce plan initial est modifié, bien que la majorité des sons de l'album soient créés par des chanteurs, afin de pouvoir inclure une programmation électronique et quelques instruments de musique occasionnels[96]. Björk fait appel aux talents vocaux de la chanteuse inuite Tanya Tagaq, du beatboxer hip hop Rahzel, du beatboxer japonais Dokaka, du rockeur avant-gardiste Mike Patton, du batteur/chanteur de Soft Machine Robert Wyatt et de plusieurs chorales[97],[98]. Elle s'approprie à nouveau un texte d'E. E. Cummings pour la chanson Sonnets/Unrealities XI[98]. La chanteuse de R'n'B Beyoncé aurait dû apparaitre sur l'album mais à la suite de problèmes d'emplois du temps la collaboration n'a pas pu se faire[97]. À sa sortie, Medúlla devient son album le mieux classé aux États-Unis, atteignant la 14e place[99].

Cet album constitue une rupture dans la carrière d'une chanteuse qui jusque-là s'accompagnait toujours de formations musicales petites ou grandes, allant de l'octuor à l'orchestre symphonique. La chanteuse avoue lors de diverses interviews s'attendre à un refus du public face à ce changement radical. Au contraire, son album s'est finalement beaucoup vendu.

Le même mois que la publication de l'album, Björk interprète la chanson Oceania lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 2004 à Athènes[100]. La performance est marquée par le déploiement de sa robe sur 900 m2 afin de révéler une carte du monde couvrant tous les athlètes olympiques et des images du clip, réalisé par Lynn Fox, sont diffusées sur écran géant. Cette chanson est écrite spécialement pour l'occasion et fait appel aux talents du beatboxer Shlomo et d'un chœur londonien. Peu de temps après, une version alternative de la chanson circule sur Internet avec des chants supplémentaires réalisé par Kelis. Cette version figure à l'origine sur le single promotionnel Oceania, diffusé sur les ondes radio, et devient plus tard accessible au public en tant que face B du single Who Is It[101] qui est suivi début 2005 par le single Triumph of a Heart, ces deux singles se classent respectivement à la 26e place et à la 31e place des charts britannique[102],[103]. Fin 2004, une vidéo pour le potentiel single, Where Is the Line, est filmée en collaboration avec l'artiste islandaise Gabríela Friðriksdóttir. Il s'agit à l'origine d'une séquence d'un film d'installation artistique des deux artistes, mais celui-ci est uniquement publiée sur le DVD Medúlla Videos[104].

En dehors de quelques représentations, aucune tournée n'est programmée pour promouvoir Medúlla. En elle explique dans une interview pour le magazine Rolling Stone qu'« à chaque album que j'ai fait, au moment où je le terminais, j'étais encore très inspirée, et je pensais pouvoir réaliser encore un album en cinq minutes ; alors, je voulais juste savoir si c'était seulement une fantaisie ou si c'était vrai ». De plus, la chanteuse déclare qu'il aurait été trop difficile de jouer les chansons en live[105].

Björk DJ en 2006.

En 2005, Björk collabore avec son partenaire Matthew Barney sur le film d'art expérimental Drawing Restraint 9, une exploration sans dialogue de la culture japonaise. Le couple apparaît dans le film, jouant deux invités occidentaux sur un baleinier industriel japonais qui se transforment finalement en deux baleines[106]. Elle est responsable de la bande originale du film, sa deuxième après Selmasongs. Le film est réalisé à l'occasion du 60e anniversaire commémorant les bombardements atomiques d'Hiroshima et Nagasaki[107]. Björk y utilise des instruments traditionnels japonais[107]. Drawing Restraint 9 contient une chanson qu'elle a chantée de nombreuses fois en concert sans lui avoir donné d'autres titre que Nameless, est désormais nommée Storm dans l'album[107].

Björk apparaît également dans le documentaire Screaming Masterpiece (2005), qui se penche sur la scène musicale islandaise. Le film présente des images d'archives des Sugarcubes et de Tappi Tíkarrass, ainsi qu'une conversation avec la chanteuse[108]. La même année, elle reçoit le « Inspiration Awards » lors des Annual Q Magazine Awards en , des mains de Robert Wyatt, avec qui elle a collaboré sur Medúlla[109]. En 2006, Björk est nommée aux BRIT Awards dans la catégorie « meilleure artiste solo féminine internationale »[110] et fait remasteriser en Dolby Digital 5.1 surround sound ses trois premiers albums studio solo (Debut, Post, Homogenic), ses deux bandes originales (Selmasongs et Drawing Restraint 9) pour publier sa discographie dans le coffret Surrounded, sorti le . Vespertine et Medúlla étant déjà disponibles en 5.1 sous forme de DVD-A ou de SACD sont également inclus dans le coffret dans un format reconditionné. Les DualDiscs sont également sortis séparément[111]. L'ancien groupe de Björk, les Sugarcubes, se reforme exceptionnellement pour un concert unique à Reykjavík le . Les bénéfices du concert sont reversés à l'ancien label du groupe, Smekkleysa, qui, selon le communiqué de presse de Björk, « continue à travailler sans but lucratif pour l'amélioration future de la musique islandaise »[112].

Volta (2007-2010)[modifier | modifier le code]

Image d'une femme brune habillée et maquillée de doré chantant dans un micro
Björk lors du Big Day Out à Melbourne en 2008.

En 2007, Björk reprend la chanson The Boho Dance de Joni Mitchell pour l'album A Tribute to Joni Mitchell[113]. Le réalisateur et ancien collaborateur de la chanteuse Michel Gondry lui propose de jouer dans son film La Science des rêves, mais refusant sa demande son rôle est attribué à Charlotte Gainsbourg[114]. La même année la chanteuse prête sa voix au personnage d'Anna Young dans le film d'animation islandais Anna and the Moods (2007) de Gunar Karlsson, aux côtés de Terry Jones et Damon Albarn[115],[116].

Son sixième album studio, Volta, sort le . L'album bénéficie de la contribution du producteur de musique hip-hop Timbaland aux percussions et arrangements musicaux[117], de la chanteuse Anohni du groupe Antony and the Johnsons pour les morceaux The Dull Flame of Desire et My Juvenile[118], du poète Sjón, du programmeur de rythmes électroniques Mark Bell, du maître de la kora Toumani Diabaté, du groupe congolais de mbira Konono N°1[119], du joueur de pipa Min Xiao-Fen et, sur plusieurs chansons, d'un ensemble islandais de cuivres exclusivement féminin[120],[118],[121]. L'album utilise également le Reactable, un nouveau synthétiseur à « interface tangible » de l'Universitat Pompeu Fabra de Barcelone, qui est joué sur Volta par Damian Taylor[121]. L'album est enregistré au Studio 4 du Manhattan Center Studios[117], en Islande et en Jamaïque.

Le premier single de l'album, Earth Intruders, sort en version numérique le accompagné d'un clip réalisé par Michel Ocelot, connu pour des films d'animation comme Azur et Asmar ou Kirikou et la Sorcière[122], et devient la deuxième entrée de la chanteuse au Billboard Hot 100 aux États-Unis[123]. Volta débute à la 9e place du Billboard 200 albums[99], devenant ainsi son premier album à se classer dans le top 10 américains, avec 43 000 exemplaires vendus en une semaine. L'album atteint également la 3e place des charts français avec 20 600 albums vendus la semaine de sa sortie[124] et la 7e place des charts britanniques des albums avec 20 456 exemplaires vendus[125]. Le deuxième single de l'album, Innocence, sort le accompagné d'un clip vidéo choisi à l'issue d'un concours organisé sur le site officiel de la chanteuse[126]. Le , Declare Independence sort dans un coffret comprenant deux vinyles 12", un CD et un DVD contenant le clip réalisé par Michel Gondry[127],[128]. Wanderlust sort dans un format similaire, avec un court-métrage réalisé par Encyclopedia Pictura tourné en 3D stéréoscopique[129]. Le cinquième single de l'album est The Dull Flame of Desire interprété avec Anohni[127].

Björk en concert au Deer Lake Park à Vancouver en 2007.

Björk lance le Volta Tour, une tournée de dix-huit mois où elle joue dans de nombreux festivals et marque son retour en Amérique latine après neuf ans d'absence, jouant à Rio de Janeiro, São Paulo, Curitiba, Guadalajara, Bogotá, Lima, Santiago et Buenos Aires[130]. En , elle retourne en Australie et en Nouvelle-Zélande pour la première fois depuis douze ans, dans le cadre des concerts organisés pour le Big Day Out. Elle donne à l'occasion un concert unique à l'Opéra de Sydney pour le festival de Sydney[131]. Sa musique est présente dans le documentaire Horizons : The Art of Steinunn Þórarinsdóttir (2008) réalisé par Frank Cantor[132]. Dans un communiqué publié sur son site officiel, la chanteuse annonce la sortie de Voltaïc le (reporté plus tard à la mi-juin) ; un coffret limité publié chez One Little Indian Records. Celui-ci se compose d'un DVD contenant plusieurs enregistrements réalisés lors des concerts à Paris et Reykjavík, d'un album live enregistré à l'Olympic Studio de Londres, d'un troisième disque contenant The Volta Videos et les vidéos du concours, tandis que le quatrième disque est le CD The Volta Mixes[133],[134].

En , l'Académie royale suédoise de musique annonce que Björk reçoit le Prix Polar Music aux côtés d'Ennio Morricone[135],[136]. Un mois plus tard, elle annonce sa collaboration avec Dirty Projectors pour un EP commun, intitulé Mount Wittenberg Orca, qui sort le , afin de collecter des fonds pour la conservation de la faune marine[137]. En , Björk sort The Comet Song dans le cadre de la bande originale du film Les Moomins et la chasse à la comète[138]. La même année, elle joue en duo avec sa compatriote islandaise Ólöf Arnalds sur une chanson intitulée Surrender du nouvel album d'Arnalds, Innundir skinni[139], puis interprète un duo avec Anohni sur l'album Swanlights d'Antony and the Johnsons[140]. Le , Björk interprète sa version de Sombre Dimanche lors de la commémoration du styliste Alexander McQueen dans la cathédrale Saint-Paul de Londres[141]. Le , la chanteuse publie Trance une chanson inédite pour la bande originale d'un court-métrage To Lee, with Love réalisé par Nick Knight en hommage à McQueen[142], avec qui Björk collabore à de multiples reprises.

Biophilia (2011-2014)[modifier | modifier le code]

Image d'une femme habilée de blanc et portant une perruque orange rouge et chantant dans un micro
Björk en concert à Cirque en chantier en 2013.

Björk apparaît dans Átta Raddir, l'une des émissions télévisées de Jónas Sen, diffusée le . Les émissions sont produites par le Service national de radiodiffusion islandais[143]. Dans l'émission, Björk interprète huit chansons, dont Sun in My Mouth, qui n'a jamais été jouée en live auparavant[144].

Björk lance sur IOS l'application Biophilia en , publiée sur Android en 2013, qui se divise en dix autres applications pour chaque chanson du prochain album[145]. Le projet a pour but « d'explorer le fonctionnement du son, l'étendue infinie de l'univers, des systèmes planétaires aux structures atomiques[146] » en expliquant le lien entre la musique et la science et marque des collaborations éducatives avec des élèves de 10 à 12 ans. Le Conseil chargé de l'éducation de Reykjavik introduit le programme dans toutes les écoles de la ville au cours des trois années suivantes[147]. L'application est présentée lors de spectacles spécialisés, dont la première a eu lieu à Manchester au Royaume-Uni lors du Manchester International Festival le . Il s'agit de la première partie du Biophilia Tour, qui fait le tour du monde pendant deux ans. Ce projet est annoncé comme ambitieux et expérimental utilisant la bobine de Tesla et des instruments créés pour l'occasion comme un « gameleste » (un mixte entre un gamelan et un célesta[148]) et des « gravity harps » (plusieurs pendules assemblés transmettant les mouvements de la Terre à une harpe[149])[150]. L'album, également titré Biophilia, sort le , et est le premier album à sortir comme étant une série d'applications interactives[151]. Les morceaux sont en partie composés avec l'aide d'un iPad[152].

En , le premier single de Biophilia, Crystalline, sort accompagné d'un clip signé Michel Gondry[153],[154]. La chanson est composée en utilisant le gameleste. Le deuxième single, Cosmogony, qui sert d'« application mère » pour toutes les autres, sort le [155], suivi de Virus et Moon en août[156] et [157].Une version live de Thunderbolt, filmé au Manchester International Festival, est publiée en tant que vidéo musicale sur YouTube le [158]. Le , une vidéo musicale promotionnelle sort pour Hollow présentant une exploration tridimensionnelle des molécules de Björk ainsi que son complexe moléculaire basé sur un headscan en s’influençant des œuvres du peintre italien Giuseppe Arcimboldo[159] et est réalisée par l'animateur biomédical Drew Berry[160]. Un clip vidéo pour Mutual Core est commandé par le Musée d'art contemporain de Los Angeles et est réalisé par Andrew Thomas Huang[161]. La vidéo est publiée le sur la chaîne YouTube du musée.

Fin 2012, Björk regroupe l'essentiel des titres de son album sur un album de remix intitulé Bastards, comprenant ceux de Death Grips ou du musicien syrien Omar Souleyman[162],[163],[164]. En 2013, Björk participe à un documentaire de Channel 4 aux côtés de David Attenborough intitulé Attenborough and Björk: The Nature of Music, dans le cadre de la saison du programme Mad4Music, qui met en relief les interactions entre l'Homme et la musique, en se concentrant sur la biophilie, et l'impact de la technologie sur la musique et son devenir. Le documentaire produit par britannique Lucas Ochoa fait aussi participer le scientifique Oliver Sacks[165]. Ochoa déclare au magazine NME que « suite à l'idée révolutionnaire initiée par Björk l'année dernière, nous sommes ravis d'être en mesure de documenter ce voyage incroyable avec elle, elle est indéniablement l'une des figures les plus emblématiques de la culture populaire et fait évoluer les limites comme aucun autre artiste »[166]. En 2014, les applications Biophilia sont les toutes premières applications à être introduites dans la collection permanente du Museum of Modern Art[151]. En , Björk enregistre des samples vocaux pour le groupe de rap Death Grips, qu'ils utilisent sur les huit chansons de Niggas on the Moon, la première partie de leur double LP, The Powers That B[167]. À la fin de l'année, le film du concert Björk : Biophilia Live sort dans le monde entier et est projeté dans plus de 400 cinémas[168].

Vulnicura (2015-2016)[modifier | modifier le code]

Image d'un concert présentant une femme masquée entouré par un ensemble d'instruments à cordes, un homme sur un ordinateur et un homme sur batterie
Björk en concert au New York City Center accompagnée par l'ensemble Alarm Will Sound, Arca et Manu Delago.

Pour son neuvième album studio, Vulnicura, Björk travaille avec les producteurs Arca et Haxan Cloak[169]. Le , quelques jours seulement après avoir été annoncé, et deux mois avant sa sortie prévue en , l'album fuite sur Internet[170],[171]. Afin de sauver les pertes potentielles de ventes dues à ce problème et pour permettre aux fans d'écouter l'album dans une qualité supérieure, il est publié dans le monde entier le sur iTunes[172]. Vulnicura (qui signifie « guérir les blessures ») est une analyse de sa rupture avec son ancien partenaire, Matthew Barney, prenant la forme d'un récit de 9 mois avant à 11 mois après cette séparation[173], et comporte des paroles qui sont émotionnellement brutes par rapport aux préoccupations abstraites de son album précédent[174]. Björk explique qu'il s'agit d'« un album plus traditionnel que Biophilia en ce qui concerne l'écriture. Il traite de ce qui peut arriver à une personne à la fin d'une relation. Il parle des dialogues que nous pouvons avoir dans nos têtes et dans nos cœurs, des processus de guérison »[175]. Sa sortie est positivement comparée aux albums récents de Madonna et de Beyoncé, la première ayant également publié son album sur iTunes après une fuite, et la seconde voulant révolutionner la manière dont les albums sont publiés et consommés[176]. Björk entame sa tournée mondiale en en résidence au Carnegie Hall avec comme accompagnement l'ensemble Alarm Will Sound, Arca à l'électronique (remplacé par Haxan Cloak pour les dates en festivals) et le percussionniste Manu Delago[177],[178]. Après avoir terminé sa résidence new-yorkaise, la tournée continue en Europe avant de s'achever en [179].

Du au , Le Museum of Modern Art de New York accueille une exposition rétrospective retraçant toute la carrière de Björk de Debut à Biophilia ; cependant, certains éléments provenant de Vulnicura sont inclus bien qu'ils n'avaient pas été annoncés auparavant[180],[181]. La rétrospective est divisée en quatre parties : les instruments de Biophilia (la bobine Tesla, l'orgue contrôlé par MIDI, le gameleste et la harpe à gravité) sont exposés dans le hall du musée et joue automatiquement tout au long de la journée, l'installation vidéo commandée par le MoMA, Black Lake, réalisée par Andrew Thomas Huang, qui consiste en deux montages complémentaires de la vidéo Black Lake[182] projetés dans une petite salle avec quarante-neuf haut-parleurs dissimulés dans les murs et le plafond, une salle de cinéma présentant la plupart des vidéos musicales de Björk, toute restaurées en haute définition, et l'exposition itinérante Songlines qui présente les carnets de notes, les costumes et les accessoires de la chanteuse tout au long de sa carrière[181]. Un livre intitulé Björk : Archives, documentant le contenu de l'exposition est publié en [183] et est suivi par la vidéo Black Lake[184]. Des vidéos pour Lionsong (qui est joué dans la salle de cinéma de l'exposition[185]), Stonemilker (une vidéo en réalité virtuelle en 360 degrés[186]), Family et Mouth Mantra sont également produites pour l'album[187],[188], ainsi qu'une série de remixes en trois parties disponibles numériquement et sur des vinyles en édition limitée[189],[190],[191]. En , une application appelée Stonemilker VR sort pour les appareils iOS, avec un mixage exclusif de la chanson[192], similaire à celle exposée au MoMA plus tôt dans l'année.

Le , la chanteuse annonce Vulnicura Strings, qui sert de compagnon purement acoustique à Vulnicura. Celui-ci présente des arrangements de cordes supplémentaires plus l'intégration d'une viola organista, un instrument à cordes unique joué sur un clavier conçu par Léonard de Vinci. Il est publié le en CD et en numérique et le en vinyle[193],[194]. Une semaine plus tard, Vulnicura Live est annoncé en format double CD et double LP vendus exclusivement par les magasins de disques Rough Trade. Le set est épuisé en ligne cinq jours après avoir été annoncé, mais des quantités limitées sont mises à disposition en magasin à Londres et à Brooklyn. Chaque format est limité à 1 000 exemplaires chacun, ce qui en fait l'une des sorties physiques les plus rares de la carrière récente de Björk. Le CD est sorti le 13 novembre 2015 et les vinyles picture disc sont sortis une semaine plus tard[195]. Le , Vulnicura est nommé pour le Grammy Award du « meilleur album de musique alternative »[196]. Le , une édition « commerciale » standard de Vulnicura Live sort en reprenant les mêmes performances mais nouvellement mixées et avec un artwork différent. Une version deluxe de l'album live est publiée le [197]. Une nouvelle interprétation de Come to Me de l'album Debut est également incluse dans le coffret 7-inches for Planned Parenthood en soutien à l'organisation de santé des femmes[198],[199].

Björk lance Björk Digital (en) en , une exposition en réalité virtuelle présentant toutes les vidéos réalisées pour Vulnicura jusqu'à présent, y compris la première mondiale de Notget, réalisée par Warren du Preez et Nick Thornton Jones, à Carriageworks pour le Vivid Sydney 2016 à Sydney, en Australie[200]. Elle anime la soirée d'ouverture en tant que DJ[201] et fait de même lorsque l'exposition se rend le au Miraikan de Tokyo au Japon[202],[203]. Pendant la résidence au Miraikan, Björk devient la première artiste à entrer dans l'histoire en participant à la première diffusion en direct de réalité virtuelle au monde diffusée sur YouTube. Elle interprète en direct la dernière chanson de l'album, Quicksand, et les images sont intégrées à l'expérience VR Quicksand[204]. Björk Digital parcourt le monde en passant par Londres, Montréal, Houston, Los Angeles et Barcelone[205].

Utopia et grandes tournées mondiales (2017-2021)[modifier | modifier le code]

Björk lors de l'Eden Project.

Le , Björk annonce sur ses réseaux sociaux la sortie imminente d'un nouvel album. L'annonce coïncide avec une interview pour le numéro de couverture du magazine Dazed, paru à l'automne 2017, dans laquelle la chanteuse parle du nouvel album[206],[207]. Le single principal, The Gate, sort le accompagné d'un clip vidéo signé par l'artiste visuel Andrew Thomas Huang[208],[209]. Le jour de cette sortie, Björk déclare, lors d'une interview avec Nowness, que le titre de l'album est Utopia[210]. Le , le deuxième single extrait de l'album, Blissing Me, est publié[211],[212], tandis que le lendemain, la chanteuse explique sur Mixmag que le nouvel opus est teinté de flûtes et de bois[213].

Utopia sort le [214]. La chanteuse le décrit comme étant son « album Tinder » et déclare qu'« il s'agit de cette recherche [de l'utopie] — et du fait d'être amoureux. Passer du temps avec une personne que vous appréciez est le moment où le rêve devient réel »[215],[216]. Björk ajoute que son album précédent représente « l'enfer — c'était comme un divorce ! », déclarant : « Nous sommes donc [ici] au paradis. L'utopie. Nous avons fait l'enfer, nous avons gagné des points »[217],[218]. L'album est produit avec Arca, avec qui elle a collaboré sur Vulnicura. Björk décrit alors leur collaboration comme étant « la relation musicale la plus forte [qu'elle ait] eue », la comparant à celle de Joni Mitchell et Jaco Pastorius lors des albums Hejira et Don Juan's Reckless Daughter. « C'est [ce que cette synergie donne] quand deux personnes perdent leur ego », déclare la chanteuse qui loue les deux artistes[209]. L'opus se présente comme un album de musique avant-gardiste et de folktronica entremêlant flûtes et instruments électroniques, et où la chanteuse imagine aussi une issue aux problèmes politiques et environnementaux[219],[220],[221]. Deux clips vidéos supplémentaires sont publiés en 2017 : Utopia et Arisen My Senses, qui pour le dernier sort avec un EP de remix en édition limitée[222],[223]. Utopia est nommé pour le « meilleur album de musique alternative » lors de la 61e cérémonie annuelle des Grammy Awards, devenant la quinzième nomination aux Grammys de Björk[196],[224].

Image d'une femme sur scène habillée dans une tenue blanche représentant des éléments de la nature
Björk lors de son concert Cornucopia au Shed de New York.
Image d'une femme chantant sur scène au milieu d'instrumentiste et de plantes.
Björk lors du Utopia Tour.

Le , Björk est l'invitée musicale principale de l'émission Later... with Jools Holland, sa première participation à la série de la BBC depuis 2011[225]. Lors de sa prestation elle présente quatre chansons, comprenant un arrangement pour flûtes de The Anchor Song tiré de Debut (1993), avant de se lancer dans l'Utopia Tour, une brève tournée européenne, jouant dans plusieurs festivals de musique européens durant la saison estival[226],[227]. Le , Björk annonce le lancement de Cornucopia, une nouvelle production de concerts centrée sur son album Utopia et « où l'acoustique et le numérique se serreront la main »[228],[229]. Ce spectacle théâtral est réalisé en collaboration avec Lucrecia Martel. La chanteuse est accompagnée par une chorale islandaise de plus de cinquante chanteurs, un ensemble de sept flûtes, un harpiste, une section de percussions, de l'électronique et aussi un certain nombre d'instruments sur mesure, qui sont mis en œuvre dans la conception d'une scène au son multicanal[230],[231]. La tournée débute en dans la salle The Shed à New York qui décrit Cornucopia comme le « concert mis en scène le plus élaboré de Björk à ce jour »[232],[233]. Le spectacle en résidence se rend ensuite au Mexique et en Europe[234],[235]. À la suite des représentations, Björk publie des vidéos musicales pour Tabula Rasa et Losss, toutes deux réalisées par Tobias Gremmler et utilisées pour la toile de fond pendant les spectacles[236],[237]. Le , Björk annonce le Utopia Bird Call Boxset, un coffret destiné à célébrer la fin du cycle de l'album, comprenant quatorze appeaux imitant divers cris d'oiseaux et une clé USB contenant l'album, des vidéos musicales et des remixes, ainsi qu'une piste instrumentale inédite, Arpegggio[238],[239]. Le , deux remixes de Features Creatures sont publiés comme singles numériques, l'un par Fever Ray et l'autre par The Knife[240].

Le , les neuf albums de Björk sortent en format cassette, tandis que le , Vulnicura sort dans les boutiques numériques en réalité virtuelle[241],[242]. Le , Björk surprend le public en participant à la performance d'Arca Mutant;Faith, en présentant en avant-première la chanson Afterwards, incluse plus tard sur KiCk i[243]. En 2020, Björk s'associe à Microsoft pour lancer le projet Kórsafn pour l'hôtel Sister City de New York, dans lequel l'intelligence artificielle combine des échantillons de chœurs de ses albums en réaction à l'environnement extérieur et aux conditions météorologiques[244],[245]. La même année, elle joue le rôle de Seeress dans le film The Northman de Robert Eggers, qui sort au cinéma en [246],[247]. Le , elle est annoncée comme productrice exécutive de Meredith Monk : Dancing Voice, Singing Body, un documentaire sur la vie et la carrière de l'artiste américaine Meredith Monk[248]. Le , sort à l'occasion du Record Store Day un picture-disc, en édition limitée, comprenant le single Cosmogony dans sa version originale tirée de Biophilia (2011) et dans une seconde version chantée par le Hamrahlíð Choir[249].

Fossora (depuis 2022)[modifier | modifier le code]

Image d'un concert avec un écran géant et des musiciens sur scène
Björk lors de la deuxième édition de la tournée Cornucopia en 2023 à Paris.

Dans la continuité de la tournée précédente, Björk annonce en le lancement de Björk Orkestral, une tournée qui célèbre les plus grands titres de sa carrière et réarrangé de manière symphonique[250],[251]. Celle-ci se compose alors de six concerts qui doit la faire passer le au Blue Dot Festival de Berlin[252] et à la Seine musicale de Boulogne-Billancourt les et [253]. En raison de la pandémie de Covid-19, toutes les dates sont reportées jusqu'en 2021[254]. Entre le et le , Björk joue quatre spectacles en direct du Björk Orkestral au Harpa à Reykjavík, chaque concert présentant plusieurs chansons de ses neuf albums studio[255],[256]. Ces quatre concerts sont récompensés aux Icelandic Music Awards 2022 en tant qu'« événement musical de l'année »[257]. De nouvelles dates sont ajoutées à cette tournée ainsi que pour le Cornucopia, également suspendue précédemment en raison de la pandémie[258]. La musicienne fait voyager son Björk Orkestral en Amérique du Nord et du Sud, en Europe et en Asie[252]. Lors de ses participations au festival Coachella en , les morceaux de la chanteuse sont accompagnés par une chorégraphie réalisée par 864 drones dans le ciel[259],[260].

Entre fin 2021 et début 2022, Björk donne une série d'interviews dans lesquelles elle annonce avoir terminé son dixième album studio tout en révélant avoir été inspirée par ses soirées pendant la pandémie[261],[262],[263]. Elle révèle au Los Angeles Times qu'il y a des éléments « folk-acoustique » dans ce nouvel opus, et que chaque morceau mélange des styles calmes et sombres avant de devenir dansants. Elle ajoute qu'elle s'est concentrée sur le thème du corps et des saisons, « une sorte de proximité avec les choses viscérales »[264]. L'album est officiellement annoncé lors d'une interview avec The Guardian le [265]. La compositrice déclare que son nouvel album s'appelle Fossora (signifiant « personne qui creuse » en latin). Il est décrit par Björk comme un « album champignon » sur le retour aux sources, renforcé par l'isolement imposé par la pandémie de Covid-19 et certains événements personnels, comme la disparition de sa mère et le fait de devenir grand-mère[266]. La chanteuse déclare que la réalisation de cet album « c'est comme creuser un trou dans le sol. Cette fois-ci, je vis avec des taupes et je m’enracine vraiment »[265],[266] où elle voulait « juste atterrir sur la planète Terre et enterrer mes orteils dans le sol »[267].

Björk à Cracovie en 2023.

Fossora sort le , précédé par quatre singles : Atopos le [268], Ovule le [269], Ancestress le [270] (tous les trois accompagnés de clip vidéo) et Fossora le [271]. L'album contient des chansons dédiées à sa mère (Ancestress et Sorrowful Soil), une chanson folklorique du XIXe siècle écrite par Látra-Björg Einarsdóttir, ainsi que les participations du sextuor de clarinettes basses Murmuri, de Kasimyn du Gabber Modus Operandi (coproduction des beats gabber), de Émilie Nicolas, de Serpentwithfeet et de ses enfants Sindri Eldon et Ísadóra Bjarkardóttir Barney[265],[272]. L'opus devait également comporter la contribution d'Arca, comme pour Vulnicura (2015) et Utopia (2017), mais en raison de la pandémie Björk n'est pas en mesure de lui rendre visite à Barcelone ou de l'accueillir chez elle[273]. Le , un clip vidéo pour Sorrowful Soil est publié[274]. Fossora est nommé dans la catégorie « meilleur album de musique alternative » aux Grammy Awards[196] et remporte le même prix ainsi que celui de la « meilleur direction d'enregistrement de l'année » aux Icelandic Music Awards[275]. Un clip vidéo pour la chanson éponyme sort le [276]. L'album est très bien accueilli à sa sortie et se retrouve dans la liste des meilleurs albums de 2022 de plusieurs magazine ; notamment dans le top 10 du New York Times et Line of Best Fit[277],[278].

En , Björk se lance dans le podcasting avec Björk : Sonic Symbolism qui, selon un communiqué de presse, la présente « discutant des textures, des timbres et des paysages émotionnels de chacun de ses albums » avec ses amis l'écrivain Oddný Eir et le musicologue Ásmundur Jónsson ; les trois premiers épisodes du podcast, qui se concentre sur Debut, Post et Homogenic, sont diffusés pour la première fois le [279],[280]. À l'occasion du Record Store Day en 2023, la musicienne publie en édition limitée des vinyles pour les remixes d'Atopos par Sideproject et d'Ovule par Shygirl et Sega Bodega, ainsi qu'une réédition de Mount Wittenberg Orca (2009) réalisé avec Dirty Projectors[281]. Björk réalise un remix pour la chanson Woe (I See It From Your Side) de Shygirl qui sort sur Nymph_o le [282],[283]. Fin août, la chanteuse remporte lors des AIM Awards 2023 le prix de la « meilleure performance live »[284]. Le , marque le lancement à Lisbonne de la seconde édition de la tournée Cornucopia qui comprend l'intégration des titres de Fossora, d'un ensemble de clarinettes, un son ambiophonique et une chambre de réverbération sur un morceau[285],[286]. Le , la chanteuse publie le clip vidéo de Victimhood réalisé par Gabríela Friðriksdóttir et Pierre-Alain Giraud[287],[288].

En , Björk est nommée « citoyenne d’honneur de Reykjavík » par le conseil municipal de la ville. Cela fait d'elle la huitième personnalité à recevoir cette distinction. Au lieu de réaliser une cérémonie traditionnelle la ville décide d'édifier une statue de la chanteuse qui est en cours de réalisation par Gabríela Friðriksdóttir et le Musée d'art de Reykjavík[289],[290],[291]. La chanteuse annonce participer à l'album Akoma, en chantant sur la chanson Borealis, de la musicienne Jlin. Celui-ci sortira le et comprend la participation d'autres musiciens comme Philip Glass ou le Kronos Quartet[292],[293].

Vie privée[modifier | modifier le code]

Relations amoureuses et enfants[modifier | modifier le code]

Björk a un fils, Sindri Thorsson, né le de son union avec Eldon Jónsson (Þór Eldon en islandais), alors guitariste des Sugarcubes, groupe dont elle était la chanteuse.

Après leur séparation, plusieurs de ses relations ont été médiatisées, dont celle avec le compositeur Goldie et celle avec le photographe Stéphane Sednaoui.

Björk a ensuite une fille, Isadora, née le , avec son compagnon Matthew Barney, artiste-réalisateur américain. Ils se sont séparés en 2013.

Sexualité[modifier | modifier le code]

Lors d'une interview en 2004, Björk déclare :

« J'ai toujours eu autant de femmes puissantes et créatives dans ma vie que d'hommes, et on pourrait probablement qualifier certaines de ces relations de romantiques. Je pense que tout le monde est bisexuel à un degré ou à un autre ; il s'agit simplement de choisir ou non de le reconnaître et de l'embrasser. Personnellement, je pense que choisir entre les hommes et les femmes, c'est comme choisir entre un gâteau et une glace. Il serait stupide de ne pas essayer les deux quand il y a tant de saveurs différentes[294]. »

Attentat déjoué en 1996[modifier | modifier le code]

Le , un fan obsédé, Ricardo López, poste un colis piégé à l'acide à la maison de Björk à Londres puis se suicide, mais le paquet est intercepté par la Metropolitan Police Service[295]. López laisse un film qu'il a réalisé lors du processus de création de la bombe à l'acide qui était destinée à créer de sévères cicatrices sur le visage de la chanteuse ainsi que sur son torse. Les dix-huit premières heures de la bande vidéo exposent l'obsession de López pour Björk, la construction du dispositif, ses idées sur l'amour et d'autres sujets, ainsi que des remarques racistes envers l'ex-petit ami de Björk, Goldie. La vidéo se poursuit après l'envoi de la bombe et se termine avec une vue de López se rasant la tête, appliquant de la peinture sur son visage et se suicidant par balle face à la caméra[296].

Dans ses rares commentaires publics sur cet événement, Björk a dit plus tard qu'il s'agissait d'une épreuve très difficile émotionnellement, et que celle-ci avait bouleversé sa vie et son quotidien à Londres. Selon elle, cela explique également en partie pourquoi elle a finalement choisi de quitter la scène au Royaume-Uni pour de bon, rejeter son image « mignonne » et commencer à écrire de façon plus personnelle avec Homogenic (1997).

Problèmes avec des paparazzis[modifier | modifier le code]

En , Björk arrive à l'aéroport international de Bangkok avec son fils de neuf ans, Sindri, après un vol long-courrier. Des journalistes sont présents, bien que Björk ait demandé à l'avance que la presse les laisse seuls, elle et son fils, jusqu'à sa conférence de presse. Alors que Björk tente de s'éloigner des paparazzis, la journaliste TV Julie Kaufman s'approche de Sindri et lui dit : « Bienvenue à Bangkok ! ». En réponse, Björk se jette sur Kaufman, la faisant tomber au sol et la poussant jusqu'à ce que la sécurité intervienne. Björk s'est ensuite excusée auprès de Kaufman, qui ne porte pas plainte[57]. Sa maison de disques déclare plus tard que la journaliste avait harcelé Björk pendant quatre jours avant l'incident[297].

Le , Björk attaque un paparazzi qui avait photographié son arrivée à l'aéroport international d'Auckland pour sa prestation prévue au festival Big Day Out[298]. La chanteuse déchire alors le dos de chemise du photographe avant de la jeter au sol[299]. Ni le photographe ni son employeur, le New Zealand Herald, n'ont déposé de plainte, et la police d'Auckland n'a pas mené d'enquête plus approfondie[300].

Caractéristiques artistiques[modifier | modifier le code]

Voix[modifier | modifier le code]

Image d'une femme brune habillée de jaune chantant dans un micro
La voix de Björk est régulièrement décrite comme unique et puissante.

Björk est une soprano ayant une tessiture de trois octaves allant de Mi 3 à 6[301],[302],[303]. Sa voix est décrite comme étant à la fois « élastique », « forte » et capable de faire des « saut périlleux » de qualité, et est louée pour sa capacité à scatter et sa manière particulière de chanter qui comprend des passages gutturaux, crier et « guider par ses émotions »[304],[305]. Alex Ross du magazine New Yorker explique ne pas avoir trouvé « de voix semblable dans la musique classique ou dans la musique pop. Elle est immédiatement reconnaissable. Vous entendez une ou deux notes et vous savez que c'est Björk »[305]. Dans une critique de sa prestation en direct au festival international de Manchester en 2011, Bernadette McNulty du Daily Telegraph déclare : « la jeune femme de 45 ans utilise encore les rythmes de danse électronique avec la passion d'une raveuse pure sang et le timbre élémentaire de sa voix est devenu plus puissant avec l'âge »[306].

Fin 2012, la chanteuse est opérée d'un polype sur ses cordes vocales. Elle commente le succès de l'intervention après des années de régime strict et d'exercices vocaux pour prévenir les blessures vocales, elle « est restée silencieuse pendant trois semaines, puis a commencé à chanter et j'ai vraiment l'impression que mes cordes sont aussi bonnes qu'avant le nodule »[307],[308],[309]. Cependant, dans une critique pour Biophilia, Kitty Empire de Guardian trouve qu'avant l'opération la voix de Björk sonnait avec force, commentant que sa voix était « spectaculaire et en flèche », en particulier sur la chanson Thunderbolt[310]. Avec les mêmes idées, Matthew Cole de Slant Magazine ajoute que sa voix s'est « assez bien préservée » ; il note cependant que sa voix est devenue plus rauque et criarde, ajoutant que « ce n'est que lorsque ses pyrotechnies vocales les plus dramatiques sont concernées qu'il y a une question de capacité physique »[311].

La National Public Radio compte Björk parmi sa liste des « 50 grandes voix » et MTV l'a place à la 8e place de son classement des « 22 plus grandes voix de la musique »[312],[313]. Elle est classée en 60e position dans la liste des « 100 plus grands chanteurs de tous les temps » et en 81e place des « 100 plus grands auteurs-compositeurs de tous les temps » par le magazine Rolling Stone, qui loue sa voix comme étant unique, fraîche et extrêmement polyvalente, s'adaptant à un large éventail d'influences et de genres[314],[315].

Style musical[modifier | modifier le code]

Image d'une chanteuse brune portant une robe composée d'un haut en forme de squelette et d'une jupe de plusieurs couleurs
Bien qu'ancrée dans la pop, la musique de Björk est difficilement classifiable due à son éclectisme.

Au cours de ses trois décennies de carrière solo, Björk développe un style musical éclectique et avant-gardiste[27],[316] qui incorpore des aspects de la musique électronique[27],[317],[318], de la dance[318],[319], de la dance alternative[320], du trip hop[321], de la musique expérimentale[322],[323],[324], du glitch[316], du jazz[316],[304], du rock alternatif[325],[326], de la musique instrumentale[27], et de la musique classique contemporaine[317],[324]. Dès ses débuts, sa musique fait l'objet d'analyse et d'un suivi minutieux, car la chanteuse défie constamment toute catégorisation dans un genre musical précis[327]. Bien qu'elle se qualifie souvent d'artiste pop[322], elle est considérée comme ayant une « force créatrice expérimentale sans repos »[328],[329]. Selon Taylor Ho Bynum, du New Yorker, « aucune artiste contemporaine ne comble aussi gracieusement le fossé [entre l'expérimentatrice musicale et la célébrité pop] que Björk »[330]. Son album Debut, qui mélange la musique électronique, house music, jazz et trip hop, est considéré comme l'un des premiers albums à introduire la musique électronique dans le courant dominant de la musique pop[331],[332]. Joshua Ostroff résume de manière générale sa vaste intégration de l'art et de la musique populaire en disant qu'« il n'y a pas de meilleur [mot] descriptif pour ce que fait Björk que l'art pop »[320]. Le NME qualifie également ses productions d'« agenda pop constamment progressif »[333].

Son travail est décrit comme « explorant fréquemment la relation entre la nature et la technologie »[334]. La nature a toujours été un élément central dans la musique de la chanteuse. Ayant grandi en écoutant les sons de la nature « [la musique de Björk] tente d'incarner la nature et les paysages émotionnels qu'elle suscite en nous »[335]. Ce lien débute dès l'album Homogenic, dont elle veut que la musique soit liée à l'Islande en symbolisant « des volcans rugueux avec de la mousse douce qui pousse partout »[54]. Pour son album Biophilia, développant le lien entre musique, nature et nouvelle technologie, elle explique que « la façon la plus naturelle de rendre la musique visuelle pour moi était de la comparer à des éléments de la nature. Ainsi, les formes des chansons sont comme des cristaux, les arrangements se multiplient comme des virus, les accords sont comme les strates des plaques tectoniques, le rythme comme l'ADN qui se réplique, les arpèges comme des éclairsetc. Le son est assez abstrait et il est parfois difficile de l'expliquer et d'en parler, à moins de le comparer à quelque chose de visuel que tout le monde connaît »[336].

Le principe que retient Björk est en effet la juxtaposition de références d'origines fortement éloignées. Par exemple, dans Big Time Sensuality, et plus précisément le refrain : « It takes courage / To enjoy it / The hardcore and the gentle / Big time sensuality » (littéralement : il faut du courage / pour en profiter / le radical et le doux / la sensualité du grand moment)

La ligne mélodique de la voix sur le passage « to enjoy » est caractéristiquement inspirée des lignes de Peter Tosh ou de Bob Marley.

Les premières années de Björk se font au sein de groupes punk, ensuite elle passe par Londres et l'Angleterre où la scène ragga, reggae et dub est très active.

Mais la principale caractéristique de son activité musicale est son goût prononcé pour les collaborations extérieures. Björk aime inviter des compositeurs et producteurs provenant des tendances les plus diverses sur ses albums (à l'exception de Debut et, dans une moindre mesure, de Homogenic, qui se veulent profondément inspirés par ses racines islandaises). Cette collaboration se poursuit d'ailleurs au-delà des albums : pour presque chacune de ses chansons, Björk engage une horde hétéroclite de remixeurs pour les réinterpréter. Cette philosophie du remix, à mille lieues des traditionnels « boum boum » prévisibles des remixes pour discothèques, trouve son point culminant dans Telegram, disque entièrement voué à cette forme musicale.

Outre ses propres chansons, Björk participe également aux albums de ses collègues et amis, tels Tricky, Leila, Hector Zazou, A Tribe Called Quest, Evelyn Glennie, ou Plaid.

Enfin, Björk considère le clip comme un prolongement à part entière de son œuvre et s'y implique pleinement. Collaborant fréquemment avec Michel Gondry (réalisateur des clips de Human Behaviour, Army of Me, Isobel, Hyperballad, Jóga, Bachelorette, Declare Independence et Crystalline), elle travaille également avec Jean-Baptiste Mondino, Chris Cunningham ou Spike Jonze.

Björk et l'art[modifier | modifier le code]

Björk poursuit ses recherches artistiques dans d'autres domaines que la musique.

Elle commence sa carrière au cinéma en 1986 avec le rôle principal de The Juniper Tree, film islandais indépendant sorti en 1990. Elle fait ensuite un détour par la télévision dans le téléfilm Glerbrot de Matthias Johannesen où elle incarne une adolescente rebelle. Après une participation anecdotique en 1994 dans Prêt-à-porter de Robert Altman, elle marque les esprits dans le rôle principal de Dancer in the Dark, film réalisé par Lars von Trier pour lequel elle signe également la musique originale. Ce film lui vaut de nombreuses distinctions, dont le prix d'interprétation féminine au festival de Cannes en 2000 et une nomination aux Oscars pour la chanson I've seen it all. Malgré cette réussite, elle déclare avoir trop souffert pour incarner le rôle de Selma et annonce ne plus vouloir jouer dans un film.

Du côté des œuvres audiovisuelles, Björk ne se limite pas au cinéma. Elle collabore avec son conjoint Matthew Barney pour le film expérimental Drawing Restraint 9 en 2005. Pour ses propres vidéo-clips, Björk fait appel à des réalisateurs renommés, notamment Michel Gondry qui a signé sept réalisations, mais aussi Sophie Muller, Stéphane Sednaoui, Spike Jonze, Chris Cunningham, Michel Ocelot ou encore Jean-Baptiste Mondino. Elle fait aussi appel à des artistes qui ne sont pas habitués des vidéo-clips (certains n'avaient d'ailleurs jamais réalisé le moindre film avant) : Alexander McQueen, Nick Knight, M/M (Paris) (graphistes français), Eiko Ishioka (graphiste japonaise), Lynn Fox (collectif de graphistes), John Kricfalusi (animateur), Gabríela Friðriksdóttir, Inez Van Lamsweerde et Vinoodh Matadin (photographes).

Björk en 2001, vêtue de la célèbre « robe-cygne » conçue par Marjan Pejoski.

En photographie, Björk pose pour les photographes les plus en vogue, tels que Jean-Baptiste Mondino.

Enfin, elle met souvent en avant son goût pour la mode d'avant-garde, qu'elle met notamment en avant lors de ses apparitions en concert ou à la télévision mais aussi sur les pochettes de ses albums. Elle a rencontré de nombreux stylistes parmi lesquels Alexander McQueen, qui a signé la pochette d'Homogenic[337] et pour qui elle a collaboré pour une installation intitulée Angel, présentée à Avignon en 2000[338]. De même, sur la pochette de l'album Post et pour la tournée du même album, elle a porté des robes du créateur Hussein Chalayan, lequel a en outre participé au livre Björk[339]. Elle a également rendu culte une « robe-cygne » conçue par la Macédonienne Marjan Pejoski, qu'elle a portée sur la pochette de Vespertine[340], durant la tournée de cet album[340], lors de la projection du film Dancer in the Dark au Festival de Cannes 2000[338] et lors de la 73e cérémonie des Oscars en 2001[340]. Elle a porté d'autres créations de Pejoski, dont une « robe lampion rose » lors de la remise des prix du Festival de Cannes 2000[340]. Au sujet de la mode, Björk clame que « les gens intellectualisent trop les vêtements, les prennent trop au sérieux » et regrette « cette tendance tacite de vouloir se subordonner à une sorte d'uniforme de police, de se conformer à un stéréotype »[338].

Björk a également collaboré avec la marque japonaise Comme des Garçons[337], le duo néerlandais Viktor & Rolf[337], le couturier américain Jeremy Scott[337] ou encore le créateur Bernhard Willhelm, qui a signé la sculpture sur la pochette de l'album Volta[337].

Elle apparaîtra aussi, imité par la drag-queen Katya, dans l'émission Rupaul's Drag Race en 2016.

Influences et héritage[modifier | modifier le code]

Image en noir et blanc d'un portrait d'un homme.
Image d'une femme brune habillée d'un haut jaune.
Björk cite régulièrement des musiciens comme Karlheinz Stockhausen (gauche) et Kate Bush (droite) parmi ses plus grandes influences.

Bien que Björk déclare être influencée par « tout »[341], elle cite Stockhausen, Kraftwerk, Brian Eno et Mark Bell parmi les personnes qui l'ont le plus influencée[342],[343]. Elle s'inspire également de compositeurs comme Arnold Schönberg, Richard Strauss, Olivier Messiaen ou John Cage qui lui donne très tôt l'envie de s'« essayer à la composition d'avant-garde, créant des pièces à partir d'objets sonores trouvés, comme une cassette de son grand-père en train de ronfler »[27],[343]. Parmi les « auteurs-compositeurs-interprètes confessionnels » que Björk recommande, on trouve Abida Parveen, Chaka Khan, Joni Mitchell et Kate Bush, cette dernière ayant exercé une influence déterminante sur sa carrière[344],[345]. La chanteuse explique que Mitchell l'a inspirée pour écrire ses propres chansons car elle « a créé son propre [univers musical féminin] » et qu'elle a trouvé cela « très libérateur »[346]. Lors d'une interview accordé à Pulse, on apprend qu'« une grande partie des premières influences de Björk étaient des livres (L'Histoire de l'œil de Georges Bataille, Le Maître et Marguerite de Mikhaïl Boulgakov) et des films (Tampopo, Star Wars, Le Tambour) disponibles à l'étranger. Mais si l'on parle de l'Islande, on touche au cœur de sa matière, à la source de sa vision de la vie »[347].

Durant ses années d'études à l'école de musique, Björk s'intéresse très rapidement à l'avant-garde, à la musique classique et à la musique minimaliste[27],[348], tout en devenant une « folle de jazz »[349]. Bien que sa musique soit plus systématiquement tonale et qu'elle ait plus d'attrait pour le grand public, elle se considére comme redevable aux compositeurs d'avant-garde Karlheinz Stockhausen, Meredith Monk (avec qui elle devient amie), Sun Ra et Philip Glass[330],[350]. Dans un article paru en 2008 dans The Guardian, Björk considére Stockhausen comme la racine de la musique électronique, écrivant : « il a déclenché un soleil qui brûle encore et brillera longtemps »[351]. Au début de sa carrière, Björk cite également David Attenborough comme sa plus grande influence musicale, déclarant « qu'elle s'identifie à sa soif d'explorer des territoires nouveaux et sauvages »[352]. Elle explique également qu'elle « [aime] découvrir des sons que je n'avais jamais entendus auparavant »[353].

Dès le début de sa carrière Björk de nombreux artistes, comme Madonna ou PJ Harvey, témoignent leur respect envers la chanteuse[354],[355]. Par la suite de nombreux artistes contemporains expliquent avoir été influencé par la compositrice comme notamment Christine and the Queens[356], Charli XCX[357], Aurora[358], Simone Simons[359],[360], Tamino[361], Ellie Goulding[362], Lindsay Schoolcraft[363], Jeanne Added[364], David Longstreth[365], Youn Sun Nah[366], Arca[367] ou Katy Perry[368]. Amy Lee, du groupe Evanescence, explique que la chanteuse à beaucoup inspiré son groupe et que l'album Post est « l'un des plus grands disques de [sa] vie »[369],[370],[371]. La chanteuse barcelonaise Rosalía déclare au magazine Pitchfork qu'elle « remercie Dieu pour l'existence de Björk » car elle a « ouvert la voie aux productrices »[372],[373]. Thom Yorke et Ed O'Brien de Radiohead expliquent avoir « été un peu envieux de la façon dont Björk a été capable de réinventer la musique »[374]. Emily Mackay du magazine NME, à l'occasion des vingt ans de l'album Debut, trouve l'influence de la chanteuse dans la musique de M.I.A., Grimes, These New Puritans ou Tune-Yards expliquant que « c'est dans des artistes individuels fascinants comme ceux-là que vous trouverez l'influence [de Björk] »[375]. Elle note aussi que son style dance-pop s'est répercuté dans la musique d'artistes comme Lady Gaga et Robyn[375].

Autres activités[modifier | modifier le code]

Opinions politiques[modifier | modifier le code]

Image d'une chanteuse brune habillée en rouge, entourée par des cuivres et des bagnères
Björk utilise régulièrement la chanson Declare Independance pour montrer son soutien aux pays qui cherchent à garder leur indépendance.

Les années que Björk passe chez Kukl la rapprochent du collectif anarchiste Crass[376]. Bien qu'elle hésite depuis à être considérée comme une personnalité ouvertement politique, comme elle l'a indiqué sur son site Internet[377], elle soutient de nombreux mouvements de libération, y compris l'indépendance du Kosovo[378].

Jusqu'aux années 2000, Björk reste discrète voire muette sur ses opinions, notamment politiques, qui n'apparaissent dans son œuvre qu'à partir de Medúlla (2004), dont la fin de la chanson Mouth's Craddle fait référence à George W. Bush et Oussama ben Laden, qu'elle met implicitement dans le même lot[98],[379].

À la fin des années 1990, elle participe toutefois à la série de concert appelé Tibetan Freedom Concert[380]. Par la suite la chanteuse utilise sa chanson Declare Independence, tiré de Volta (2007), comme morceau pour soutenir l'indépendance de plusieurs pays. Le , lors de son unique concert en Chine, à Shanghai, juste après avoir chanté la chanson et juste avant de quitter la scène, elle s'écrie « Tibet, Tibet, raise your flag! » (soit « Tibet, Tibet, lève ton drapeau ! ») en soutient au Mouvement international pour l'indépendance du Tibet[381]. Le ministère chinois de la culture publie une dénonciation par l'intermédiaire de l'agence de presse nationale Xinhua, déclarant que Björk avait « enfreint la loi chinoise » et « blessé les sentiments du peuple chinois », et s'engage à renforcer le contrôle sur les artistes étrangers se produisant en Chine[382],[383]. À la suite des remous provoqués en Chine, elle y est interdite de concert[384]. Elle dédie sa chanson Declare Independence aux îles Féroé et au Groenland pour qu'ils se détachent du Danemark, ce qui provoque une petite controverse dans le premier pays cité[385],[386],[387]. Après que Björk ait dédiée à deux reprises la même chanson au peuple du Kosovo lors d'un concert au Japon[388] sa prestation au festival EXIT en Serbie est annulée pour des raisons de sécurité [389],[390]. En 2014, Björk dédie la chanson dans un post Facebook au peuple écossais à l'approche du référendum pour leur indépendance[391]. En , elle poste un tweet dédiant le titre à la Catalogne à l'occasion du référendum sur l'indépendance catalane[392].

En , elle soutient les membres du collectif punk féministe russe Pussy Riot qui ont été arrêtées à Moscou : « En tant que musicienne et mère j'aimerais exprimer mon désaccord féroce concernant leur emprisonnement dû à une protestation pacifique [...] Les autorités russes devraient les laisser rentrer chez elles auprès de leurs familles et de leurs enfants »[393],[394]. Elle leur dédie la chanson Declare Independence lors d'un concert à Helsinki[393],[394].

Dans l'album Utopia (2017), la chanteuse propose sa vision féministe et matriarcale d'un monde possible loin des mauvais côtés de la politique et des changements climatiques[395].

En , pendant la guerre entre Israël et le Hamas, elle publie sur ses réseaux sociaux des messages remettant en cause l'occupation israélienne de la Palestine[396].

Actions humanitaires[modifier | modifier le code]

C'est après le désastre du tsunami dans l'océan Indien fin 2004 que Björk lance le projet Army of Me: Remixes and Covers afin de collecter des fonds. Ce projet a pour but de recruter par concours des musiciens et des fans pour remixer le titre Army of Me (1995). Parmi plus de 600 réponses, Björk et son coauteur Graham Massey sélectionne les vingt meilleures versions pour figurer sur l'album. L'album sort en au Royaume-Uni et fin aux États-Unis. Mis sur le marché au début de 2006, l'album récolta 250 000 £ pour aider l'Unicef[397]. Dans la continuité de ce projet, Björk effectue en , un voyage à Banda Aceh, pour se rendre compte du travail effectué par l'Unicef, auprès des enfants affectés par le tsunami[398].

Le , elle participe au Live 8, série de concerts organisée pour faire pression sur les dirigeants du G8 pour qu'ils luttent contre la pauvreté en Afrique. Björk se produit alors au Japon, accompagnée de Matmos, un octuor japonais et Zeena Parkins, pour jouer 8 titres, dont All Is Full Of Love. Do As Infinity, Good Charlotte et McFly jouaient au même concert[399],[400].

En , Björk verse tous les bénéfices de la chanson The Comet Song, tiré du film Les Moomins et la chasse à la comète, à l'Unicef afin d'aider les enfants victimes d'inondations au Pakistan[401],[402].

Environnementalisme[modifier | modifier le code]

image d'une femme brune maquillée et portant un chapeau avec de gros pompons colorés chantant dans un micro
Björk lors du concert Náttúra à Reykjavik le .

Björk s'intéresse également aux questions environnementales en Islande. En 2004, elle participe au concert Hætta à Reykjavík, organisé pour protester contre la construction d'usines d'aluminium Alcoa dans le pays, faiasant alors de l'Islande la plus grande usine d'aluminium d'Europe[403],[404]. Elle fonde l'organisation Náttúra, qui vise à promouvoir la nature islandaise et les industries de base[405]. En , Björk écrit un article pour le Times sur l'économie islandaise et donne son avis sur l'utilisation proposée des ressources naturelles pour sauver le pays de la dette[406]. En collaboration avec Audur Capital, elle crée une collecte de fonds intitulé BJÖRK pour soutenir la création d'industries durables en Islande[407].

En , elle donne un concert avec le groupe islandais Sigur Rós pour sensibiliser le public contre l'utilisation des ressources naturelles islandaise par les entreprises d'aluminium et par les centrales hydroélectriques et géothermiques qui les utilisent pour alimenter leurs fonderies[408]. Le , Björk publie le morceau Náttúra, qui promut la protection de l'environnement islandais, en collaboration avec Thom Yorke de Radiohead. Toutes les recettes de la chanson sont reversées à la Fondation Náttúra, une campagne de préservation de l'environnement qui a donné son nom à la chanson[409],[410]. En , devant le marasme économique subi par l'Islande en raison de la crise financière mondiale, elle prône l'adoption de l'euro par l'Islande, ce qui impliquerait l'adhésion de son pays à l'Union européenne[411]. D'autre part, elle participe à la création d'un fonds d'aide destiné à relancer l'économie islandaise[412].

En , la société canadienne d'énergie renouvelable Magma Energy acquit 98,5 % des actions de la société islandaise d'énergie géothermique HS Orka[413]. Le , Björk écrit une lettre ouverte au Reykjavík Grapevine appelant le gouvernement islandais à « faire tout ce qui est en son pouvoir pour révoquer les contrats avec Magma Energy »[414]. Recevant l'accord du gouvernement islandais[415], Björk lance une pétition promue en se produisant à la Nordic House à Reykjavík le 19 juillet[416]. Elle est soutenue par l'eurodéputée Eva Joly[412].

En 2014, Björk participe à l'organisation Stopp, Let's Protect the Park, un événement créer pour collecter des fonds et sensibiliser à la préservation de la nature islandaise. Cet événement comprend un spectacle au Harpa Concert Hall, au cours duquel elle interpréte trois chansons. Le concert a d'abord permis de récolter 310 000 dollars[417], puis 3 millions de livres sterling, l'objectif étant d'utiliser cet argent pour créer un parc national[418].

Le , Björk partage une vidéo sur sa chaîne YouTube dans laquelle elle appelle à une action mondiale pour sauver les hauts plateaux islandais de la destruction environnementale. Dans la vidéo, l'artiste exhorte « le monde à nous soutenir contre notre gouvernement » afin d'arrêter un projet de construction de centrales électriques sur les hautes terres islandaises[419].

En , Björk annonce s'associer à la chanteuse barcelonaise Rosalía et au producteur Sega Bodega pour sortir le la chanson Oral[420],[421]. Il s'agit d'une démo retravaillée écrite entre Homogenic et Vespertine. La chanson est destinée à soutenir les habitants de Seyðisfjörður contre la pisciculture intensive, réalisé par la Norvège, qui menace de dégrader les écosystèmes locaux. Les recettes de cette chanson seront reversées à Aegis, une organisation environnementale que Björk a fondée avec d'autres activistes islandais pour mettre fin à l'élevage intensif de poissons qui détruit les fjords[422],[423]. La chanson soutient le film écologique Laxaþjóð : A Salmon Nation, l'avant-première qui a lieu le à Reykjavík est suivi d’un débat et d’un concert[424].

Protégés[modifier | modifier le code]

Portrait d'une femme brune habillée de bleue et avec le front maquillé de jaune
Durant sa carrière Björk devient la mentore de nombreux artistes.

Tout au long de sa carrière, Björk a utilisé sa position et son influence pour aider à lancer de nouveaux artistes et groupes en les accompagnants dans leur carrière.

Le premier exemple est celui de la productrice de musique électronique d'origine iranienne Leila Arab, qui est d'abord recrutée comme claviériste et choriste lors de la première tournée internationale en solo de Björk en 1993, pour promouvoir Debut. En 1995, Björk recontacte Arab pour son deuxième groupe de tournée en soutient à Post. Cette fois, Arab a pour la première fois l'occasion d'expérimenter le mixage en direct depuis la scène plutôt que de jouer des claviers. Cette expérience constituera plus tard la base de la carrière musicale solo d'Arab, qui intégre le mixage de ses propres compositions et spectacles en direct. Elle sort ensuite trois albums en solo au cours des années 1990 et s'est produite pour des labels électroniques influents comme Rephlex Records, XL Recordings et Warp Records[425].

En 1998, Björk créée son propre label éphémère, Ear Records, qui opérait sous l'égide de One Little Indian Records. L'unique artiste signé par Björk est son amie Magga Stína, qui enregistre son premier album solo sous la direction de Graham Massey (du groupe britannique d'électronique 808 State), collaborateur de longue date de Björk . L'album s'intitule simplement An Album et ne contient qu'un seul single, Naturally. En 1998, Björk invite Magga à assurer la première partie de son Homogenic Tour puis à contribuer en 2004 à la production de Medúlla. Magga continue de se produire et d'enregistrer en Islande[426].

En 2001, Björk découvre la chanteuse de gorge inuite canadienne Tanya Tagaq qui est ensuite considérée comme une invitée spéciale pour plusieurs dates de la tournée Vespertine. En 2004, Tagaq est invitée à collaborer à l'album a cappella Medúlla, en participant au duo Ancestors[427],[98]. La chanson figure ensuite sur le premier album solo de Tagaq, Sinaa (2005)[428].

En 2004, Arab découvre le travail de l'artiste multimédia finlandaise Heidi Kilpeläinen, qui combine sa pop électro artisanale et lo-fi avec ses propres vidéos musicales autoproduites, qui se fait connaitre sous l'alter ego HK119. Leila parle rapidement du travail de HK119 à Björk, qui commence à la mentionner dans divers articles de presse et interviews[429]. En 2004, Arab annonce que HK119 est son artiste préféré de 2004. HK119 est rapidement signé par le label de Björk, One Little Indian Records, qui sort son premier album en 2006. HK119 et Björk ont participé à une interview commune dans le magazine Dazed & Confused en 2006, dans laquelle Björk déclare à propos du travail de sa collègue : « C'est unique. Même si je vous donnais 3 millions de dollars, vous ne pourriez pas l'améliorer... Sa simplicité est sa force »[430]. HK119 a ensuite sorti ses albums Fast, Cheap and Out of Control en 2008 et Imaginature en 2013, tous deux chez One Little Indian Records.

En 2009, Björk utilise son site web et diverses interviews pour promouvoir deux nouveaux groupes. Le premier est celui de sa collègue musicienne islandaise Ólöf Arnalds, qui est également membre du groupe de folktronica islandais múm. En 2006, Arnalds sort son premier album solo Við Og Við en Islande. Lors d'une interview à la radio, Björk mentionne Arnalds parmi ses nouveaux groupes préférés et encourage One Little Indian Records à rééditer l'album au Royaume-Uni et en Europe en 2009. Björk fait également l'éloge des œuvres de l'artiste anglaise Micachu et du chanteur syrien Omar Souleyman. Plus tard, elle utilise son site web pour accueillir la première vidéo de Micachu, Turn Me Well, publié par Rough Trade Records[431].

Discographie[modifier | modifier le code]

Björk avec Anohni en 2007.

Albums studio[modifier | modifier le code]

Filmographie[modifier | modifier le code]

Actrice[modifier | modifier le code]

Compositeur[modifier | modifier le code]

Ce paragraphe répertorie les films pour lesquels Björk a écrit tout ou partie de la bande originale. Il n'inclut pas les nombreux films qui utilisent des chansons préexistantes (comme c'est le cas dans Léon, par exemple)

Distinctions[modifier | modifier le code]

Björk a reçu de nombreuses récompenses et nominations, dont les plus importantes sont les suivantes :

Documentaires[modifier | modifier le code]

  • Bjork: Inner or Deep Part of an Animal or Plant Structure (2004), documentaire réalisé par Ragnheiður Gestsdóttir
  • Björk ! (2015), documentaire allemand réalisé par Hannes Rossacher et Tita von Hardenberg[N 3]

Notes et références[modifier | modifier le code]

Notes[modifier | modifier le code]

  1. Son nom signifie littéralement « fille de Guðmund ». Voir l'article Nom islandais.
  2. Prononciation en islandais retranscrite selon la norme API.
  3. Disponible jusqu'au 4 juin 2019 sur le site web de la chaîne de télévision Arte.

Références[modifier | modifier le code]

  1. (en) Sean L. Maloney, « Album review: Your Friend, 'Gumption' », The Boston Globe,‎ (lire en ligne, consulté le ).
  2. (en) « Discover who influenced Björk », sur inflooenz.com (consulté le ).
  3. « Björk racontée par un documentaire visible sur Arte », sur Nova (consulté le )
  4. « Bjork | full Official Chart History | Official Charts Company », sur officialcharts.com (consulté le )
  5. Time 100
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Annexes[modifier | modifier le code]

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Bibliographie[modifier | modifier le code]

  • [Pytlik 2003] (en) Mark Pytlik, Björk: Wow and Flutter., ECW Press, (ISBN 9781550225563). Ouvrage utilisé pour la rédaction de l'article
  • Paul Alexandre, Björk, éditions Prélude et Fugue, 1997, 127 p. (ISBN 2-84343-011-9)
  • Jordi Bianciotto, Björk, Editorial La Máscara, Valence (Espagne), collection Images du Rock (no 40), 1998, 64 p. (traduit de l'espagnol) (ISBN 84-7974-566-5)
  • Evelyn McDonnell, Björk, La Fée Septentrion (FR), Édition du Camion Blanc, 2003, 170 p. (ISBN 2-910196-30-5) Army Of She: Icelandic, Iconoclastic, Irrepressible Björk (titre original)
  • Björk une femme islandaise (bande dessinée biographique), scénario de Guillaume Lebeau, dessins de Christelle Pécout, collection Marabulles, Marabout, 2015 (ISBN 978-2501081009)

Articles connexes[modifier | modifier le code]

Il existe une catégorie consacrée à ce sujet : Björk.

Liens externes[modifier | modifier le code]